Pink Floyd (The great gig in the sky) - (Brain damage - Eclipse) - 1973 / (Shine on your crazy diamond) - 1975

Banda británica de rock, considerada por muchos como una de las más grandes del siglo XX.

Discrepo.
Es innegable que consiguió un estilo propio muy atractivo. Es innegable que The dark side of the moon tiene temas muy magnéticos y que el grupo dio a conocer en 1975 una absoluta obra maestra, Shine on your crazy diamond. Innegable.

Pero la producción general del grupo es muy irregular.
Los siete primeros trabajos son demasiado oscuros e intimistas, por no decir anodinos.

¿Y qué decir del fenómeno The Wall? Desde mi punto de vista me parece completamente sobrevalorado. Entiendo que la gente cayera en las redes del marketing agresivo que se hizo para este disco en su momento, como si fuera la panacea. Pero visto en perspectiva -y sin perspectiva- The Wall no ofrece más que algunos pocos buenos momentos de buen hacer. El resto es flagrante relleno.
Lo de Final Cut... mejor sin comentarios.
Y los tres últimos discos (1987, 1994 y 2014) no ofrecen casi nada realmente destacable.

David Gilmour, multinstrumentalista y con una sensibilidad muy especial, sin tener una técnica superlativa, se apoya magistralmente en la tecnología para dar un aura muy efectiva a sus solos. Esto queda patente en algunas muy buenas piezas, aunque no abundan, también hay que decirlo.

Total, que es sorprendente que una banda que solo tiene un puñado de buenos temas + uno glorioso haya conseguido alzarse a tan altos podios de popularidad en general. Está claro que la sombra de "Shine on your crazy diamond" es muy muy alargada... Y el márketing (el propio nombre de la banda ya es muy sugerente per se)... y sus conciertos de luces... si no, no se entendería. Hay decenas de grupos que se merecen mucho más de lo que ha obtenido del público Pink Floyd.

En los últimos años han surgido unas cuantas bandas tributo, aprovechando que Pink Floyd ya no actúa en directo, y que han visto un filón para seguir cobrando a incautos despistados y deslumbrados por el "aura Pink Floyd". Hay mucha gente que se congratula en ello para luego poder presumir que "casi ha visto a Pink Floyd". Todos estos experimentos me parecen poco auténticos, por no pronunciar adjetivos menos amables.

A destacar:
> Astronomy domine (1967)
> If / Summer ´68 (1970)
> San Tropez / Echoes (1971)
> Breathe (in the air) / Us and them (1973)
> Comfortably numb / Run like hell (1979)
> What do you want from me (1994)

Maysa Leak (Marrakech) - 1999 / (Sunshine) - 2000- (I care) - 2013

Virtuosa cantante americana ligada al movimiento más técnico y elegante del acid jazz.
No en vano es la cantante oficial de Incognito (ver post).

Con una docena de discos en solitario, sería raro que no tuviera perlas diseminadas en su haber para no dejar aquí su huella.

La maravilla Marrakech es 100% Maysa. No existe en youtube versión nativa, así que pongo el link al tema que hizo con Incognito.

Weed (Before I die) - (My dream) - 1971

Entre 1968 y 1971 Ken Hensley, líder de Uriah Heep, tuvo varias bandas paralelas.
En concreto, The Gods, Toe Fat, Head Machine y Weed.

La formación de Weed es muy curiosa. Todos los miembros formaban parte de un grupo alemán anterior extinto en 1969, llamado Virus.
La discográfica (Phonogram) invitó a Hensley a unirse al proyecto, cosa que hizo sin pensarlo mucho, pues por aquél entonces el ínclito estaba en efervescencia creativa y parecía tener tiempo para todo, y además hacerlo bien. Hecho que se demuestra con este magnífico trabajo, un disco en el que es compositor, guitarra, cantante y está al mando de los teclados. Casi nada.
Es un disco muy poco conocido ya que Weed no tuvo ninguna continuidad, después de su publicación el grupo se disolvió. Hensley se volcó a partir de ese año a tiempo completo con Uriah Heep y dejó huérfanos a los demás integrantes.

Por esas mismas fechas existía otro grupo alemán con características similares, una fantástica banda llamada Lucifer´s Friend, que contaba como frontman con otro cantante británico, John Lawton.

John Lawton fue cantante de Uriah Heep entre 1977 y 1979, editando con el grupo cuatro discos para la historia. Habéis oído bien: cuatro, no tres como dicen las crónicas. El cuarto disco nunca se editó de manera oficial pero existe. Si no lo creeis, aquí la prueba:

https://www.youtube.com/watch?v=VLJX8vlNibE&t=888s

Parte de ese material se reeditó en el último disco Uriah-Hensley, "Conquest" (1980), con las vocales de John Sloman.
En fin, curiosidad y coincidencia. Dos grupos alemanes confluyendo en Uriah Heep, con Hensley como hilo conductor.

Leonard Cohen (Never any good) - 1997 / (I´m your man) - (Tower of song) - (Everybody knows) - 1988

Origen: Montreal (Canadá).

Periodo: 1956 - 2016.

Hemos tenido, por precepto, que eliminar toda producción fuera de lo estrictamente musical. Pues Cohen cae muchas veces en algo que no es música, más bien pertenece al mundo literario.

Afortunadamente Leonard posee algunos temas musicales. Pocos, hay que decirlo, pues no contemplamos en este podio a los cantautores de letra ni al folk en su esencial expresión. Eso queda mejor en los libros de poemas.

Por citar un ejemplo cualquiera, y además de su último disco, pero que es representativo y tónico, "Leaving the table". ¿Qué encontramos aquí? Un desfase triste, como siempre a nivel compositivo, pero poco más.

El bueno de Cohen es, desde mi punto de vista y en su produccion mayoritaria, un pobre desgraciado que, en primer lugar, sabe que lo es, en segundo lugar, sabe que todos lo son (aquí su genialidad), y en tercer lugar, que se cree que es músico cuando no es más que un poeta intentando sacar su voz en alto, cosa que consigue en contadas ocasiones.

Según algunos críticos, un personaje de lo más fascinante y enigmático que parió el siglo XX.

A Cohen igual que a Dylan hay que ponerles pedestal, pero tampoco -seamos serios- es para concederles el Nobel de las Letras... hombres de Dios... Gloria Fuertes podría ser un candidato más acertado.

En fin, Leonard sí hizo música de verdad en sus postrimerías (muy influenciada por el dandy Brian Ferry -hay que decirlo-).

Aquí podeis disponer de las pocas joyas musicales de esta rara avis.

Pierre Garon (Mask of kindness) - (A glimpse of hope) - 2015 / (The roller coaster of life - Future is now) - 2017

Guitarra solista y compositor de Québec (Canadá).

Perfeccionista al límite, editó su primer y único disco hasta la fecha hace unos veinte años, hecho que esperamos solucionar en breve a través de nuestra factoría musical (personalsystem.org).

A raíz de G+  hemos conocido su trabajo, y se merece sin atisbo de duda tener su propio podio aquí dado el altísimo nivel que hemos encontrado en su manera de tocar.
Por supuesto, enseguida me puse en contacto, y el propio Pierre me ha facilitado algunos datos:

Todos los instrumentos, arreglos, mezclas y masterizaciones finales están a su cargo, algo realmente loable.

Pierre se concentra en la composición de piezas instrumentales con un abanico interesante de estilos, siempre rock, aunque nos fascinan sus temas más melódicos y el increíble feeling que imprime en ellos.
Estas selecciones son un muy buen ejemplo.
Aviso: alguna que otra alma sensible necesitará escudilla para retener la baba que le brotará de su boca alucinada de manera automática.

Desde aquí haremos lo posible para que estos magníficos solos tengan la difusión que se merecen. Es música suprema y este precisamente es el fin de esta ventana virtual.

Sus influencias notorias son Yngwie Malmsteen, Gary Moore (sobre todo en su etapa blues), John Sykes (Tygers of Pan Tang), Michael Schenker y Tony MacAlpine.

Para mi es un honor que conozcáis en primicia a Pierre Garon a través de este cronovisor, todo un virtuoso a las seis cuerdas.

A destacar:

> Victime de ses charmes (1995).
> Dear mother (2014).
> Life, part II (2014).
> Soul for sale (2014).
> Alpha skies (2014).
> So easily broken (2015).
> Maggie (2016).
> The lost magical life (2016).
> Mathematically unreachable (2016).
> Partly cloudy with sunny spells (2017).

Gentle Giant (All through the night) - 1980 / (Spooky Boogie) - 1978 /(The boys in the band) - 1973

Grupo británico de rock progresivo, nacido en 1970 con un definido caracter experimental. Fue su música tan incompredida que siempre estuvieron a la sombra de Yes, Genesis, Pink Floyd y Emerson Lake & Palmer, por citar algunos de sus contemporáneos.

Sus primeros trabajos son bastante inaudibles para el oyente moderno, pocos de las generaciones jóvenes podrían soportar las elegantes pero enrevesadas evoluciones de una banda cuyo fin es básicamente volverte del revés e intentar hacer sentir música donde a priori parece que no la hay. De ahí su público minimalista.
Bien es cierto que a veces sus juegos corales de su primera época se tornan excesivos y mareantes (verbigracia, "No God´s a man, 1974).
Por otro lado tenemos a Derek Shulman, multinstrumentalista y cantante pero que como voz del grupo era bastante regular. Se lo perdonaremos a cambio de haber sabido demostrar muchas otras cosas a cambio. Por ejemplo a cantar y componer un tema tan particular como "Nothing at all".

A partir de 1974 fueron suavizando la complejidad e integibilidad de su música, llegando en este paulatino proceso a "Heroes no more" (1980) en el que se intuye una evolución interesante que tristemente no tendría ninguna continuidad pues el grupo desapareció en ese mismo año.

