Origen: Georgia (USA).
Periodo: 1956 -1988.
Maravilloso enano (tocaba el piano de pie), saltarín e inquieto, creador del estilo rock and roll junto a Elvis. El decía que se recuerda más a Elvis en esta batalla porque era blanco y él solamente un cafelito con leche.
Ah!, vale, ¿qué pasa con Jerry Lee Lewis, Chuck Berry y Eddie Cochran? Calma las masas. A su debido tiempo.
Mariquita confeso desde su más tierno amanecer, escribió un tema para la Historia por todos conocido: Tutti Frutti.
Lo que a lo mejor no es tan conocido es que ese término significa gay en argot.
El pollito ya tenía la azotea llena de grillos y escribió esta lindeza de letra: "Tutti Frutti, buen culito, si no entra, no lo fuerces, puedes engrasarlo".
Estamos en 1955 USA, los años más mojigatos de ese bendito país. Pero al bueno de Richard le daba igual, su escandalera no había hecho más que comenzar.
Por supuesto, el productor exigió un cambio de letra y así quedó finalmente el verso: a-wop-bop-a-loon-bop-a-boom-bam-boom.
Mejor. Un onomatopéyico que cuajó y que Richard utilizó muchas veces.
En 1957 tuvo una revelación a raíz del incendio de los motores del avión en que viajaba: Renegó del rock and roll y de su vida disoluta.
Al aterrizar sano y salvo tiro al río Hunter anillos por valor de 8000 dólares, se licenció en teología por la universidad de Alabama y se convirtió en ministro de la iglesia.
Un fenómeno.
Años después entró algo en razón y siguió haciendo música y cine porque "para ello Dios le había conservado la vista y demás atributos".
Curiosidades:
- Tanto los Beatles como los Rolling Stones se rendían a sus pies.
- "Speed King", una de las mejores canciones de Deep Purple, fue escrita por Gillan en homenaje a Little Richard.
- Como cura, ha casado a Bruce Willis, Demi Moore y Cyndi Lauper, entre otros.
- Tutti Frutti es tan rompedor que lo tomé como referencia para iniciar los estudios musicales en Sumudaba. Es el primer tema, el original de toda la promesa ulterior. Este y el genial Please, please, please de James Brown del mismo año me animaron a comenzar justo ahí, en 1956.
Para concluir, lo cierto y verdad es que Little Richard fue un personaje tan energético e histriónico que hubo que concederle una vuelta más. Pues como buen genio y figura estaba de vuelta y media.
viernes, 28 de diciembre de 2018
viernes, 21 de diciembre de 2018
Zakk Wylde (Lost prayer) - 2016 / (Road back home) - 1996
Origen: Nueva Jersey (USA).
Periodo: 1988 - hoy.
De nombre real Jeffrey Phillip Wielandt, tomó su nombre artístico de la serie de televisión "Perdidos en el espacio" (Zakari Wyland).
Nacido en familia humilde, empleado de supermercado, aplicado estudioso de guitarra, acudió a las sesiones de Ozzy para encontrar guitarrista de reemplazo para el problemático Jake E. Lee (ver post).
Fue a la postre guitarra líder durante una década en la banda de Ozzy, completando cinco discos de estudio, entre los que destaca cual luz en la noche Ozzmosis (1995), una de las mejores producciones de Osbourne.
Ya muy barbado, en su supuesta madurez (cosa dudosa -nadie de verdad con la almendra en tueste natural debería lucir ese babero de pelos-) editó dos discos en solitario que merecen sin embargo nuestra atención: Book of Shadows (1996) y Book of Shadows II (2016). Suponemos que en 2036 veremos la tercera parte, allá cuando ya se le enrede toda la pelambrera entre los pies. Vale. Bien. Por mí correcto si ha de ser así. Incluso puede haber un cortocircuito originado en el micro y que los pelos al rojo inicien un estropicio de magnitud 9 en la escala Bartleby. Podría ser, o no. ¿Quién conoce los designios del Creador?
También podría ser que alguien que escuche estos grandes cortes tenga una iluminación y le corte de cuajo esos pelos de mendigo. Para que eso ocurra quizá las ranas tengan que criar pelo. O no, como ya he explicado líneas arriba.
Los asuntos evolutivos los trataré diosmediante en almanaque posterior.
Perdonad la estulticia del momento, pero quiero aprovechar para saludar a mi primo que siempre cree que estamos en antena, el pobre.
- Toc Toc.
- No estoy.
- ¡Ah!, pues menos mal que no he venido.
En estas idiosincrasias se resume la carrera de este tipo genial, también literato, que escribe sus libros en alguno de los grises que hay en la escala de grises (enorme problema si uno se pone a pensarlo en serio).
Algunas buenas almas dicen que también toca la mandolina, el piano, el banjo y la armónica. Pero no se conocen registros que lo demuestren.
Sus libros de sombras nos traen algunos matices que debemos subrayar con luz y taquígrafos. Es de justicia.
Periodo: 1988 - hoy.
De nombre real Jeffrey Phillip Wielandt, tomó su nombre artístico de la serie de televisión "Perdidos en el espacio" (Zakari Wyland).
Nacido en familia humilde, empleado de supermercado, aplicado estudioso de guitarra, acudió a las sesiones de Ozzy para encontrar guitarrista de reemplazo para el problemático Jake E. Lee (ver post).
Fue a la postre guitarra líder durante una década en la banda de Ozzy, completando cinco discos de estudio, entre los que destaca cual luz en la noche Ozzmosis (1995), una de las mejores producciones de Osbourne.
Ya muy barbado, en su supuesta madurez (cosa dudosa -nadie de verdad con la almendra en tueste natural debería lucir ese babero de pelos-) editó dos discos en solitario que merecen sin embargo nuestra atención: Book of Shadows (1996) y Book of Shadows II (2016). Suponemos que en 2036 veremos la tercera parte, allá cuando ya se le enrede toda la pelambrera entre los pies. Vale. Bien. Por mí correcto si ha de ser así. Incluso puede haber un cortocircuito originado en el micro y que los pelos al rojo inicien un estropicio de magnitud 9 en la escala Bartleby. Podría ser, o no. ¿Quién conoce los designios del Creador?
También podría ser que alguien que escuche estos grandes cortes tenga una iluminación y le corte de cuajo esos pelos de mendigo. Para que eso ocurra quizá las ranas tengan que criar pelo. O no, como ya he explicado líneas arriba.
Los asuntos evolutivos los trataré diosmediante en almanaque posterior.
Perdonad la estulticia del momento, pero quiero aprovechar para saludar a mi primo que siempre cree que estamos en antena, el pobre.
- Toc Toc.
- No estoy.
- ¡Ah!, pues menos mal que no he venido.
En estas idiosincrasias se resume la carrera de este tipo genial, también literato, que escribe sus libros en alguno de los grises que hay en la escala de grises (enorme problema si uno se pone a pensarlo en serio).
Algunas buenas almas dicen que también toca la mandolina, el piano, el banjo y la armónica. Pero no se conocen registros que lo demuestren.
Sus libros de sombras nos traen algunos matices que debemos subrayar con luz y taquígrafos. Es de justicia.
lunes, 17 de diciembre de 2018
Nacho García Vega (Otro movimiento) - 1995
Origen: Madrid.