A destacar:

> Nothing at all (1970)
> Pantagruel's Nativity (1971)
> So sincere (1974)
> Playing the game (1974)
> Talybont (1975)
> Memories Of Old Days (1977)
> Little brown bag (1978)
> Heroes no more (1980)

XTC (Complicated game) - 1979 (Runaways) - 1982 / (Washaway) - 1984 / (Church of women) - 2002

Grupo británico nacido en 1972 que transitó por el primer punk, pasando después por la new wave y terminando por un poprock más bien insulso con el que acabó su andadura factual veinte años después.

Es un grupo para puristas, para amantes de los arreglos bien hechos pero rebuscados y con letras interesantes que logran conseguir ese eureka musical en momentos puntuales. 

Después de mucho rebuscar en su amplia discografía (doce discos de estudio), podemos traer estas pequeñas joyas. Y están aquí con todas las de la ley.

A destacar:

> Spinning top / She´s so square (1978)
> Making plans for Nigel / Day in day out (1979)
> Rocket from a bottle (1980)
> Jason and the argonouts (1982)
> This world over (1984)
> Season cycle (1986)
> Pink thing (1989)
> You and the clouds will still be beautiful (2000)

Fanny (Knock on my door) - 1972

Hablamos aquí del primer grupo histórico 100% femenino. No es cualquiera cosa.

Fanny editaron la nada desdeñable cifra de cinco discos de estudio entre 1970 y 1974. Algo inaudito si tenemos en cuenta la estadística, tomando en cuenta todos los estilos musicales. Fueron las primeras en conseguirlo. Ninguna banda femenina fue capaz de editar tantos o más trabajos hasta la aparición de Girlschool en 1980.
Para poner sobre relieve su logro, un par de datos:
En España solamente existen registros de dos grupos completamente femeninos (Vulpes, 1983 y Hinds, 2016). Y Brasil, por citar otra casuística, solo puede contar en su haber con un grupo pop llamado Girls, ya extinto, con un único álbum en 2013.
Lo cierto es que la mayoría de grupos totalmente femeninos se circunscriben casi en su totalidad a países de habla inglesa. Es previsible que esto cambie con el tiempo, como es natural. Aún así, hasta hoy han sido pocos y normalmente de calidad regular.

¿Alguna teoría al respecto? En contra de cualquier interpretación de género, simplemente pensamos que dichas estadísticas son fruto de una configuración politicosocial determinada y que si la cosa no se torciera demasiado, en un futuro ideal las mujeres tendrían igual presencia que sus compañeros.

¿Y esto es lo que creemos que ocurrirá a corto plazo? (pregunta difícil). La respuesta es... No. Desde aquí pensamos que la sociedad no evoluciona, sino que está involucionando. Con lo que todos los prejuicios van a más y a peor. Es nuestra visión y nuestro pronóstico, si nadie lo remedia. Y la cosa en las nuevas generaciones pinta bastante mal.
¿El culpable? ¿Quién o qué tiene la culpa?
Desde aquí lo tenemos muy pero que muy clarito y diáfano. El inevitable (este adjetivo es para estudiar en este caso) mal uso de herramientas como Internet, Twitter, Instagram y Whatsapp. El hecho que se está confirmando poco a poco es que dichas herramientas generan en el usuario un poder para el que el común de los mortales no está preparado. Pero no hay antídoto hoy día conocido para ello (sí claro, el conocimiento y la cultura, pero dichos modus operandi anulan por su facilona accesibilidad el interés real por algo tan complicado como viene siendo ya el simple hecho de abrir un libro y ponerse a leer). Habría que cerrar LA RED, pero es claro, ante tal medida todo indica que nos tacharían de lo peor. Ojo, no estamos abogando por ese cierre, pero lo que sí creemos es que la sociedad no está preparada y que todo ello resulta peligroso. Ojalá esta tecnología hubiera llegado a nuestras vidas en un futuro en el que la mente gregaria y aún muy primitiva del ser humano común hubiera estado a la altura de las circunstancias. Pero no es el caso, lamentablemente.

Una recomendación sincera: agenciaros con la serie La Casa de la Pradera. Es absolutamente imperativo visitarla o revistarla.  A priori sé que os sonará a anacronismo. Pero la sabia o el sabio que tome nota comprobará que aquella mítica serie atesora los valores que hoy se han perdido y que es urgente recuperar. Es un catálogo magnífico. Sobre todo en sus dos primeras temporadas.
La actividad de estas pioneras terminó en 1975, y en 1976 se empezó a emitir La Casa de la Pradera. Una oda no solo a la mujer, sino a muchos otros temas importantes que hoy reclaman atención urgente.

A destacar:
> Take a message to the captain - It takes a lot a good lovin´ (1970)
> The first time (1972)
> Last night i had a dream (1973)

Rock Goddess (The visitors are here) - (In the night) - 1984

Origen: Wandsworth (UK).

Periodo: 1982 - 1987 + 2017.

Esta es una de las primeras formaciones rock integrada únicamente por mujeres. La original  fue Fanny (1970). Después llegaron Runaways (1975)  y Girlschool (1978). Y en 1983, Rock Goddess. Grupo absolutamente olvidado debido en gran parte a su escasa producción. Solo tres discos, 1983, 1984 y 1987.

Su segundo trabajo es el más interesante de largo, Hell hath no fury. Una pequeña joya en que encontramos pletóricas a las hermanas Turner.

En 2017 sorprendieron volviendo con "It´s more than rock and roll".

A destacar:

> Hold me down (1984)
> So much love (1987)

David Byron (Man full of yesterdays) - 1975 / (I remember) - 1978 / (How Do You Sleep?) - (Every Inch of the way) - 1981

¡Oh! Uno de los mejores cantantes rock de la Historia.

Después de algún escarceo con su primigenio grupo Spice a finales de los ´60, entró a formar parte de Uriah Heep, donde desplegó a sus anchas sus maravillosas artes vocales. El período Uriah duró desde 1970 hasta 1976, en que propició despedirse del grupo por varias razones cruzadas, tanto personales como profesionales.
Uriah Heep como Ken Hensley (alma de este grupo) tienen su post desde hace tiempo. Os insto a que echéis una mirada a ambos. La incursión merece la pena.

El dato siguiente es bastante desconocido (a no ser que seas muy pero que muy seguidor de Byron): A principios de los ´70 tuvo una colaboración destacada como cantante solista en los álbumes de John Schroeder Orchestra, en concreto: Witchi tai to (1971) y You´ve made me so very happy (1972).

Poco antes de su partida de los Uriah, Byron editó en 1975 su álbum debut Take no prisoners.
En 1977 vio la luz un nuevo disco junto a miembros de Humble Pie, un grupo de cortísimo recorrido denominado Rough Diamond. Y en 1978 se sacó de la chistera lo que en general los fans acérrimos de Byron considerámos su obra culmen en solitario, el disco llamado Baby faced killer.

No obstante, no hay que olvidar el último esfuerzo con su nuevo grupo en 1981, llamado The Byron Band. Un disco llamado On the rocks.

Los cuatro álbumes tienen mucha calidad, sobre todo los dos últimos, 1978 y 1981. Pero lamentablemente ninguno de ellos tuvo apenas repercusión, ni en medios, ni en monedero.
Era música para círculos selectos y de muy buena factura, pero fue una lástima constatar que, una vez más, esto destruyera a nuestro sensible héroe (a sensibilidad pocos le alcanzan), y muriera poco después en 1985, entre complicaciones derivadas de las drogas, con solo 38 años.

Bien. Es hora de aunar millones de voces: SÍ. David Byron fue uno de los más grandes cantantes rock, y desde nuestro punto de vista el que mejor supo dar al género un alma mágica, trascendental y sensible, patente en muchas y gloriosas composiciones de Uriah Heep, pero también en solitario, como comprobaréis en cuanto le déis al Play.

A destacar:

> Silver white man - Stop (1975)
> The Link (1977)
> African breeze - Don´t let me down - Only you can do it (1978)
> Start believing - Little by little (1981)

Mick Jagger (Sweet thing) - (Wired all night) - 1993

Jagger comenzó su carrera en solitario en 1985, y desde entonces ha editado cuatro discos (85, 87, 93 y 2001)

Casi todo es desechable, pero su Wandering Spirit (93) trae alguna que otra sorpresa.

Phil Lynott (King´s call) - (Ode to a black man) - (Solo in Soho) - 1980 / (Ode to liberty) - 1982

Hace muy pocas entradas estudiamos a Thin Lizzy, pero quedó pendiente un artículo sobre Phil Lynott, el alma del grupo.

Philip Parris Lynott, nacido en Irlanda en 1949 y de padre guyanés. Padre que desapareció de la familia cuando Phil contaba solamente tres semanas. Philomena Lynott se llamaba su madre y cuando Phil fue consciente del asunto cambió su nombre sin dudarlo. Bien hecho.

Existe un dato: Phil Lynott con su grupo Thin Lizzy fue el primer "negro" en obtener éxito en Irlanda con una banda rock... pero esto no es exacto, pues Phil no era negro sino mulato. Y si a eso le sumamos que su estilo de cabellera "negra" solo era porque tenía admiración por Hendrix... mediando una buena peluquería podría casi pasar por europeo. Pero estaba claro que estos asuntos le traían al pairo. Algún que otro disgusto tuvo que sufrir por ofrecer una imagen más negra de lo que realmente era su condición. Pero eso es otra historia.