Periodo: 1995 - hoy.
Como dijimos en el post anterior, NGV es el componente fundador de Nacha Pop que más nos gusta.
Sus temas casi siempre son festivos, y es que en esto del rocanrol han de serlo. La música rock se inventó para bailar y para que cada bailongo se regocije en la alegría que transmite.
Existen muchos estilos rock, pero solo perdurarán en el tiempo los que son divertidos. Así funcionamos porque así funciona nuestra memoria.
Por supuesto, los temas tristes están muy bien puntualmente para regodearte con ellos cuando tienes ese estado de ánimo. Pero eso no será recordado dentro del rock.
Llegados a este punto, creo que Nacho, como fundador de Nacha, debió de plantarse, pues su grupo tomó derroteros no especificados de origen en su hoja de ruta.
Sin embargo, no pudo ser así porque el primigenio éxito de "Chica de ayer"- tema tristón de Antonio- tuvo tal acogida que dejó desde entonces a Nacho en manos del Vega demacrado porque su aval de ventas le cerró de cuajo la réplica.
Nacho pudo resarcirse en algunos buenísimos temas, pero fueron pocos, aunque para nosotros fueron los mejores, como ya explicamos en el post anterior.
Este es su otro legado, en solitario, del que destaca una canción por encima del resto, incluso es mejor que muchas de su grupo madre. Se trata de "Otro movimiento".
No existía en Youtube, así que ya forma parte de ese pequeño elenco de canciones desconocidas que podéis encontrar en mi canal.
A destacar:
> Tu de que lado estás - Me rindo - Vértigo (1995).
> Otra vez nunca igual (2001).
Periodo: 1995 - hoy.
Como dijimos en el post anterior, NGV es el componente fundador de Nacha Pop que más nos gusta.
Sus temas casi siempre son festivos, y es que en esto del rocanrol han de serlo. La música rock se inventó para bailar y para que cada bailongo se regocije en la alegría que transmite.
Existen muchos estilos rock, pero solo perdurarán en el tiempo los que son divertidos. Así funcionamos porque así funciona nuestra memoria.
Por supuesto, los temas tristes están muy bien puntualmente para regodearte con ellos cuando tienes ese estado de ánimo. Pero eso no será recordado dentro del rock.
Llegados a este punto, creo que Nacho, como fundador de Nacha, debió de plantarse, pues su grupo tomó derroteros no especificados de origen en su hoja de ruta.
Sin embargo, no pudo ser así porque el primigenio éxito de "Chica de ayer"- tema tristón de Antonio- tuvo tal acogida que dejó desde entonces a Nacho en manos del Vega demacrado porque su aval de ventas le cerró de cuajo la réplica.
Nacho pudo resarcirse en algunos buenísimos temas, pero fueron pocos, aunque para nosotros fueron los mejores, como ya explicamos en el post anterior.
Este es su otro legado, en solitario, del que destaca una canción por encima del resto, incluso es mejor que muchas de su grupo madre. Se trata de "Otro movimiento".
No existía en Youtube, así que ya forma parte de ese pequeño elenco de canciones desconocidas que podéis encontrar en mi canal.
A destacar:
> Tu de que lado estás - Me rindo - Vértigo (1995).
> Otra vez nunca igual (2001).
martes, 11 de diciembre de 2018
Nacha Pop (Cerrado por dentro) - 2017 / (Vístete) - 1987 / (Relojes en la oscuridad) - 1985
Origen: Madrid.
Periodo: 1978 - 1988 / 2012 - hoy.
Grupo formado por Nacho García Vega (de ahí el nombre de Nacha), al que muy pronto se unió su primo carnal, Antonio.
Tuvieron suerte desde sus inicios, pues con "Chica de ayer" alcanzaron cimas de éxito apabullantes, tema del que se han hecho innumerables versiones.
No es una formación que me haga mucho tilín, sobre todo por el estilo vocal y compositivo de Antonio Vega, demasiado tristón. De hecho, nunca comprendí como esta clase de música tan depresiva llegara a tanta gente.
Nos gusta mucho más el espíritu festivo de Nacho, aunque tuvo un peso relativo en el grupo, eclipsado por esas famosas canciones de Antonio.
Nacha Pop se disolvió oficialmente en 1988.
La carrera en solitario de Nacho García es muy interesante, aunque solamente cuente con dos discos hasta hoy. La abordaremos en el siguiente artículo.
En 2007 se reúnen de nuevo, girando por el país. Y en 2009 comienzan a componer nuevo material, pero el proyecto se trunca con la muerte de Antonio Vega, lastrado por largos años de excesos.
El disco por fin ve la luz en 2017, treinta años después de su último trabajo de estudio. El tema con el que abre, "Cerrado por dentro" es de lo mejor que hizo nunca Nacha Pop.
A destacar:
> Vidas agridulces - Agárrate a mi (1983).
> Déjate ver ya - No me olvido - Nuevo plan - Con tal de regresar (1985).
Periodo: 1978 - 1988 / 2012 - hoy.
Grupo formado por Nacho García Vega (de ahí el nombre de Nacha), al que muy pronto se unió su primo carnal, Antonio.
Tuvieron suerte desde sus inicios, pues con "Chica de ayer" alcanzaron cimas de éxito apabullantes, tema del que se han hecho innumerables versiones.
No es una formación que me haga mucho tilín, sobre todo por el estilo vocal y compositivo de Antonio Vega, demasiado tristón. De hecho, nunca comprendí como esta clase de música tan depresiva llegara a tanta gente.
Nos gusta mucho más el espíritu festivo de Nacho, aunque tuvo un peso relativo en el grupo, eclipsado por esas famosas canciones de Antonio.
Nacha Pop se disolvió oficialmente en 1988.
La carrera en solitario de Nacho García es muy interesante, aunque solamente cuente con dos discos hasta hoy. La abordaremos en el siguiente artículo.
En 2007 se reúnen de nuevo, girando por el país. Y en 2009 comienzan a componer nuevo material, pero el proyecto se trunca con la muerte de Antonio Vega, lastrado por largos años de excesos.
El disco por fin ve la luz en 2017, treinta años después de su último trabajo de estudio. El tema con el que abre, "Cerrado por dentro" es de lo mejor que hizo nunca Nacha Pop.
A destacar:
> Vidas agridulces - Agárrate a mi (1983).
> Déjate ver ya - No me olvido - Nuevo plan - Con tal de regresar (1985).
lunes, 3 de diciembre de 2018
Creedence Clearwater Revival (Travelin´ Band) - (Fortunate son) - 1970 / (Born to move) - 1971
Origen: El Cerrito, California (USA).
Periodo: 1967 - 1972.
Banda considerada por muchos entusiastas como el culmen de lo auténtico y genuino.
Estoy aquí para desilusionar a este colectivo. Y gratis. Por la patilla.
CCR no es tan auténtica como cree gran parte de sus fans. Es un sonido que bebe del estratosférico Little Richard para comenzar y, para terminar, de todo el country, folk y blues hecho hasta ese momento.
Cualquiera que se moleste en audicionar un poco más atrás encontrará todas las referencias aplicadas a la banda de los hermanos Fogerty.