La cuestión es que antes de la grabación de Chinatown (1980) de Lizzy, de hecho, poco después de Bad Reputation (1977) Lynott ya era consciente de que debía dar el paso en solitario e ir haciendo realidad algunas cosas que ya se intuían desde el principio: Phil iba necesitando cada vez más "sonido Lynott". Esta es la gran verdad, que ni siquiera él supo hasta su triste final. Porque el defenestro de este excelente músico -hay que decirlo- tuvo mucho que ver con el callejón sin salida en el que le introdujo y le obligó el sistema: el heavy metal. Que muy poco tenía que ver con él.

Dos asuntos deben ser conocidos:

1. Lynott era un alma sensible que con Thin Lizzy nunca intentó llegar a cotas hard rock definidas como salvajes. Más bien, en lo que estuvo en su mano, que no era poco como líder, insufló un "aura" rock bastante comedida y casi podríamos subrayar de "elegante". De ahí que consideremos a Thin Lizzy como los lores del hard rock.

2. A finales de los ´70, Phil, como ente informado a tendencias nacientes, sintió por fin que sus anhelos podrían ser cristalizados en una música paralela a la que hacía. Ayudó en ello la emergente new wave, a través de la cual Phil visualizó una música nueva y quiso formar parte de ella, porque esto en realidad es lo que buscaba. De esta forma construyó su increíble debut en solitario, Solo in Soho (1980). Proyecto ninguneado, aunque en él participaron varios ilustres, que tuvo su continuidad en un olvidado segundo disco (denominado The Phil Lynott Album, 1982). Duró poco. Enseguida llegó la presión discográfica para hacer heavy metal. Porque era el momento (y lo era realmente).
Y Phil Lynott hizo con Thin Lizzy el disco que le dio la estocada mortal, pues este disco se separa radicalmente de todo por lo que Lynott había luchado, se separaba de la música de sus dos solitarios, incluyendo en ello todas las últimas producciones made in Lizzy, sobre todo Renagade (81), el último legado Lynott antes del falso Thunder & Lightning (83).

Phil murió poco después, el 4 de enero de 1986, entre una vorágine de drogas y alcohol.
Repito mi tesis: A Phil le mató no poder continuar con la estela de este Solo in Soho (codeándose y feliz con no más grandes que él, Mark Knopler y Huey Lewis). A Phil le mató el heavy metal en el que se sumergió poco después de esto. No era su mundo.

Gene Simmons (Man of 1000 faces) - (See you tonite) - 1978 / (Now that you´re gone) - (Sweet & dirty love) - 2004

El carismático líder de Kiss es muchas cosas aparte de eso. Para empezar, alguien con una visíón privilegiada de los negocios. Artífice en conseguir hacer de Kiss una maquinaria perfectamente engrasada de hacer dinero.

Poseedor de una personalidad arrolladora y con un punto de vista muy particular sobre ciertos aspectos del devenir humano.

Puede ser ilustrativo repetir aquí algunas de sus más famosas máximas, para que el personal se haga una idea del personaje:

El amor es libertad, el matrimonio no es amor. No veo nada romántico cuando un hombre o una mujer llegan a su casa y se les pregunta ¿por qué tardaste, dónde estuviste? No veo nada romántico en dormir siempre con una misma persona... Una cosa es el amor y otra es el sexo. La libertad del amor no tiene por qué cuestionar la libertad del sexo... por eso, para mí, el matrimonio como institución es decadente...

La vida es única y hay que vivirla bien, dándose todos los gustos mientras nadie sea perjudicado y respetes la libertad de tus semejantes. Soy epicureano en ese sentido: si te da placer comer, comerás hasta asquearte. Hay que agotar todas las posibilidades del placer porque la vida debe ser una fiesta, no un desfile de mal gusto. ¡Este es el Paraíso! No esperes la muerte para conocerlo, como siempre prefieren inculcarte de chico, para que lleves una vida subordinada de servidor. Tu debes ser el propio sirviente de tu propia vida... nadie más lo será.

Detrás de todo gran hombre... hay una gran mujer; detrás de esa mujer... ¡¡¡estoy yo!!!

También ha hecho sus pinitos como escritor y como actor. 

Pero vamos a lo que nos interesa. Su música. Y en este campo me confieso fan absoluto. Ya en Kiss me parece su mejor exponente, tanto a nivel compositivo como en el aspecto musicovocal (para mi gusto bastante más interesante que su socio Paul Stanley).

Y en lo que aquí compete, su carrera en solitario, se ha prodigado muy poco. Sólo dos discos. Pero es imperativo resaltarlos.
Como veréis, están lejos de su grupo madre, y claramente le califican: Buen hacer a raudales e interesante fusión de estilos.

El malo de Gene, antes muerto que sencillo... Tomad asiento.

A destacar:

> Radioactive - Living in sin (1978)
> Firestarter - Waiting for the morning light - Beautiful (2004)

Modesty Blaise (Christina Terrace) - 1997 / (You Can Do Better Than That) - 1995 / (Pop star) - 1999 / (Blue & beautiful) - 1997

El nombre del grupo proviene del personaje femenino creado en 1963 por el guionista Peter O´Donnell y el dibujante de cómic Jim Holdaway.
Modesty Blaise ha sido llevado al cine en tres ocasiones (1966, 1982, 2003). Y al menos cuatro formaciones musicales han adoptado este nombre.
La más interesante de todas ellas es esta que traemos a esta tribuna, banda de inspiración mod - reminiscencia poprock sesentera asegurada-, nacida en Liverpool en 1994 a las órdenes de Jonny Collins (compositor, cantante y guitarra).

Se trata de un fascinante grupo solo conocido en círculos muy pequeños, aunque tuvieron una breve y puntual repercusión que quizá alguien pueda recordar allá por 1997 con la salida de su más exitoso single, "Christina Terrace".
Su producción se encuentra hoy día perdida en el espacio, y ha sido difícil recuperar lo mejor de su buen hacer, sobre todo porque no existen menciones discográficas.

A pesar de todo, hemos podido saber que sus primeros siete pulgadas fueron editados por Spirit (1995-1996), posteriormente por Savage Bee Recordings (1999), y en sus tres subsiguientes álbumes conocidos, por Apricot Records. El último, Uranium Girl, en 2013.

La Frontera (Duelo al sol) - (Pobre tahur) - 1985 / (Palabras de fuego) - (El pantano) -1991

Javier Andreu & Co.
Un proyecto basado en trasladar el pop nacional hacia el universo de pistoleros del oeste americano, sus trifulcas y sus idiosincrasias.
Estuvo bien, fue no solo atractivo sino inspirador, a la gente le gustó la propuesta.

Tuvieron un debut espectacular en 1985 con su disco homónimo. Y siguieron con su buena estela hasta 1991.
Desde mi punto de vista, La Frontera es incluso más interesante en general cuando se pone a hacer baladas, en las que Javier Andreu brilla como un compositor e intérprete excepcional.

Perdieron el norte después de 1991, recuperándolo brevemente en 2003 con Tu Revolución.
Pero La Frontera nunca volvió a ser lo mismo más allá de sus Palabras de Fuego (1991) que,  por cierto, es el disco más maduro de la banda.

A destacar:

> La Frontera (1985)
> Cuatro rosas estación (1985)
> Mi destino (1987)
> El límite (1989)
> Lluvia (1989)
> La Verdad (1989)
> Tiempo para respirar (1991)
> La puerta de los sueños (1991)
> Tu revolución (2003)
> Una noche más (2003)

Incognito (Pieces of a dream) - 1993 / (Echoes of Utopia) - 2016 / N.o.t. (2008) / (Goodbye to yesterday) - 2012

Grupo británico en el que Jean-Paul "Bluey" Maunick puso todo lo que tenía para fundar en 1980 una formación que diera vida a una síntesis necesaria.

Para ello se nutrió de influencias magníficas: Earth Wind & Fire y Kool & the Gang, aderezando con sutiles especias: Santana, Marvin Gaye, Stevie Wonder y con algo del picante del Jeff Beck más funk.

El experimento tomó forma consistente diez años después, junto al emerger del movimiento acid jazz, y la banda comenzó a contar con multitud de instrumentalistas de primera fila con lo que llegó a convertirse en una pieza clave en este ámbito.
Su Positivity de 1993 es una delicia, el mejor trabajo global del grupo.

Cambios constantes han existido en esta superbanda, sin embargo perdió en pocas ocasiones su norte, una brújula que siempre apuntó a su calidad soulfunk de manera magistral, consiguiendo, desde mi punto de vista, el cetro en lo que se refiere al equilibrio entre la fusión moderna del funk y el soul.

Otros grupos se decantan por uno u otro lado, unos más soul, otros algo más funky.
Incognito es el centro gravitatorio de ambos estilos y además, el centro más "cualificado" para serlo.

No solo siguen en plena forma, sino que su trabajo In search of better days (2016) es de lo mejor que
han producido nunca, del que destaco en selección una perla tan brillante como "Echoes of Utopia", un tema cúspide, aunque la vorágine insulsa no haya reparado en ello.
Y en "Bridges of Fire" descubrimos el fantasma de Jeff Beck, como si estuviera ahí mismo.
Por otro lado "Better days" nos presenta un Incognito que demuestra ser rival de cualquier experimento actual y moderno, pero con un particular sello de calidad.

A destacar:

> Don´t you worry ´bout a thing (1992)
> Where do we go from here (1993)
> Givin´it up (1993)
> It ain´t easy (1999)
> Everything your heart desires (2004)
> The 25th Chapter (2004)
> Feel the presure (2008)
> The less you know (2012)
> I see the sun (2014)
> Move it up (2016)
> Better days (2016)

Tom Jobim (Insensatez) - (Desafinado) - 1963 - (Brasil) - 1970 (Aguas de março) - 1974

Origen: Río de Janeiro (Brasil).