¿Qué es lo que tiene de especial la Creedence? Respuesta: Un puñado de temas fantásticos, que junto a la energética voz de Fogerty llegaron al personal muy adentro. Pero adentrémonos de verdad.
Para finales de 1969 habían grabado tres discos en un año. Esto es una barbaridad y no es de extrañar que todas esas canciones suenen parecidas.
Hacía más de veinte años que no los escuchaba. Cuando antaño lo hice ya me pareció que se repetían demasiado. Hoy, al estudiar su discografía, descubro que no es tanto un problema de su música como del monotono de Fogerty, que es lo que realmente cansa si se escuchan varios temas seguidos. En contra de lo que se dice, Fogerty no tiene un amplio espectro de registro sino todo lo contrario. Además, es una manera de cantar en el que fuerza sus vocales casi constantemente, dando una misma tensión, con los mismos tics, un arrastre de flema que a mediados de los ´80 le acabó provocando problemas médicos serios.
CCR es un grupo, después de todo, muy cercano al country, que es precisamente uno de los pocos estilos que no contempla este podio. ¿Por qué? Respuesta: Por aburrevacas, aunque sea una sinrazón, pues es la música afín al vaquero por excelencia.
No hemos preguntado a las vacas.
De cualquier forma, si la Creedence está aquí es porque no solo es country y porque por supuesto no todo es aburrido. Sin embargo es una banda ampliamente superada por el tiempo, de la que solo podemos extraer algunas perlas.
No nos interesa lo que supuso en su momento histórico sino lo que hoy, después de cincuenta años, puede aún escucharse con deleite. No es mucho, pero si lo amontonamos tiene su valor medido en arrobas, o sea, valor que cae por su propio peso.
"Down on the corner" es una canción peligrosa de escuchar debido al que he denominado "efecto chicle" (muy notorio en "Mamy blue" - Pop Tops) y en otras composiciones que me reservo citar por no abocar al oyente a bucles mentales insidiosos. Cuidado.
Curiosidad: El mejor track del álbum Pendulum (1971) es progresivo. Una rareza en escala 9. Hablamos de "Born to move", con evoluciones Hammond cuando menos interesantes.
Para el último trabajo, Mardi Grass (1972) Fogerty abrió la veda ante la presión de sus compañeros, y ahí tenemos temas compuestos por los demás miembros y cantados también por ellos. Iniciativa loable por parte del líder pero que no hace más que disgregar la identidad del grupo, pues para bien o para mal Creedence Clearwater Revival está indisolublemente unida a esa voz forzada y a punto de flema como fue la de Fogerty.
Sí, esa voz de tío duro pero que tuvo sus humildes orígenes en un padre alcohólico que le pegaba y en una madre que debía mantener a cinco hijos con un sueldo de profesora de escuela. El cuarto de John estaba en el sótano y en ocasiones tenía que apilar tablones para que su cama no se empapara con las lluvias.
Todas esas penurias le impulsaron hacia una firme determinación: ganar dinero a toda costa.
Cuando al fin se propuso hacer música fue con la férrea promesa de que diera réditos. A Fogerty no le interesaba lo auténtico, lo hecho de corazón, porque eso podía suponer la ruina. Podía haber explorado el aún desconocido rock progresivo, para el que estaba sin duda dotado (según apreciamos en el citado Pendulum). Pero no quiso margen de error. Le interesaba algo sólido, algo que diera pasta contante y sonante. Para eso cantaron y sonaron. ¡¡Vaya si sonaron!!
Esto es lo que yo llamo "la paradoja Fogerty". Si has llegado aquí, vuelve al principio de este texto para vislumbrarla en todo su esplendor.
A destacar:
> Suzie Q (1968).
> Proud Mary (1969).
> Sinister purpose - Green river (1969).
> The Midnight Special (1970).
> Chamaleon (1971).
Periodo: 1967 - 1972.
Banda considerada por muchos entusiastas como el culmen de lo auténtico y genuino.
Estoy aquí para desilusionar a este colectivo. Y gratis. Por la patilla.
CCR no es tan auténtica como cree gran parte de sus fans. Es un sonido que bebe del estratosférico Little Richard para comenzar y, para terminar, de todo el country, folk y blues hecho hasta ese momento.
Cualquiera que se moleste en audicionar un poco más atrás encontrará todas las referencias aplicadas a la banda de los hermanos Fogerty.
¿Qué es lo que tiene de especial la Creedence? Respuesta: Un puñado de temas fantásticos, que junto a la energética voz de Fogerty llegaron al personal muy adentro. Pero adentrémonos de verdad.
Para finales de 1969 habían grabado tres discos en un año. Esto es una barbaridad y no es de extrañar que todas esas canciones suenen parecidas.
Hacía más de veinte años que no los escuchaba. Cuando antaño lo hice ya me pareció que se repetían demasiado. Hoy, al estudiar su discografía, descubro que no es tanto un problema de su música como del monotono de Fogerty, que es lo que realmente cansa si se escuchan varios temas seguidos. En contra de lo que se dice, Fogerty no tiene un amplio espectro de registro sino todo lo contrario. Además, es una manera de cantar en el que fuerza sus vocales casi constantemente, dando una misma tensión, con los mismos tics, un arrastre de flema que a mediados de los ´80 le acabó provocando problemas médicos serios.
CCR es un grupo, después de todo, muy cercano al country, que es precisamente uno de los pocos estilos que no contempla este podio. ¿Por qué? Respuesta: Por aburrevacas, aunque sea una sinrazón, pues es la música afín al vaquero por excelencia.
No hemos preguntado a las vacas.
De cualquier forma, si la Creedence está aquí es porque no solo es country y porque por supuesto no todo es aburrido. Sin embargo es una banda ampliamente superada por el tiempo, de la que solo podemos extraer algunas perlas.
No nos interesa lo que supuso en su momento histórico sino lo que hoy, después de cincuenta años, puede aún escucharse con deleite. No es mucho, pero si lo amontonamos tiene su valor medido en arrobas, o sea, valor que cae por su propio peso.
"Down on the corner" es una canción peligrosa de escuchar debido al que he denominado "efecto chicle" (muy notorio en "Mamy blue" - Pop Tops) y en otras composiciones que me reservo citar por no abocar al oyente a bucles mentales insidiosos. Cuidado.
Curiosidad: El mejor track del álbum Pendulum (1971) es progresivo. Una rareza en escala 9. Hablamos de "Born to move", con evoluciones Hammond cuando menos interesantes.
Para el último trabajo, Mardi Grass (1972) Fogerty abrió la veda ante la presión de sus compañeros, y ahí tenemos temas compuestos por los demás miembros y cantados también por ellos. Iniciativa loable por parte del líder pero que no hace más que disgregar la identidad del grupo, pues para bien o para mal Creedence Clearwater Revival está indisolublemente unida a esa voz forzada y a punto de flema como fue la de Fogerty.
Sí, esa voz de tío duro pero que tuvo sus humildes orígenes en un padre alcohólico que le pegaba y en una madre que debía mantener a cinco hijos con un sueldo de profesora de escuela. El cuarto de John estaba en el sótano y en ocasiones tenía que apilar tablones para que su cama no se empapara con las lluvias.