Periodo: 1956 - 1994.

Antonio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim. Nacido en Río de Janeiro en 1927.

Compositor, cantante, pianista, guitarrista, fue el artífice en dar a conocer al mundo la bossa nova.

La bossa nova (traduciendo del portugués, algo así como "nueva tendencia") significa en realidad una manera rítmica particular de hacer música, enraizada en el espíritu y sentir brasileiro.

Jobim fue un maestro en explicitar este sentir musical, sobre todo en dos composiciones para la historia, como son Insensatez (existen diferentes versiones, la mejor, la instrumental al piano minimalista, en selección) y Desafinado, ambas de 1963; que jamás deberían ser olvidadas pues engloban un aura único y es el legado supremo de este importante músico del siglo XX.
En Desafinado incorpora a la bossa un suave jazz. Jobim, de hecho, siempre fue cercano al jazz, entendido este como un ligero acompañamiento a sus compases de ritmo tradicional.
En el inspirado año 1963 existe otra composición paralela (Meditaçion).

Otro tema a destacar es la versión de Brasil (Ary Barroso, 1939). Jobim consigue darle un toque  muy genuino.

Y por último hay que citar Aguas de março, compuesta por Jobim de nuevo en ese mágico 1963 para la inefable Elis Regina (artículo en breve). Dos astros brasileños que hicieron de este tema algo parecido a un himno. Sin duda una de las melodías de todos los tiempos a resaltar de la producción musical de Brasil.
Me quedo con la versión interpretada por ambos en 1974.

A destacar:

> Nuvens douradas (1973)
> Falando de amor (1980)
> Passarim (1987)
> Chega de saudade (1987)

Thin Lizzy (II) (Fats) - (Renegade) - (Mexican blood) - (It´s getting dangerous) -1981

Como decía en la entrada anterior, ninguno de los álbumes clásicos de Thin Lizzy llega al nivel global de Renegade (1981), y además es distinto al resto.
Producido por Chris Tsangarides, se trata de un disco mucho más cercano a lo que Phil Lynott siempre tuvo en mente. De hecho, los temas seleccionados se encuentran más en la onda de su primer trabajo en solitario (Solo in Soho, 1980).

Lynott era un músico con mucha clase y de vocales exquisitas, y este Renegade magnifica todo ello, alimentado además con una perfecta producción. Efectivamente no es un disco hard rock, sino más cercano a la new wave naciente y al pop rock de peso.

Respecto a la base de datos del blog, si no me equivoco es el quinto álbum que consigue las cuatro selecciones. Y ya vamos por casi 240 discografías estudiadas.

El que escuche esta música de Thin Lizzy no podrá creerse que su siguiente y último disco (1983) fuera heavy metal. Un error desde mi punto de vista, que terminó con el grupo. Quizá Phil sabía en su fuero interno en el cul-de-sac en el que se había metido, y escuchando sus dos solitarios (1980 / 1982) y este Renegade (1981), parece claro.

Al igual que Unmasked de Kiss fue una salida de tono en clave pop rock, lo mismo ocurrió con este trabajo, igualmente poco comprendido por los fans clásicos del grupo. Eso no quita en absoluto que ambos sean discos geniales y diferentes. Mi favorito en conjunto, porque todos los temas sorprenden. De ahi que este post esté solamente dedicado a el. Y también dedicado a Phil, que hizo este trabajo con escalpelo.

A destacar: El resto de los temas del disco, sin excepción.

Thin Lizzy (I) (Rosalie) - 1975 / (We will be strong) - 1980 / (Nightlife) 1974 / (Dear lord) - 1977

Un nombre curioso. Nadie sabe con seguridad de donde proviene. Unos dicen que del personaje robot de un cómic, otros dicen que era un apelativo del modelo de coche Ford T. La versión más creíble, de un amigo cercano a Phil Lynott, asegura que es una deformación que hizo el ínclito del nombre de una chica que conoció llamada Liz Igoe.

Nacieron en Irlanda en 1969 por el conjuro colegial de sus dos primeros componentes: el negro Phil, cantante, bajista y líder desde el minuto uno, y el baterista Brian Downey.
Lynott fue el primer negro irlandés en obtener éxito en una banda rock.

A pesar de una opinión generalizada y errónea, nunca fue una banda heavy metal hasta sus últimos estertores. El último y desafortunado álbum (Thunder and Lightning, 1983) es el único que puede entrar en esta categoría.

Thin Lizzy tuvo una época magistral que comprende desde 1975 hasta 1981, en la que demostraron hacer un hard rock diferente, de muchísima clase, distanciado de sus competidores sobre todo gracias a las vocales majestuosas de Phil, que les encumbraron como una especie de "lores del rock".
Enseguida lo comprenderéis los que nunca hayáis escuchado a Lynott en su salsa.
El bueno de Phil, antes de morir, se codeaba en sus dos discos en solitario (artículo en breve) con los mismos Mark Knopler y Huey Lewis.
Fue una voz que, a mi parecer, tuvo un altísimo valor en sí misma, se merece de largo esa visitada estatua en Harry Street (Dublin) en bronce y a tamaño real.

El grupo contó con guitarristas fantásticos, tales como Scott Gorham. Vivian Campbell (Dio/Def Leppard), el "mano sutil" Snowy White y también con Gary Moore.

En contra de los puristas, que encumbran a Jailbreack (76) , Johnny the Fox (76), Bad Reputation (77), o incluso el trabajo de Moore, Black Rose (79), como los cénit del grupo, mi disco favorito no es ninguno de los mencionados. Lo estudiaremos en el siguiente post, pues se merece un artículo independiente.

A destacar:

> The rise and dear demise of the funky nomadic tribes (1972)
> Fighting my way back (1975)
> Slver dollar (1975)
> Warriors (1976)
> The boys are back in town (1976)
> Dancing in the moonlight (1977)
> Killer on the loose (1980)

Gun (Shame on you) - 1989 / (Welcome to the real world) - 1992

Banda rock escocesa, nacida en 1987 y extinta diez años después.
Volvieron en 2008, y desde entonces han editado tres nuevos discos. Siete estudios en total.

Sus inicios son lo más interesante, con un sonido paralelo a U2, tal como demuestran en su Shame on you.
Welcome to the real world configura un híbrido entre INXS y Def Leppard, más cercano a estos últimos.

A destacar:

> Seraphina (2009)
> Never knew what i had (2015)

Depedro (La memoria) - (Comanche) - 2008 / (Mientras espero) - 2010

Jairo Zavala, líder de La Vacazul (ver post) quiso volar en solitario.
Después de divagar entre hasta seis bandas a la vez, este enorme cantante, guitarrista y compositor eligió partir de España para consumar un anhelo.

La gente se pregunta por el significado de ese nombre, "Depedro".
Según sus propias palabras:  "Muchos americanos, con sorna, llaman Pedro a los españoles, pero me puse así sobre todo porque es un nombre sencillo y natural. Suena a nombre mediterráneo; con un toque guiri pero sin perder la esencia española".

Con una privilegiada visión sobre todo lo que dice y hace, desde 2008 ha editado cuatro discos y un par de Ep´s. Muy alejados de Vacazul.

Con su proyecto en solitario intenta hacer su música más pura, sin atender a otra instancia que él mismo y a lo que le gusta hacer (con el permiso de la banda sudamericana que le acompaña, Calexico), aunque suponga menos potencial de ventas que lo que ya tenía con su grupo madre.
Pero le dio igual.

Depedro -solo para paladares selectos- es un trotamundos que ha circulado ya por gran parte del mundo americano y ya solo le queda retornar a España e imponer su ley.

A destacar:

> What goes on (2010)
> Acuérdate (2016)

Oh Land (Deep sea) - 2008 / (We turn it up) - 2011 / (Pyromaniac) - 2013

Nanna Oland Frabicius, cantante y compositora danesa.

Sólo tres discos hasta el momento. Quiso ser bailarina pero un problema de hernia discal se lo impidió.

He encontrado un buen momento en cada uno de sus tres trabajos hasta la fecha.

Cyndi Lauper (II) (Love to hate) - 1997/ (Same ol´story) - 2008 / (Comfort you) - 2001 / (Funnel of love) - 2016

Como hemos dicho en la primera parte, Cyndi a partir de 1986 empezó a construir una serie de discos muy alejados de su sonido inicial, una música intimista que tuvo su público, pero en el intento de convertirse en una cantante distinta perdió gran parte de su atractivo.
Desde mi particular punto de vista, se defenestró a sí misma al no continuar por esa senda más visceral, donde era una reina cuasiabsoluta.
Ahora competía a bajo nivel con muchos otros artistas que deseaban hacer cosas "importantes". Lo intentó con varios estilos pero la cosa cuajó en muy pocas ocasiones.

Una curiosidad:  En su Detour de 2016, el tema que abre el álbum llamado Funnel of love (última selección) es el primero en más de tres décadas que intenta recuperar algo de ese estilo vocal que le encumbró a la cima en 1983. Sin embargo el resto del disco transcurre por un country muy tibio.

Aunque fue más o menos anodina desde 1987, hubo pequeños destellos que se merecen este segundo post sobre ella. Ha costado encontrarlos entre tanta cosa insulsa (nueve discos de estudio nada menos desde True Colors), pero aquí están esas pocas perlas dispersas. Eclécticas y merecidas.
Según mi opinión, poco más se puede rascar de su discografía.

Cyndi Lauper (I) (I´ll kiss you) - (All through the night) - (She bop) - 1983 / (What´s going on) - 1986

Cynthia Ann Stephanie Lauper, cantante y compositora neoyorkina.

Comenzó su carrera musical muy pronto, en 1974 con apenas veinte años.
En 1983, tras ardua preparación a varios niveles, el mundo conoció uno de los más espectaculares debut como cantante solista, She´s so unusual. 
Efectivamente, absolutamente insólito. Tanto es así que con este disco Lauper consiguió ser el primer artista estadounidense en colocar 4 sencillos de un primer disco como top 5 Billboard.

Este trabajo inicial explora un pop rock y una new wave tan explosiva que sin duda se posiciona como lo mejor de Cyndi, y con el tiempo consiguió convertirse en uno de los álbumes más vendidos de la década de los ´80.
En True Colors (1986) ya encontramos otra Lauper, aunque aún reconocible en algunos temas. Pero nunca jamás volvió a esa frescura y a esos aullidos geniales llenos de magia salvaje.
Me recuerda un poco a lo que le ocurrió de igual manera a Ramoncín con su álbum debut, que después de aquella bomba (WC) también desapareció aquella inusitada fuerza y configuración de ese primer LP. De esto hay muchos ejemplos. Ahora mismo me viene a la cabeza Them (Van Morrison) o la misma Christina Rosenvinge.

A partir de 1986, Cyndi Lauper se tornó una cantante más intimista. Otra Cyndi muy diferente que estudiaremos en una segunda parte.

A destacar también de She´s so Unusual:

> Time after time.
> Money changes everything.
> Girls just wanna to have fun.
> Witness.

A destacar también de True colors:

> Maybe he´ll know.
> Iko iko.

Édith Piaf (Milord) - 1959 / (Non, je ne regrette rien) - 1956 / (A quoi ça sert l'amour) -1962

Édith Giovanna Gassion, una de las más célebres e icónicas figuras musicales del siglo XX.

Tuvo una infancia muy convulsa en la que su madre, para empezar, tiene que dar a luz en plena calle. Por falta de medios destina el cuidado de la niña a su madre, que la alimentaba con vino, y posteriormente es criada por la abuela paterna, madam de un prostíbulo, en el que se ocuparon de ella las propias trabajadoras de aquella casa. 

Al terminar la Gran Guerra su padre la lleva a su vida de pequeño artista circense y a la miseria de ese mundillo itinerante. Pero aún así, no sé sabe cómo, Édith comenzó a cantar en las calles junto a su padre y tuvo tal éxito que poco tiempo después le llevó a firmar un contrato con Polydor, un primer disco que fue en 1936 éxito instantáneo y mediático. De ahí en adelante su carrera fue in crescendo, manteniendo además romances con Marlon Brando, Yves Montand, Charles Aznavour y Georges Moustaki. Ahí es nada...

En 1948 tiene un affair muy importante para su vida sentimental con el boxeador Marcel Cerdan, el cual pierde la vida al año siguiente en un vuelo en el que intentaba reunirse con ella en Nueva York. A raiz de este acontecimiento se torna adicta a la morfina, que terminó a la postre con su vida en 1963 a la temprana edad de 47 años.

Pero desde su adicción hasta su muerte consigue sus éxitos más importantes.

Un año antes de morir se casa con un cantante de 26 años, Theo Sarapo, con el que graba a dúo el último tema en selección. Como podéis ver, Édith parece más bien su madre o casi su abuela, tal era ya su deterioro físico.

Creadora de una de las melodías inmortales (La vie en rose), destacaría también Padam, Padam (1951).

Iron Maiden (The ides of the March + Wratchild) - (Prodigal son) - 1981 / (The number of the beast) - 1982 / (Revelations) - 1983

Histórica banda británica formada en 1975 por el bajista Steve Harris.
Podría ser considerada como el mejor e inicial exponente del auténtico heavy metal ´80, podio que se disputaría junto a Judas Priest. Nadie en sana justicia sería capaz de dilucidar cuál de los dos grupos sería portador de dicho cetro (obviando los consabidos primigenios inventores del asunto, Black Sabbath).
Si queréis mi opinión, me remito a los hechos: Judas Priest atesora un buenísimo material setentero en onda hard rock, onda en la que nunca jugó Iron Maiden, y entrados los ´80 empatan en fuerza y calidad. Pero aún así diría que los mejores discos de Judas se encuentran en los ´70, en su hard rock de esa época. En esta particular batalla (y ya solo contando los años de producción Maiden) es solo cuestión de gustos, pues ambas bandas supuran calidad técnica y buenos temas.

Judas fue increíble en los ´70. Reyes del hard rock junto a Kiss e AC/DC. Pero nacido el primer Iron Maiden (1980-1984), en ese periodo fueron casi insuperables en estilo heavy metal (quizá Ozzy y Dio pudo hacerles alguna sombra), pero a partir de ahí perdieron claramente hegemonía en favor de los mismos Judas Priest y de otros muchos grupos heavy que surgieron como setas en esta década.

Lo fundamental: Iron Maiden fue algo mágico en sus inicios, sobre todo en sus dos primeros trabajos con el vocalista Paul Di´Anno. En su tercer disco (1982) llegó el gritón exasperante de Bruce Dickinson que, no obstante, dejó alguna perla en sus dos primeras descargas, pero su estilo estropeó un grupo con una calidad técnica superlativa.

Particularmente tendría a Killers (1981) casi al completo como uno de los mejores destellos que dio ese estilo llamado heavy metal.

"Prodigal son", una semibalad de entonces que a día de hoy, escuchada muchos lustros después, no suena heavy. Suena a rock del bueno, a lo que muchos grupos actuales intentan y no consiguen.

Jaco Pastorius (Liberty city) - 1981 / (The Chicken) - 1983 / (Improvisation teen town) - 1986

John Francis Anthony Pastorius III, un músico americano genial, raro y estrambótico.
Oriundo de Pensilvania (EEUU), en la década de los ´70 revolucionó la música al dar inusitado protagonismo a su instrumento favorito, el bajo eléctrico. Hizo con el varias importantes modificaciones, como quitarle los trastes y cambiarle las cuerdas a redondeadas. Esto le permitió una libertad de movimientos nunca antes vista.Y por ende potenciar y dar rienda suelta a su sonido, único hasta entonces.

Editó algún que otro álbum de estudio pero la mayoría fueron directos, su medio natural.
En otro artículo estudiaremos su banda madre, Weather Report, con la que lanzó cinco discos entre 1976 y 1982.
Aquí nos ceñiremos únicamente a su producción como solista.

Debo decir que sus evoluciones más inspiradas, pese a todo, no se encuentran en solitario, sino con el citado grupo madre y en las colaboraciones que hizo para Joni Mitchell (ver post), sobre todo en Don Juan's reckless daughter (1977) Mingus (1979).

Muchos desechan su últimísima etapa (problemas mentales y alcoholismo), pero muy poco antes de su muerte en 1987, el año previo realizó algunos conciertos memorables en Italia. Este Improvision teen town da fe de ello.

A destacar:

> Come on, come over (1976)
> Continuum (1976)
> Views of a secret (1981)
> Jaco reagge (1986)

Kula Shaker (Hey dude) - (Tattva) - 1996 / (Troubled mind) - 1997

Banda de Londres, formada en 1988.

Grandes en alguna de sus primeras fases, se pierden a veces en experimentos nacidos en el particular fervor de su líder, Crispian Mills, por la India.
El sitar, que emplean en muchos de sus temas es, desde mi particular punto de vista, un instrumento poco acoplable para una banda rock de peso como esta; una fusión imposible, snob y cargada de pretenciosos objetivos, que en realidad entran en contradicción por su propia base rock, subproducto de nuestra cultura occidental.

Un tanto vaguetes, pues en veinte años solo han editado cinco albumes de estudio.

Como grupo puramente britpop tiene algunos buenísimos momentos (no demasiados, también hay que decirlo).

Su primer trabajo (K, 1996) es el más interesante en conjunto. Perdieron fuelle paulativamente.

Su último (K.2.0), que data de este mismo año 2016, denota una sombra tenue de lo que el grupo llegó ser. Parece más bien un grupo country-folk. ¿Eso es malo? Sí en Kula Shaker.

Para escuchar Troubled mind hay que situarse en el minuto 17,50 del último vídeo.

A destacar:

> Start all over (1996)
> Sound of drums (1999)
> Song of love narayana (2007)

Wojciech Kilar (Smuga cienia) - 1976 / (Witek i Alina) - 1985 / (Przypadek) - 1981 / (Godlewska-muzyka) - 1997

Compositor polaco (1932-2013) de exquisita sensibilidad.
Nos legó piezas de música clásica memorables, pero sobre todo será recordado por su sentido estilo a la hora de construir bandas sonoras de films (también casi todos a recordar).

Su fuerte siempre fue su minimalismo marcadamante romántico y de un feeling sobrenatural.

Muy notorias y premiadas fueron sus composiciones para directores de cine, figuras tan enormes como Kieslowski, Polanski, Wajda, Zanussi o Coppola.

Grande Ewa Malas en Godlewska-muzyka.

Si estáis por escuchar estas cuatro sublimes selecciones y sois de espíritu hipersensible, os aconsejo pañuelo a mano.

A destacar:

> Bilans kwartalny (1974)
> Szepty i izy (2000)
> Chateau Sant Martin (1999)

Lana Loveland (Black glove) - 2013

Estudiando The Fuzztones (ver post anterior)  y tirando del hilo, me topé con Lana Loveland.

Se trata de una teclista alemana de influencias sesenteras de la que apenas hay aún registros.
Podemos decir de ella que emigró a California en 2001 y un año más tarde Rudi Protrudi le ofreció incorporarse a Fuzztones. Cosa que hizo sin dudarlo.
Como ya he comentado en el post de Fuzztones el grupo consiguió una potente identidad en sus tres últimos discos, y está claro que Loveland ha tenido mucho que ver en ello.