Todas esas penurias le impulsaron hacia una firme determinación: ganar dinero a toda costa.
Cuando al fin se propuso hacer música fue con la férrea promesa de que diera réditos. A Fogerty no le interesaba lo auténtico, lo hecho de corazón, porque eso podía suponer la ruina. Podía haber explorado el aún desconocido rock progresivo, para el que estaba sin duda dotado (según apreciamos en el citado Pendulum). Pero no quiso margen de error. Le interesaba algo sólido, algo que diera pasta contante y sonante. Para eso cantaron y sonaron. ¡¡Vaya si sonaron!!
Esto es lo que yo llamo "la paradoja Fogerty". Si has llegado aquí, vuelve al principio de este texto para vislumbrarla en todo su esplendor.
A destacar:
> Suzie Q (1968).
> Proud Mary (1969).
> Sinister purpose - Green river (1969).
> The Midnight Special (1970).
> Chamaleon (1971).
viernes, 30 de noviembre de 2018
ZZ Top (Sure got cold after the rain fell (1972) / (Nasty dogs and funky kings) - 1975 / (A fool for your stockings) - 1979 / (She ´s a bad girl) - 1983
Origen: Texas (USA).
Periodo: 1969 - 2012
Siempre me pregunté si estos tíos son en realidad judíos rabinos ordodoxos.
Nadie sabe la razón definitiva sobre su look barbado. La teoría oficial es que a Billy Gibbons -el amo- le hizo gracia eso de la pelambrera facial que tapa papada y arrugas del collamen y se la fue dejando cada vez más larga a modo de firma, hecho este que propició que su alma gemela, Dusty Hill, hiciera lo mismo. Lo mejor es lo de Frank, el batería, que se apellida "barba" -no te lo pierdas- pero es el único que no la luce. De traca.
He de reconocer que la música rock sureña (USA) no me cruje la peana ni me encandila tanto como para articular "Oh my god", "Ou yeah" y cositas de este jaez. No. Podría citar el ejemplo clásico de "banda brasas": Creedence Clearwater Revival, pero tampoco soy muy afín a Lynyrd Skynyrd, otros que cuecen el mismo palique.
ZZ Top se sitúa bien aquí, mal acullá. Tengo percepción encontrada. Hay ocasiones en que es un deleite y otras en que es infumable.
Eso sí, en todo el rock sureño se percibe el tufillo de la antigua Confederación (en que los estados del sur clamaban por continuar con la explotación negrera de los campos de algodón). Quizá esto es mucho suponer, pero yo lo siento así.
ZZ Top luce atributos exageradamente masculinos, esa barba infinita es el más notorio (es como decir "aquí estamos los machos"). Y que conste que soy el primero en defender al Hombre (el del pene), con su particular idiosincrasia, que bien aplicada siempre gustará a la mujer, porque para eso estamos.
Eso es natural, pero no lo es hacer de ello propaganda gratuita. Me dan repelús esas poses de tíos duros, con gafas oscuras, barbados hasta la irrisión, cuyo alarde subsidiario solo está basado en las dos ruedas y los coches potentes (y prepotentes); sombreros western, hebillas de cinturón de a kilo, chupas roídas de carnero. Solamente faltaría el revólver al cinto, pero se intuye.
¿Los estoy llamando payasos?
En su pose, sin duda. Esa tipología de vende-cupones (lo digo por lo de las gafas negras) con un babero inmenso de pelos solo puede indicar algún desajuste psíquico digno de terapia.
En fin, dejémoslo estar.
Después de ponerlos de vuelta y media, también en justicia hay que decir que Gibbons es un inmenso guitarrista, aunque venda cupones, vista como un vaquero trasnochado y se vanaglorie de poseer un babero de pelos. Da igual. Lo es.
Y es también justo y necesario decir que ZZ Top poseen algunos temas gloriosos que se salvan de tanta afectación y pose dura vaqueriza.
El buen montante, como no puede ser de otra manera, se encuentra en sus discos de los ´70. Llegando incluso hasta El Loco (1981).
En 1983 lanzaron Eliminator, con el que a través de un sonido más plástico y accesible (con la inclusión de sintes al gusto del momento) llegaron por fin al gran público, signo de que el grupo entraba en decadencia sin saberlo, como casi siempre ocurre. No obstante, buenísimo el rocanrol "She´s a bad girl" - en selección.
A partir de aquí no hay nada destacable hasta llegar a 2003, seis discos después, en que aparece Mescalero, lo mejor de su última etapa.
A destacar:
> Blue jean blues - Balinese - Mexican blackbird (1975).
> Arrested for driving while blind - El Diablo (1977).
> Dust my broom - Cheap sunglasses (1979).
> Groovy little hippie pad (1981).
> Gimme all your lovin´- Got me under pressure (1983).
> Piece - What would you do - What is it kid -Tramp (2003).
> It s Too easy Mañana (2012).
Periodo: 1969 - 2012
Siempre me pregunté si estos tíos son en realidad judíos rabinos ordodoxos.
Nadie sabe la razón definitiva sobre su look barbado. La teoría oficial es que a Billy Gibbons -el amo- le hizo gracia eso de la pelambrera facial que tapa papada y arrugas del collamen y se la fue dejando cada vez más larga a modo de firma, hecho este que propició que su alma gemela, Dusty Hill, hiciera lo mismo. Lo mejor es lo de Frank, el batería, que se apellida "barba" -no te lo pierdas- pero es el único que no la luce. De traca.
He de reconocer que la música rock sureña (USA) no me cruje la peana ni me encandila tanto como para articular "Oh my god", "Ou yeah" y cositas de este jaez. No. Podría citar el ejemplo clásico de "banda brasas": Creedence Clearwater Revival, pero tampoco soy muy afín a Lynyrd Skynyrd, otros que cuecen el mismo palique.
ZZ Top se sitúa bien aquí, mal acullá. Tengo percepción encontrada. Hay ocasiones en que es un deleite y otras en que es infumable.
Eso sí, en todo el rock sureño se percibe el tufillo de la antigua Confederación (en que los estados del sur clamaban por continuar con la explotación negrera de los campos de algodón). Quizá esto es mucho suponer, pero yo lo siento así.
ZZ Top luce atributos exageradamente masculinos, esa barba infinita es el más notorio (es como decir "aquí estamos los machos"). Y que conste que soy el primero en defender al Hombre (el del pene), con su particular idiosincrasia, que bien aplicada siempre gustará a la mujer, porque para eso estamos.
Eso es natural, pero no lo es hacer de ello propaganda gratuita. Me dan repelús esas poses de tíos duros, con gafas oscuras, barbados hasta la irrisión, cuyo alarde subsidiario solo está basado en las dos ruedas y los coches potentes (y prepotentes); sombreros western, hebillas de cinturón de a kilo, chupas roídas de carnero. Solamente faltaría el revólver al cinto, pero se intuye.
¿Los estoy llamando payasos?
En su pose, sin duda. Esa tipología de vende-cupones (lo digo por lo de las gafas negras) con un babero inmenso de pelos solo puede indicar algún desajuste psíquico digno de terapia.
En fin, dejémoslo estar.
Después de ponerlos de vuelta y media, también en justicia hay que decir que Gibbons es un inmenso guitarrista, aunque venda cupones, vista como un vaquero trasnochado y se vanaglorie de poseer un babero de pelos. Da igual. Lo es.
Y es también justo y necesario decir que ZZ Top poseen algunos temas gloriosos que se salvan de tanta afectación y pose dura vaqueriza.
El buen montante, como no puede ser de otra manera, se encuentra en sus discos de los ´70. Llegando incluso hasta El Loco (1981).
En 1983 lanzaron Eliminator, con el que a través de un sonido más plástico y accesible (con la inclusión de sintes al gusto del momento) llegaron por fin al gran público, signo de que el grupo entraba en decadencia sin saberlo, como casi siempre ocurre. No obstante, buenísimo el rocanrol "She´s a bad girl" - en selección.
A partir de aquí no hay nada destacable hasta llegar a 2003, seis discos después, en que aparece Mescalero, lo mejor de su última etapa.
A destacar:
> Blue jean blues - Balinese - Mexican blackbird (1975).
> Arrested for driving while blind - El Diablo (1977).
> Dust my broom - Cheap sunglasses (1979).
> Groovy little hippie pad (1981).
> Gimme all your lovin´- Got me under pressure (1983).
> Piece - What would you do - What is it kid -Tramp (2003).
> It s Too easy Mañana (2012).
domingo, 18 de noviembre de 2018
Nina Hagen (TV-glotzer -white punks on dope-) - 1978 / My Sensation - Zarah - New York, NY (1983)
Origen: Berlín (Alemania).
Periodo: 1978 - 2011.
Nina fue niña prodigio interpretando ópera en su tierna juventud.
Subversiva, como sus padres, intentó con su banda explorar el universo punk durante los últimos años gloriosos setenteros. Pero no fue este su medio natural. A Hagen le tiraba más la creciente new wave, que llegó a reinterpretar magistralmente en su disco Angstlos (1983). Aquí se encuentra lo mejor de Nina. Un trabajo pletórico, radical, que redimensiona su música. No es punk, no es new wave, no es ópera y no es rock, pero el resultado es una muy curiosa y personal amalgama de todo ello. Sin duda, un disco "major" que en su momento no fue del todo bien entendido pero que ha cogido peso con el transcurrir del tiempo.
Hay que decir que "Zarah" es un espléndido cover de un tema antiguo de Zarah Leander, antigua espía alemana-suiza, pero que en época de Hitler fue una actriz y cantante ensalzada por la Alemania nazi.
Nina lo siguió intentando con una docena más de trabajos. Pero según pasaba el tiempo, menos esperanzas existían. Hasta finalmente casi rozar el ridículo. De cualquier modo, se merece aquí un podio sin ninguna duda.
A destacar:
> Ich bin da gar nicht pingelig (1978).
> Fall in love mit mir reinhören (1979).
> Cosma Shiva (1982).
> Lorelei (1983).
Periodo: 1978 - 2011.
Nina fue niña prodigio interpretando ópera en su tierna juventud.
Subversiva, como sus padres, intentó con su banda explorar el universo punk durante los últimos años gloriosos setenteros. Pero no fue este su medio natural. A Hagen le tiraba más la creciente new wave, que llegó a reinterpretar magistralmente en su disco Angstlos (1983). Aquí se encuentra lo mejor de Nina. Un trabajo pletórico, radical, que redimensiona su música. No es punk, no es new wave, no es ópera y no es rock, pero el resultado es una muy curiosa y personal amalgama de todo ello. Sin duda, un disco "major" que en su momento no fue del todo bien entendido pero que ha cogido peso con el transcurrir del tiempo.
Hay que decir que "Zarah" es un espléndido cover de un tema antiguo de Zarah Leander, antigua espía alemana-suiza, pero que en época de Hitler fue una actriz y cantante ensalzada por la Alemania nazi.
Nina lo siguió intentando con una docena más de trabajos. Pero según pasaba el tiempo, menos esperanzas existían. Hasta finalmente casi rozar el ridículo. De cualquier modo, se merece aquí un podio sin ninguna duda.
A destacar:
> Ich bin da gar nicht pingelig (1978).
> Fall in love mit mir reinhören (1979).
> Cosma Shiva (1982).
> Lorelei (1983).
viernes, 9 de noviembre de 2018
Genesis (2) (Down and Out) - 1978 - (Abacab) 1981 - (Behind the lines) - 1980 / (Home by the Sea) - 1983
Origen: Surrey (UK)
Periodo: 1976 - 1997.
Segunda parte. Periodo con Phil Collins como vocalista.
"Down and Out" pertenece al primer disco ya como trío y el logro es que aun manteniendo su rock primigenio consigue hacerlo más moderno y más potente, aparte de que la percusión de Phil Collins alcanza cotas de apoteosis; ritmo machacón pero muy original, que ofrece también "Abacab", un tema que plantea un puente perfecto y acertado, exento de cualquier etiqueta.
En And then there where three... (1978) casi todo es destacable. Yo diría que es el mejor disco de Collins, aunque el siguiente, Duke (1980) no le va muy a la zaga.
Abacab (1981) es un álbum más flojo, exceptuando el tema homónimo (en selección) y un par destacables.
En 1983 lanzan Genesis, a secas, con el mensaje de ser un grupo renacido, fresco, ya pop rock, pero de muchísimo peso, muy lejos de las banalidades que se hacían en el género por esa misma época.
Es de hecho el último gran trabajo de la banda. Aparte de "Home by the sea" y su secuela incluye temas deliciosos como "Silver rainbow" o "It´s gonna get better".
A destacar:
> Dance on a volcano (1976).
> Snowbound - Burning rope - Scenes from a night´s dream - Say it´s alright Joe - The lady lies - Follow you, follow me. (1978).
> Heathaze - Please don´t ask - Misunderstanding - Duke´s travels, Duke´s end. (1980).
> No reply at all (1981).
> Second home by the sea - Silver rainbow - It´s gonna get better. (1983).
Periodo: 1976 - 1997.
Segunda parte. Periodo con Phil Collins como vocalista.
"Down and Out" pertenece al primer disco ya como trío y el logro es que aun manteniendo su rock primigenio consigue hacerlo más moderno y más potente, aparte de que la percusión de Phil Collins alcanza cotas de apoteosis; ritmo machacón pero muy original, que ofrece también "Abacab", un tema que plantea un puente perfecto y acertado, exento de cualquier etiqueta.
En And then there where three... (1978) casi todo es destacable. Yo diría que es el mejor disco de Collins, aunque el siguiente, Duke (1980) no le va muy a la zaga.
Abacab (1981) es un álbum más flojo, exceptuando el tema homónimo (en selección) y un par destacables.
En 1983 lanzan Genesis, a secas, con el mensaje de ser un grupo renacido, fresco, ya pop rock, pero de muchísimo peso, muy lejos de las banalidades que se hacían en el género por esa misma época.
Es de hecho el último gran trabajo de la banda. Aparte de "Home by the sea" y su secuela incluye temas deliciosos como "Silver rainbow" o "It´s gonna get better".
A destacar:
> Dance on a volcano (1976).