La prueba de su buen hacer la tenemos en el trabajo en solitario que se ha marcado en 2013, llamado Order to Love. 

The Fuzztones (She´s wicked) - 1985 / (Johnson in a headlock) - 2008 / (Be forwarned) - 2004 / (Garden of my mind) - 2008

Banda de Nueva York, fundada en 1980 por el guitarrista Rudi Protrudi.

Siempre anonadados por lo macabro, los monstruos y el terror de serie B.
En sus mejores momentos recuerdan a un inusitado híbrido entre el primigenio Alice Cooper y The Doors.

Su sonido garage fue colmadamente sucio en sus inicios. Luego continuó siendo colmadamente sucio, pero un poco menos. Y así, enfangados hasta el cuello nos sobrevienen nada menos que sus seis primeros trabajos. 

Obviando el inpirado She´s wicked de su álbum debut y estudiando con paciencia infinita su discografía, creí por un momento que todo el esfuerzo había sido inútil y que de The Fuzztones era imposible sonsacar casi nada en limpio. ¿Solo ese tema de 1985?

Pero, en fin, palada tras palada, cavando sin cesar en cementerios podridos, encontramos en su "Braindrops" (1991) el segundo hueso con carne. Pero, ¡oh! es una versión de The Music Machine (The people in me, 1967). Vaya.

Seguimos. Y por fin en 1992 un tema a destacar, aunque no lanzaremos fuegos fatuos por el momento. Se trata de Cellar dweller.

Y no es hasta 2004, después de otros tres discos, que ya podemos decir que The Fuzztones aprendieron a hacer música atractiva no solo para zombies. Impresionante evolución, y en ello tiene mucho que ver la incorporación de la teclista alemana Lana Loveland.

En su trabajo de 2011 encontramos otras dos joyas, pero no existen en youtube. Son Set me straight y Lust pavillion. Ya nadie se acuerda de estos desgraciados...pero deberían... no vaya a ser que salga Jay Hawkins (amigo y colaborador) de su tumba e importune con alguno de sus maléficos hechizos.

En 2020 lanzan "NYC", del que hay que destacar su primer corte, precisamente de nombre "New York, New York".

Air (La femme d´Argent) - (Le voyage de Penelope) - 1998 / (Empty house) - 2000 / (Sing sang song) - 2009

Amor, imaginación y sueño. Esto es lo que indican las siglas de esta banda de Versalles (Francia) de música electrónica.

Tiene una horda de fanáticos detrás de ella, sobre todo a raíz de su aclamado Moon Safari (1998), que puso a la crítica de rodillas.

Air son en esencia Jean-Benoît Dunckel y Nicolas Godin. Y también son una prolongación reconocida por ellos mismos de los maestros Jean-Michel Jarre y Vangelis.
Intentan recuperar lo mejor de su aura de los ´70 y lo consiguen en algunas de sus fases.
Air es capaz de perpetuar esos momentos angélicos y hacerlos definitivamente inmortales.

Siete discos de estudio hasta el momento. La mayoría trae algo muy bueno.
También corre a su cargo la BSO de Las vírgenes suicidas. En la que destaca "Empty house", melodía merecedora de un escalofrío, o dos.

No obstante, opino que con La femme d´Argent de sus inicios ya llegaron a su cénit. Y os dejará con la baba colgando su videoclip, en el que se muestra la ciudad de San Francisco a principios del siglo XX, con carruajes de caballos, tranvías y los primeros coches a motor, todo a la vez, en un alucinante recorrido que jamás olvidaréis. Un tiempo en el que no existían aún reglas sobre el tráfico de ninguna clase.

A destacar:

> Remember (1998)
> Californie (1999)
> Playground love (2000)
> Bathroom girl (2000)
> Lucky and unhappy (2001)
> People in the city (2001)
> Cherry blossom girl (2004)
> Alpha beta gaga (2004)
> Surfing on the rocket (2004)
> Mer du Japon (2007)
> So light is her footfall (2009)

Jamiroquai (Love foolosophy) - 2001 / (Dynamite) - 2005 / (Hurtin´) 2010

Parecía la panacea. Por un fugaz momento para mi lo fue, pero estudiando a fondo la discografía y biografía de este músico, conocemos que tuvo su momento y lugar para hacerse un hueco en la música, allá en los principios de los noventa. Fue entonces rechazado en audición como cantante por la superbanda The Brand New Heavies (ver post), y parece que ese fue un revulsivo para hacer de las suyas, lanzando al mercado algunos aspavientos; álbumes muy exitosos a nivel de ventas pero que, sinceramente, suponían un muy regular tributo, desde mi punto de vista, a la gloriosa música funk de los setenta. No obstante, el singular personaje se empeñó en llegar a las masas, y vive Dios que lo consiguió.

No está de más saber que Jason Kay (su nombre real) con el paso de los años ha radicalizado su banal visión del mundo, dedicando sus ingresos a coleccionar coches clásicos de lujo -atesora más de cincuenta de estos artefactos-, volar en helicóptero y a fardar de su finca de veintiocho hectáreas, con lago artificial, circuito de karting y hasta ermita victorana privada.

La pregunta es, ¿se merece Jay Kay estar en este podio? A lo cual no me queda por más que hincar rodilla y decir que sí.
En los últimos tres discos, estando ya en decadencia mediática (2001 - 2010), ha conseguido un pequeño puñado de canciones para la Historia, después de todo.
El clip de "Love Foolosophy" ejemplifica todo lo malo y todo lo bueno.
Da un pelín de envidia, la verdad sea dicha.

La lástima es que ya han transcurrido seis largos años desde su último disco. Y no se sabe nada de lo que ocurre dentro de ese inmenso estudio de grabación que construyó en su mansión de más de cuatro millones de dólares. Aunque en internet se escuchan rumores del esperado nuevo disco para 2017. Crucemos los dedos para que esto sea cierto. A mi, particularmente, me gusta mucho más en sus últimos trabajos. Estoy seguro de que será de gran calidad y... de escasas ventas, como suele ocurrir en estos casos de tanto lapso temporal. La gente ya se ha olvidado de Jamiroquai, o lo considera semidinosaurio. Veremos.

Holly Johnson (Hold on tight) - 2014 / (Soulstream) - 1999

Si alguien conoce un poco de literatura sci-fi, Holly Johnson (nacido William Johnson) sería como el Robert Heinlein de la música moderna. Avezado, inteligente y dictatorial. Bajista, pintor, escritor, pero sobre todo destaca como un vocalista que siempre sorprende por su espectacular modulación. Escucharle es oir sentar cátedra en todo momento.

Maestría y elegancia sumadas al poderío que ofrece una personalidad arrolladora. Todo ello le convierte, desde mi punto de vista, en un cantante de fábula, por encima de la mayoría.

Fue frontman de la banda Frankie goes to Hollywood. Os animo a que visitéis el artículo sobre esta formación, con la que construyó alguno de sus mejores temas. En concreto, For heaven´s sake (videoclip incluido) supone un hito de autoridad. Ahí podemos disfrutar del ínclito en su cénit.

Después de los dos discos que hizo con Frankie, y de los anteriores como bajista en Big in Japan, nos lega unicamente hasta la fecha cuatro trabajos en solitario. Todos ellos sobresalientes, aunque no han tenido, ni de lejos, la repercusión que deberían, que es la misma que alcanzó con Frankie pues todas sus producciones alcanzan similar nivel. Más bien, son muy desconocidos. Pero de cualquiera se puede extraer algo muy bueno. Un ejemplo: en su Soulstream (1999), album que no llegó al gran público, se atrevió con una versión memorable del éxito de The Animals The house of the rising sun. Aunque también con fascinantes melodías propias como la misma Soulstream. 

En definitiva, Holly Johnson es un alma que ha sabido y sabe hacer música pop y dance con los parámetros adecuados para imprimir su arte en una página importante de la historia musicovocal.

A destacar:

> Love train (1989)
> Love will come (1989)
> Follow your heart (2014)
> Across the universe (1991)
> The people want to dance (1991)
> Do it for love (1991)
> The great love story (1991)
> Lady luck (1999)
> All U need is love (1999)

Screamin´ Jay Hawkins (Constipation blues)- 1969 / (Little demon) - (I put a spell on you) - 1956

Uno de los más importantes chalados que ha dado el espectro musical. Nacido en Cleveland en 1929 y fallecido en 2000.

Durante los años cincuenta exploró el rock and roll naciente y el blues.
Se le recuerda sobre todo por sus puestas en escena, muchas veces tribales y macabras y por su superhit de 1957, I put a spell on you, de inmensa resonancia.

Sus vestimentas en concierto eran estravagantes como ninguna de la época, tentando al límite lo aceptado en aquellos años americanos tan conservadores y puritanos.
Fueron un alarde y desafío sus pieles de leopardo, sus sombreros de brujo, su cuero bermellón y sus maneras de hechicero loco. Lo vais a comprobar enseguida.

Jalacy Hawkins (su nombre real) tenía una voz gutural y profunda que parecía salida del mismo averno. Eran también característicos los ruidos y sonidos que hacía con la boca, un divertimento más hacia su público, que tenía la suerte de presenciar un teatro macabro de blues y rock, muy entretenido para almas sin complejos.
Fue y ha sido único, una personalidad musical muy curiosa.

A destacar:

> Because of you.
> Listen.
> I feel alright.
> Ain´t nobody business.
> Fourteen wives.
> Whistling past the graveyard.
> Sherilyn Fenn.

Huey Lewis and The News (If this is it) - 1983 / (Stuck with you) - 1986

Banda originaria de San Francisco (California). 1979.

Supieron inventar un hot rock muy característico de ellos, temple de rockabilly y tendencias ochenteras varias, que tuvo un periodo corto aunque muy dulce.