> Snowbound - Burning rope - Scenes from a night´s dream - Say it´s alright Joe - The lady lies - Follow you, follow me. (1978).
> Heathaze - Please don´t ask - Misunderstanding - Duke´s travels, Duke´s end. (1980).
> No reply at all (1981).
> Second home by the sea - Silver rainbow - It´s gonna get better. (1983).
miércoles, 7 de noviembre de 2018
Genesis (1) (Looking for someone) - (The Knife) - 1970 / (Firth of fifth) - (The Cinema Show) - 1973 / (Lilywhite Lilith) - 1974
Origen: Surrey (UK).
Periodo: 1969 - 1975.
Vamos a dividir la producción de este supergrupo en dos etapas, definidas por sus dos cantantes icónicos.
Peter Gabriel fue el original. Nos centraremos aquí en este periodo.
Genesis comenzó bien en su debut, pero lo que nadie podía imaginar es que tan pronto, en su segundo trabajo, Trespass (1970), ya sentaran cátedra. Por cierto, de los más olvidados y de escasas ventas. Diría que es el mayor desconocido mejor disco del grupo. Sin embargo, es un álbum fabuloso en el que todo en el es mágico.
Genesis ha suscitado a lo largo de su larga historia muchas cosas, pero creo que ninguna de ellas es tan genuina como la que aflora en este particular trabajo. Genesis es ESTO en su más pura esencia original. Trespass es único, nunca se produjo ni antes ni después música como la que encontramos aquí.
Se trata ni más ni menos de música-maga, perfectamente producida por John Anthony.
El track "The Knife" es monumental, sumergido en esa atmósfera medieval. Totalmente épico. Además es el único tema de Genesis que ingresa en su parte final en el hard rock. Una maravillosa rareza en escala 9.
A continuación hicieron dos discos extremadamente correctos: Nursery Crime, 1971 y Foxtrot, 1972, pero la magia había desaparecido por arte de magia. Bonito, ¿no? Para nada. Genesis seguía ahí, las ventas empezaron a carburar pero a mi no me convencen, falta autenticidad. Es como seguir un patrón sin guía real. De cualquier modo, Foxtrot (netamente superior a Nursery Crime) nos deja algunas composiciones destacables.
En 1973 lanzaron Selling England by the pound en el que vuelve la magia. Y también es el cénit del grupo en un sentido técnico. Todo está perfectamente coordinado, las composiciones supuran arte, buen oficio y son muy interesantes.
En "I know what i like (in your wardrobe)" ya se nota el peso compositivo de Phil Collins. Más tarde, como trío, Genesis hizo varias cosas en esta línea.
Y por fin llegamos a la joya de la corona: "Firth of fifth". Si en un supuesto alguien me exigiera dilucidar cuál es mejor tema de esta banda, elegiría este. Lo tiene todo. Es cierto que es muy Collins pero también es muy Gabriel. Comparte lo mejor de ambas personalidades con el añadido de estar construido por un supergrupo en estado de gracia.
"The Cinema Show" está al mismo nivel.
Para el último trabajo de Peter Gabriel con Genesis, The Lamb lies on Broadway (1974) Gabriel escribió prácticamente todas las canciones; se le había ido un poco la sesera creyéndose una especie de mesías. Estaba en su derecho, pero el resto del grupo no se lo perdonó.
Este último disco es considerado por los fans como una obra maestra. Es notorio el énfasis en temas cortos (en contraposición a la trayectoria anterior), alguno de ellos muy logrado, como "Lilywhite Lilith". Inaguro con este tema una categoría excepcional, ya que irá como Extra en selección (algo que no ocurrirá casi nunca. Esta es la primera vez después de casi 500 discografías estudiadas).
A destacar:
> White Mountain - Viions of angels - Stagnation - Dusk (1970).
> Watcher of the skies - Time table - Get´em out by friday - Can-utility and the coastliners (1972).
> Dancing with the moonlit knight (1973).
> The lamb lies down on Broadway - Cuckoo Cocoon - In the cage (1974).
Periodo: 1969 - 1975.
Vamos a dividir la producción de este supergrupo en dos etapas, definidas por sus dos cantantes icónicos.
Peter Gabriel fue el original. Nos centraremos aquí en este periodo.
Genesis comenzó bien en su debut, pero lo que nadie podía imaginar es que tan pronto, en su segundo trabajo, Trespass (1970), ya sentaran cátedra. Por cierto, de los más olvidados y de escasas ventas. Diría que es el mayor desconocido mejor disco del grupo. Sin embargo, es un álbum fabuloso en el que todo en el es mágico.
Genesis ha suscitado a lo largo de su larga historia muchas cosas, pero creo que ninguna de ellas es tan genuina como la que aflora en este particular trabajo. Genesis es ESTO en su más pura esencia original. Trespass es único, nunca se produjo ni antes ni después música como la que encontramos aquí.
Se trata ni más ni menos de música-maga, perfectamente producida por John Anthony.
El track "The Knife" es monumental, sumergido en esa atmósfera medieval. Totalmente épico. Además es el único tema de Genesis que ingresa en su parte final en el hard rock. Una maravillosa rareza en escala 9.
A continuación hicieron dos discos extremadamente correctos: Nursery Crime, 1971 y Foxtrot, 1972, pero la magia había desaparecido por arte de magia. Bonito, ¿no? Para nada. Genesis seguía ahí, las ventas empezaron a carburar pero a mi no me convencen, falta autenticidad. Es como seguir un patrón sin guía real. De cualquier modo, Foxtrot (netamente superior a Nursery Crime) nos deja algunas composiciones destacables.
En 1973 lanzaron Selling England by the pound en el que vuelve la magia. Y también es el cénit del grupo en un sentido técnico. Todo está perfectamente coordinado, las composiciones supuran arte, buen oficio y son muy interesantes.
En "I know what i like (in your wardrobe)" ya se nota el peso compositivo de Phil Collins. Más tarde, como trío, Genesis hizo varias cosas en esta línea.
Y por fin llegamos a la joya de la corona: "Firth of fifth". Si en un supuesto alguien me exigiera dilucidar cuál es mejor tema de esta banda, elegiría este. Lo tiene todo. Es cierto que es muy Collins pero también es muy Gabriel. Comparte lo mejor de ambas personalidades con el añadido de estar construido por un supergrupo en estado de gracia.
"The Cinema Show" está al mismo nivel.
Para el último trabajo de Peter Gabriel con Genesis, The Lamb lies on Broadway (1974) Gabriel escribió prácticamente todas las canciones; se le había ido un poco la sesera creyéndose una especie de mesías. Estaba en su derecho, pero el resto del grupo no se lo perdonó.
Este último disco es considerado por los fans como una obra maestra. Es notorio el énfasis en temas cortos (en contraposición a la trayectoria anterior), alguno de ellos muy logrado, como "Lilywhite Lilith". Inaguro con este tema una categoría excepcional, ya que irá como Extra en selección (algo que no ocurrirá casi nunca. Esta es la primera vez después de casi 500 discografías estudiadas).
A destacar:
> White Mountain - Viions of angels - Stagnation - Dusk (1970).
> Watcher of the skies - Time table - Get´em out by friday - Can-utility and the coastliners (1972).