No quiero abundar en esta banda (nueve discos publicados desde 1980 a 2010) porque, sencillamente, no ha resistido el paso del tiempo y la mayoría de sus temas han envejecido bastante mal.  Aunque es cierto que en su época más inspirada (Sports, 1983 y Fore!, 1986) dejaron un par de canciones que se han ganado su lugar aquí.
Su nº 1 The power of love tuvo muchísimo éxito al formar parte de la BSO de Back to the Future.

Lástima. Solo podremos regresar al pasado.


Quedémonos con estas selecciones.

A destacar:
> Change of heart (1982)
> We´re not here for a long time (2001)
> So little kindness (2001)

Jöel Fajerman (Flower´s love) - 1982 / (Tapis volant) - 1979 / (Painted desert) - 1980

Artista francés. Del estilo del maestro Jean-Michel Jarre, pero algo más calmado e intimista.

Bastante desconocido a nivel popular.
He tenido una discusión con un amigo, que creía informarme de que esto no son más que patrañas infantiles, por lo fácil de su replicación. "Toma un Roland y lo tienes en diez minutos", me decía.

Es un craso error pensar de esta manera. Músicos de electrónica los hay a miles, pero no es nada fácil componer melodías que perduren y que "toquen" a la gente. Nada fácil.
A cualquiera se le puede enseñar cómo funciona un Roland o un Korg. Y está claro que con estos ingenios, a poco que toques dos teclas ya sale algo con sonoridad. Pero es muy diferente la sonoridad (cosa habitual en DJ, por ejemplo) de la intencionalidad del sonido con efectos evocadores. Y aquí es donde entra la personalidad por encima de la máquina. Muy pocos saben sacar de ahí algo realmente inspirado, que llegue a la fibra.

Con todo ello quiero reivindicar a este pequeño grupo de creadores (no son demasiados, por cierto) que hicieron música-arte genuina, no tontunas sintéticas.

La música electrónica primigenia tiene un pilar indiscutible en Jarre. O dos, Pero Fajerman es otra pata de la silla. Veremos pronto cuál es la cuarta...

Pierre Bachelet (Histoire d´O) - 1975 / (Emmanuelle) - 1974 / (Ecris moi) - 1982 / (Flo) - 1989

Fue un excepcional cantante y compositor, fallecido en 2005.

De estilo sensual y marcadamente romántico, es conocido sobre todo por componer las bandas sonoras de dos de las películas eróticas más famosas de la historia del cine: Emmanuelle e Historia de O.

No se me ocurre mejor exponente para la evocación de ese arquetipo que a todos nos han contado sobre la France y el amor.

Pero no hay que quedarse solo con esas increíbles BSO, Bachelet da bastante más.

A destacar:

> L´Atlantique (1975)
> Vingt ans (1987)
> Pour l´une d´entre vous (1987)
> Regarde la mar (1989)
> Just because of you (1998)

The Beach Boys (II) (Carl´s big chance) - 1964 / (Surf´s up) - (Good vibrations) - 1967 / (California girls) - 1965

Después del post anterior en el que recuperábamos algo de su época más olvidada, llegan los discos de los ´60.
Intentaré dar testimonio de lo mejor y más desconocido, pero me temo que para la integibilidad completa de esta banda es imposible dejar fuera dos glorias mayúsculas de la época como California Girls y Good Vibrations.

En los dos temas restantes selecciono otras alternativas muy interesantes pero menos manidas.

A destacar:

> Surfin´safari (1962)
> Shut down - Honky tonk - Lana (1963)
> Little deuce coupe - I get around (1963)
> Fun fun fun (1964)
> All summer long (1964)
> Dance, dance, dance (1965)
> I know there´s an answer (1966)
> Wonderful (1967)
> Wild honey - I was made to love her - Aren´t you glad (1967)

The Beach Boys (I) - (The nearest faraway place) - 1969 / (It´s about time) - 1970 / (Forever) - 1970 (Talk to me) - 1976

Probablemente uno de los grupos más desconocidos después de sus éxitos primerizos. Y una de las mejores bandas estadounidenses entre 1964 y 1970.
Pero a partir de 1968 The Beach Boys puede ser un gran descubrimento para cualquiera.

Es necesario dividir el estudio del grupo en dos partes bien definidas: a) su época marcadamente "surf", la más conocida por el público -la única, me atrevería decir-, y b) a partir de 1968, en que comenzaron a construir un estilo basado en sus parámetros anteriores pero muy diferente en cuanto a sonoridad, producción y temática. Esta segunda etapa casi inédita a los oídos populares europeos (incluso nada de ello se suele compilar en sus discos de refrito) es, a mi parecer, de superior calidad. No tanto en composición, pero sí en cualquier otro aspecto musical que podamos contemplar. Lo veréis enseguida. Porque de hecho quiero resaltar esta segunda época en primer lugar.

Fueron muy populares a mediados de los ´60.
Han dejado su influencia en grandes como ABBA, Queen, Elton John o The Ramones.

Su estilo melódico y coral, producto de una interesante fusión de rock y R&B-doo wop, que aplicaron a historias de playa y surf, fue su sello durante los ´60.

En el momento de escribir este artículo se cumplen 55 años del grupo. Ahí queda eso.

Con el tiempo fueron capaces de acumular mucha experiencia, pero su obra maestra (Sunflower, 1970) fue eclipsada por el tirón de The Beatles y el nacimiento de nuevos estilos, como el funk, la psicodelia rock, el punk y el metal.
Curiosamente quisieron explicitar dicha madurez en la portada de Sunflower, en la que los miembros de la banda se retratan con sus hijos. Y no solo eso, hay un mensaje implícito de cuidadosa atención a sus retoños. Fijaos en la portada. ¿Curioso? Alguno pensará que estoy desvariando. No. La madurez es un estado que solamente se alcanza con plenitud al contemplar y cuidar con mimo a tu descendencia.

Lo que no es de recibo es que una formación genial como esta sólo la hayamos conocido en sus éxitos más mediáticos.
Escuchemos sin más dilación cómo se las gastaban The Beach Boys en plena madurez.

A destacar a partir de 1969:

> Cool cool water (1970)
> Got to know the woman (1970)
> Tears in the morning (1970)
> Good Timin´(1979)
> Hot fun in the summertime (1992)
> Summer of love (1992)

Q-Burns Abstract Message (Get Up (I Feel Like Being A) Sex Machine) - 1998 / (Innocent) - 2001 / (Flava lamp) - 1998

Nombre en clave del prestigioso productor de Orlando (USA), llamado Michael Donaldson, maníaco de los sintetizadores, y también DJ en horas intempestivas.
Perfectamente, pues la noche del hombre moderno es para vivirla, no para dormir. Dormir no está de moda, nunca lo estuvo desde que existen los DJ y desde que se puede y se debe descargar un sano golpe al despertador. Hay que dormir, pero no por la noche. Es mejor dormir de día, cuando la mayoría está al tajo, porque la vida de hoy es un sinvivir que no dan ganas ni de ver ni de escuchar, y de hecho la vorágine diurna no permite ver ni escuchar, es una maraña de arbustos que no deja entrar luminosidad alguna, a no ser que sepas hacerlo, claro. Pero esto solo es accesible a raras avis. También las luciérnagas saben un rato del asunto.
¿Y cómo se pueden ganar las habichuelas así? Ah, ah, en tranquilo silencio, en el absoluto silencio de la noche se pueden cocer ideas, negocios y visiones que no están disponibles a la luz, al pan nuestro de cada uno. Lo dejo ahí. Pero es claro que Donaldson descubrió una de las caras del filón.

Comenzó su carrera a mediados de los ´90, y tiene ya una ingente producción, nada menos que más de 25 discos editados entre Eigth Records y Astralwerks.
Parte de ella la podéis escuchar libremente en su web.

Es una de las figuras más importantes de la música dance, aunque como devoto del funk, gran parte de su trabajo está influenciado por este glorioso estilo.

A los controles de un Roland Juno 106 ha producido y compuesto sus obras, la mayoría en vinilo, su medio natural; tanto propios como remixes de artistas como Rabitt in the Moon, Fila Brazillia, Chemical Brothers, Youssou N´Dour o James Brown, por poner algunos ejemplos.

La vocalista Lisa Shaw colabora en muchos de sus temas.

El más inspirado de sus trabajos es "Oeuvre" (1998). Lo tenéis al completo en su web (no existe en youtube). Para escucharlo deslizaros con la guía de desplazamiento hacia abajo. Es el penúltimo disco. http://www.q-burnsabstractmessage.com/audio

Ahí se encuentran temas tan interesantes como Touchin´on something, Puff the magic o la estimulante Flava lamp.

Rizzle Kicks (Miss Cigarette) - 2011 / (The reason i live) - (Lost generation) - (That´s classic) - 2013

Banda de Brighton (UK) a las órdenes de dos jovencísimos artistas hip hop, Jordan Stephens y Harley Alexander-Sule, que con el lanzamiento de su álbum debut, "Stereo Typical" (2011) revolucionó al personal a través de su canal Youtube.
Este primer disco es sorprendente, si obviamos las limitaciones propias de este estilo, pero consiguen imprimir un plus introduciendo instrumentos y ritmos más propios del funk y el acid jazz. El resultado es casi siempre de gran calidad, pero sobre todo divertido y muy muy bailable. Es más, si no se te disparan los pies es que estás viejuno, caduco, finito, caput, mortem. Y sería mejor que fueras pensando en un tratamiento-shock a base de alcachofas, brócolí, piparras y té de todos los colores. Y sin más dilación.

Construyen videoclips a gogó para su canal, creando una legíón de fans que crece sin tino ni destino, como debe ser cuando un producto es tan bueno como este.

En 2013 lanzan su segunda descarga, llamada "Roaring 20s".

The reason i live está más allá de su estilo habitual, cuyo hilo conductor es puro R&B del bueno.
That´s classic, con reminiscencias a The Madness, es también digno de traerse aquí.

Esperemos que sigan en esta linea tan interesante.

A destacar también de su primer disco:

> Dreamers.
> Trouble.
> Learn my lesson.

Morcheeba (Big Calm) - 1998 / (Rome Wasn´t Built in a Day) - 2000 / (Self made man) - 2010

Este grupo británico inclasificable de pop rock, hip hop y R&B (tocan muchos palillos) tuvo su época dorada entre 1998 y 2002. Me quedo con la mejor etapa de la cantante Skye Edwards, con los solos de Big Calm y, por supuesto, con la inconmensurable Rome wasn´t built in a day, una "virtual drug" en toda ley.

Skye Edwards abandonó el grupo en 2003 y dejó herida de muerte a la formación. Ni fans ni crítica lo perdonó, ya que efectivamente era el alma de Morcheeba.

En 2009 volvió Edwards, con la que han editado su Blood like lemonade (2010) y Head up high (2013).
En 2010, transcurrida toda una década desde su última joya, encontramos esta otra: Self made man.

The Adicts (II) (Falling in love again) - 1985 / (Na, na, na) - 1986 / (Champs Elysees) (1986)

Esta segunda parte se ocupa de la etapa new wave de Keith Warren & Co.
Comprende los discos Smart Alex (1985) y Fifth Overture (1986). Periodo efímero pero digno de resaltarse.
Después de esta onda, se tomaron un descanso y reflexionaron volver a su sonido original punk-rock.

Desde 1992 hasta la actualidad han editado cinco álbumes intentando recuperar ese su gran momento de 1981, sin conseguirlo de manera tan fresca e interesante.

A destacar también de su Fifth Overture:
- Put yourself in my hands.
- She´s a rocker.
- Beauty sleep.

The Adicts (I): (Peculiar Music) / (Hurt) / (Dynasty) / (Distortion) - 1979

Origen: Sulfolk (UK).
Periodo: 1975 - hoy.

Banda punk de Suffolk (UK). Punk fresco para combatir la idiocia.
Naranjada con mucho hielo, of course.

Muy interesantes en su disco debut Songs of Praise (1979), disco que ya quisieran los mismísimos The Clash hacer suyo.
La peculiar facha de su líder está basada, por un lado, en la pelí La Naranja Mecánica (esos bombines) y, por otro, en la sonrisa y pintarrajo del Joker.

Su segundo trabajo, Sounds of Music (1982) tiene una producción neardenthal que le resta casi todos los enteros.
Pero el grupo evolucionó a cien por hora a partir de Smart Alex (1985) de forma tan brutal y diferente que se hace necesario otro post para explorar su buenísima etapa new wave. Son otros Adicts.

Por el momento nos quedamos con su primera y gran descarga. Una exaltación del mejor sonido punk. Si no me equivoco creo que es el quinto álbum de estudio en el blog que consigue hacer suyas todas las selecciones.

Taylor Swift (Wildest dreams) - 2014

Artista de talento, pero mediatizada a día de hoy por innumerables factores que juegan en su contra. O no. Según el ojo del observador.

Una cantante acostumbrada a dar lo contante y cantante por elegante y por bueno, cuando no siempre es así.
Rival directa de Katy Perry, pero en versión ultrapija.

Sus clips son un derroche de medios, al igual que los de Perry. La diferencia es que estos son de altos vuelos; en ellos, o aparecen caballos, descapotables retro solo accesibles a millonarios, princesas (ella y ella, claro), modelitos, chicos y chicas perfectos, palacetes, y así podríamos seguir un buen rato.

A la gente un pelín tontaina y felizonte siempre le ha fascinado la exaltación del lujo por el lujo y la belleza de pasteles rosas, cutis de ensueño y parafernalia de este jaez.
De ahí el increíble éxito de Swift, una Princesa Disney para adultos. Innegable es que la chica está de muy buen ver, y esto también suma.
Un poco para vomitar. Porque soy de los que piensan que no es bonito ni ético hacer tal flagrante apología del lujo cuando es claro que tú eres de los poquísimos que se lo pueden permitir. Es feo, penoso, y es casi insultante, y no voy a seguir con la ristra de adjetivos.
Aún con todo lo dicho, el talento en Swift está ahí, muchas veces eclipsado por tantos fuegos de artificio.

Traigo un único tema a este podio, pero lo merece (sin abundar en ello). Además, el clip es un minifilm dirigido por el especialista coreano Joseph Kahn (que ya ha trabajado con casi todas las divas modernas, además de U2, Rob Zombie, Muse y muchos otros) en el que queda claro que el presupuesto no es problema. Con guiños a clásicos del séptimo arte, como pueden ser Memorias de Africa, El Paciente Inglés y Mogambo.

Al Green (I'm so lonesome i could cry) - 1972

Albert Green, nacido en Arkansas en 1946, es un compositor y cantante con más de una treintena de discos de estudio a sus espaldas. Explora el soul desde el gospel, y se pasa de la raya con ello en muchas ocasiones.
De hecho, era un chiflado de la religión, tomando episodios claves de su vida como mensajes de Dios.
Una anécdota: En 1974, Mary Woodson, mujer casada pero amante de Al, propuso a este matrimonio. Al rechazar la oferta, la "delicada" de Mary le endosó una olla hirviendo mientras se bañaba. El pobre Al tuvo que ser hospitalizado con quemaduras de tercer grado, no sin antes saber que Mary se había encerrado suicidándose con una pistola propiedad suya.
Una vez recuperado, tomó el asunto como una señal del Altísimo, se ordenó reverendo, compró una Iglesia, y la religión pasó a primer plano, hecho que afectó a su música y a las ventas. Pero continuó cantando gospel y escuchando señales divinas desde el más allá.
Pelillos a la mar.

Su producción es muy fina, con un estilo vocal que recuerda al gran Curtis Mayfield, contemporáneo suyo.
Después del correspondiente análisis de su discografía, traigo a este podio de supremos un solo tema de su extensa producción. Y no es original de el, sino del cantautor country Hank Williams (1949). Pero es tan diferente y está tan perfeccionado que es como si fuera de Al.
Esta canción ha sido interpretada a lo largo del tiempo por grandes, entre los que encontramos nada menos que a Ray Charles, Jonnny Cash, Dean Martin, Little Richard y el mismisimo Elvis.
Después de escuchar todas las versiones, son muy buenas la de Little Richard y Elvis. Os dejo la de este último para que comparéis. Aun siendo el Rey, y siendo un incondicional de las gloriosas interpretaciones de Elvis (ver post), en esta ocasión hay que hincar rodilla: Al Green es superior en esta batalla.

Hará las delicias de cualquier espíritu sensible. En el se aprecia con claridad sus malabares vocales, intercambiando, como si fuera gratis, su particular barítono a falsetto, y viceversa.

Khaled (El lela) - 1988 / (Liberte - Raikoum) - 2009 / (Alech tadi) (1993)

He de decir que no albergo mucha esperanza de que este genial artista guste a nuestro llamado "primer mundo". ¿Y por qué? Fácil, porque es árabe, y con la que está cayendo desde esos lares seguro que existirá un rechazo visceral hacia cualquier cosa emparentada con tíos de bigote, pelo fosco y voz con utilización masiva de vocales.

Sin embargo, seamos serios, estamos hablando de alguien que nada tiene que ver con ese entorno tan turbulento. Es, simplemente, un gran músico fuera de lo que nosotros estamos acostumbrados a escuchar. Nada más. Pero sin embargo el rechazo inconsciente estará ahí. Por ello, este es un ejercicio para el que tenga la buena voluntad de comprender que existen mundos musicales más allá. y algunos muy buenos. Pero para poder llegar a esta música uno debe hacer un análisis crítico basado en los siguientes parámetros:

1) No todo lo que te venden como superlativo lo es. Ni mucho menos.
2) Aquello que suena y resuena en radio y televisión y en programas que toman la música como un reality, no quieren que sepas que hay mucha más vida tras los éxitos manidos y facilones.
3) De hecho, existe más musica fuera de lo que todo el mundo sabe que dentro de lo que la mayoría conoce.
4) El prejuicio nunca fue sana compañía. Tampoco lo es en lo musical.

A pesar, desde nuestro punto de vista, del exceso vocal de las tres primarias, a, e, i, Khaled sabe construir una música muy interesante, con un empleo efectivo del acordeón.
Hablamos de los tiempos de gloria de Khaled, pues a medida que avanzó en su carrera, su fama y éxitos le han revertido en una triste sombra de lo que fue, con música plagada de robótica (sintes programados), y estilo más cercano al vulgo ignaro, de acordes insulsos y machacones. Un reflejo de cómo el becerro de oro, una vez más, puede pervertir un original talento. Aunque no todo es malo, como enseguida comprobaréis.

Mi amigo Wences, ese fantasma sin cuenta en G+ pero artífice y propulsor de este post, tiene algunos temas en palmito, como Bakhta, Hana-Hana, La Camel, Wahrane-Wahrane, Serbi-Serbi, Trygue Lycée, Liberte-Raikoum, El Hierba Wine... y otros.
En algunos coincidimos, pero la discografía de Khaled es muy extensa y es seguro que mi amigo no ha podido acceder a su completa producción. Como sabéis que me tomo esto en serio, he escuchado todos y cada uno de sus discos.
Aquí podéis disponer de una selección final, basada, como siempre, en la capacidad para cambiar o potenciar el estado anímico.