> Dancing with the moonlit knight (1973).
> The lamb lies down on Broadway - Cuckoo Cocoon - In the cage (1974).
jueves, 18 de octubre de 2018
Abba (My mamma said) - (Watch out) - 1974 / (So Long) - 1975
Origen: Suecia.
Periodo: 1973 - 1981.
Con un buen bagaje anterior, publicaron su debut en 1973.
ABBA son dos parejas de músicos. Su nombre es un acrónimo construido por las iniciales de cada miembro.
Dos parejas que acabaron casándose, pero también divorciándose. Y en el interludio estuvo este proyecto, el de mayores ventas en la década de los setenta. Se dice pronto.
Su segundo y tercer trabajo albergan lo mejor de Abba, ayudados en parte por el famoso efecto sónico "wall of sound" del polémico productor Phil Spector. Una técnica con el que daba la sensación de estar en una sala de conciertos atestada de gente o en un espacio con exceso de "reverb".
A colación, en 2013 el realizador David Mamet hizo una gran producción (jamás estrenada en cines) llamada "Phil Spector", protagonizada nada menos que por Al Pacino. Recomendable.
Wall of sound tuvo más enjundia en otros grupos. Abba, muy pronto, ya en 1976, comenzó a hacer temas con poco estatus, perdiendo el rumbo.
En 1980 lograron una buena nueva: Gimme, gimme, gimme!, último hit antes de su deceso.
Conclusión: Un grupo no para el recuerdo sino en el recuerdo, que desde nuestro punto de vista solo tiene que añadir tres cositas a esta nuestra particular historia musical.
Cositas que, por cierto y como casi siempre, no están incluidas en la mayoría de sus Greatest Hits.
Es la otra cara del envés, compuesta en papel de ultramarinos, ese antiguo envoltorio que no hace ruido al plegarse porque está encerado y nos retrotrae a los buenos tiempos.
Eso es Abba en estas tres selecciones.
A destacar:
> Waterloo (1974).
> I Do, I Do, I Do, I Do, I Do - I’ve Been Waiting For You (1975).
> Tiger (1976).
> Take a chance of me (1977).
> Gimme, gimme, gimme! (1980).
> Slipping Through My Fingers (1981).
Periodo: 1973 - 1981.
Con un buen bagaje anterior, publicaron su debut en 1973.
ABBA son dos parejas de músicos. Su nombre es un acrónimo construido por las iniciales de cada miembro.
Dos parejas que acabaron casándose, pero también divorciándose. Y en el interludio estuvo este proyecto, el de mayores ventas en la década de los setenta. Se dice pronto.
Su segundo y tercer trabajo albergan lo mejor de Abba, ayudados en parte por el famoso efecto sónico "wall of sound" del polémico productor Phil Spector. Una técnica con el que daba la sensación de estar en una sala de conciertos atestada de gente o en un espacio con exceso de "reverb".
A colación, en 2013 el realizador David Mamet hizo una gran producción (jamás estrenada en cines) llamada "Phil Spector", protagonizada nada menos que por Al Pacino. Recomendable.
Wall of sound tuvo más enjundia en otros grupos. Abba, muy pronto, ya en 1976, comenzó a hacer temas con poco estatus, perdiendo el rumbo.
En 1980 lograron una buena nueva: Gimme, gimme, gimme!, último hit antes de su deceso.
Conclusión: Un grupo no para el recuerdo sino en el recuerdo, que desde nuestro punto de vista solo tiene que añadir tres cositas a esta nuestra particular historia musical.
Cositas que, por cierto y como casi siempre, no están incluidas en la mayoría de sus Greatest Hits.
Es la otra cara del envés, compuesta en papel de ultramarinos, ese antiguo envoltorio que no hace ruido al plegarse porque está encerado y nos retrotrae a los buenos tiempos.
Eso es Abba en estas tres selecciones.
A destacar:
> Waterloo (1974).
> I Do, I Do, I Do, I Do, I Do - I’ve Been Waiting For You (1975).
> Tiger (1976).
> Take a chance of me (1977).
> Gimme, gimme, gimme! (1980).
> Slipping Through My Fingers (1981).
viernes, 12 de octubre de 2018
Cómplices (La marea) - 1988 / (El cielo indiferente) - 1993 / (Tren sin frenos) - 1996 / (Serás mi cómplice) - 2015
Origen: Vigo (España).
Periodo: 1987 - hoy.
Teo Cardalda, genio y figura del proyecto, se unió a su pareja María Monsonis y formaron Cómplices.
En realidad esto no fue una buena noticia. Para nada.
Teo venía de finiquitar al unirse a María uno de los mejores grupos que han existido en España: Golpes Bajos (ver post). Que con la edición de su EP Devocionario (1985) auguraban y firmaban algo mágico, pues este disco tiene una cualidad sobrenatural. Temas increíbles como "La virgen loca" o "Ayes" superan cualquier cosa hecha por Cardalda en Cómplices. Y sobrepasa también a su vez cualquiera de las posteriores maravillas de Coppini en solitario.
Curiosidad: Devocionario se dedicó a la memoria de Ferrer i Guardia, un personaje magnífico y rompedor en la escena educativa de principios del s.XX, creador de una nueva escuela paritaria y moderna, a la que aún hoy debemos réditos y sigue estando lejos de sus avanzadas premisas. Mucho dice.
El tándem Germán Coppini - Teo Cardalda fue sobresaliente, estratosférico. Fueron dos genios divididos por una mujer. Las cosas como son.
Nadie puede saber qué hubiera sido de Golpes Bajos si pudiera haber seguido adelante. Pero es muy probable que hubiera crecido como supergrupo, pues ya lo ejercieron en esos dos temas citados.
Cómplices es en realidad, como bien suponéis, Teo Cardalda, pues María Monsonis solo es voz de apoyo en todos los sentidos. Es Teo el compositor de la mayoría de los temas y el que además toca todos los instrumentos.
Después de su gran debut, Manzanas, han ido cayendo poco a poco en el olvido. Esto del olvido de grandes bandas no tiene nada que ver con su buen hacer. Tiene que ver con todo lo que no tiene que ver con la buena música.
En la misma tesitura quedan también en la sombra los últimos trabajos de Gabinete, Loquillo, Ramoncín, Erentxun, La Unión, etc, pues parece que ya tuvieron su momento en nuestro país, dictado por lo de siempre, cuando en realidad están todos ellos haciendo ahora su mejor música. Muy lamentable y de pena. ¿Quién tiene la culpa? Es fácil: No importa la buena música, importa el monedero y los grupos y festines de plástico, que dan audiencia aunque sean una brasa. Importa los Operación Triunfo, los La Voz y demás industrias facilonas del espectáculo.
Los buenos quedan eclipsados por tanta tontuna.
En "Tren sin frenos" (2006) - en selección - se apartan de su línea y parece un homenaje a grandes del pasado, pues en el resuenan Tequila, Mermelada y Ronaldos.
En 2015 hacen una muy buena revisión de su tema estrella "Serás mi cómplice", incluido en su primer trabajo (1988) -en selección-.
A destacar:
> Cuando caiga el sol (1989).
> Feliz (2009).
> Elena - Penélope (2015).
Periodo: 1987 - hoy.
Teo Cardalda, genio y figura del proyecto, se unió a su pareja María Monsonis y formaron Cómplices.
En realidad esto no fue una buena noticia. Para nada.
Teo venía de finiquitar al unirse a María uno de los mejores grupos que han existido en España: Golpes Bajos (ver post). Que con la edición de su EP Devocionario (1985) auguraban y firmaban algo mágico, pues este disco tiene una cualidad sobrenatural. Temas increíbles como "La virgen loca" o "Ayes" superan cualquier cosa hecha por Cardalda en Cómplices. Y sobrepasa también a su vez cualquiera de las posteriores maravillas de Coppini en solitario.
Curiosidad: Devocionario se dedicó a la memoria de Ferrer i Guardia, un personaje magnífico y rompedor en la escena educativa de principios del s.XX, creador de una nueva escuela paritaria y moderna, a la que aún hoy debemos réditos y sigue estando lejos de sus avanzadas premisas. Mucho dice.
El tándem Germán Coppini - Teo Cardalda fue sobresaliente, estratosférico. Fueron dos genios divididos por una mujer. Las cosas como son.
Nadie puede saber qué hubiera sido de Golpes Bajos si pudiera haber seguido adelante. Pero es muy probable que hubiera crecido como supergrupo, pues ya lo ejercieron en esos dos temas citados.
Cómplices es en realidad, como bien suponéis, Teo Cardalda, pues María Monsonis solo es voz de apoyo en todos los sentidos. Es Teo el compositor de la mayoría de los temas y el que además toca todos los instrumentos.
Después de su gran debut, Manzanas, han ido cayendo poco a poco en el olvido. Esto del olvido de grandes bandas no tiene nada que ver con su buen hacer. Tiene que ver con todo lo que no tiene que ver con la buena música.
En la misma tesitura quedan también en la sombra los últimos trabajos de Gabinete, Loquillo, Ramoncín, Erentxun, La Unión, etc, pues parece que ya tuvieron su momento en nuestro país, dictado por lo de siempre, cuando en realidad están todos ellos haciendo ahora su mejor música. Muy lamentable y de pena. ¿Quién tiene la culpa? Es fácil: No importa la buena música, importa el monedero y los grupos y festines de plástico, que dan audiencia aunque sean una brasa. Importa los Operación Triunfo, los La Voz y demás industrias facilonas del espectáculo.
Los buenos quedan eclipsados por tanta tontuna.
En "Tren sin frenos" (2006) - en selección - se apartan de su línea y parece un homenaje a grandes del pasado, pues en el resuenan Tequila, Mermelada y Ronaldos.
En 2015 hacen una muy buena revisión de su tema estrella "Serás mi cómplice", incluido en su primer trabajo (1988) -en selección-.
A destacar:
> Cuando caiga el sol (1989).
> Feliz (2009).
> Elena - Penélope (2015).
domingo, 7 de octubre de 2018
Dio (Holy diver) - 1983 / (The last in line) - 1984 / (Hungry for heaven) - 1985 / (Master of the moon) -2004
Origen: New York.
Periodo: 1982 - 2010.
Hablamos del elfo Ronnie James Dio.
Desde sus inicios fue siempre genial, sus discos en ELF en los 70 lo demuestran.
No en vano, Ritchie Blackmore, guitarra y lider de Deep Purple lo reclutó para su proyecto Rainbow. Proyecto en que presta su arte vocal en los tres primeros discos de la banda.
¿Por qué no continuó Dio en Rainbow?
Ah, queridos, no fue Sabbath el que le atrajo como piensan muchos, aún no. Entonces Dio estaba pletórico en Rainbow pero Blackmore, un ya conocido perfeccionista, quería que el grupo tomara un estilo diferente en linea a lo que hacía por entonces Journey o Foreigner. Pero Dio no estaba por seguir esa labor y se despidió.
Blackmore es un guitarrista estupendo pero nunca tuvo la osadía de sobrevolar los tiempos, esa es la cruda verdad. En eso era muy conservador. Por ello se quedó sin Dio y sin tantos otros artistas que estuvieron a su vera. Los cambiaba como cromos porque como líder pocas veces tuvo visión de futuro, enrolado hasta la saciedad en su batalla sin fin contra las nuevas hegemonías.
En realidad, Blackmore en sus comienzos (muy al principio) iba por delante de sus competidores, pero más tarde siempre fue por detrás.
Luego tenemos a otro elemento en liza, Ozzy Osbourne. No dejó Sabbath como también casi todo el mundo cree, no, fue despedido por Iommi. Se pasaba con las drogas, cosa que también hacían los demás pero no al nivel tan estratosférico de Ozzy.
Entró en depresión, pero tuvo la inmensa suerte de tener un caballo blanco, Sharon Arden, hija del propietario de Jet Records, que le convenció para iniciar su carrera en solitario y a la postre se convirtió en su mujer.
Ronnie James formó a su vez parte contratante de Black Sabbath. Construyó con ellos un álbum para la Historia, "Heaven & Hell" (1980), del que ya hemos hablado en repetidas ocasiones por ser un monumento al heavy rock. (ver post Heaven and Hell).
En 1983 Dio decide seguir en solitario.
Comenzó muy fuerte con su álbum debut, Holy Diver y con el siguiente, The last in line. A la guitarra un joven Vivian Campbell, que más tarde se convirtió en pieza fundamental de Def Leppard.
Nos regaló diez discos de estudio, el último en 2004.
A destacar:
> Stand up and shout - Don't talk to strangers - Gypsy (1983).
> Evil eyes - Egypt (the chains are on) - Mystery (1984).
Periodo: 1982 - 2010.
Hablamos del elfo Ronnie James Dio.
Desde sus inicios fue siempre genial, sus discos en ELF en los 70 lo demuestran.
No en vano, Ritchie Blackmore, guitarra y lider de Deep Purple lo reclutó para su proyecto Rainbow. Proyecto en que presta su arte vocal en los tres primeros discos de la banda.
¿Por qué no continuó Dio en Rainbow?
Ah, queridos, no fue Sabbath el que le atrajo como piensan muchos, aún no. Entonces Dio estaba pletórico en Rainbow pero Blackmore, un ya conocido perfeccionista, quería que el grupo tomara un estilo diferente en linea a lo que hacía por entonces Journey o Foreigner. Pero Dio no estaba por seguir esa labor y se despidió.
Blackmore es un guitarrista estupendo pero nunca tuvo la osadía de sobrevolar los tiempos, esa es la cruda verdad. En eso era muy conservador. Por ello se quedó sin Dio y sin tantos otros artistas que estuvieron a su vera. Los cambiaba como cromos porque como líder pocas veces tuvo visión de futuro, enrolado hasta la saciedad en su batalla sin fin contra las nuevas hegemonías.
En realidad, Blackmore en sus comienzos (muy al principio) iba por delante de sus competidores, pero más tarde siempre fue por detrás.
Luego tenemos a otro elemento en liza, Ozzy Osbourne. No dejó Sabbath como también casi todo el mundo cree, no, fue despedido por Iommi. Se pasaba con las drogas, cosa que también hacían los demás pero no al nivel tan estratosférico de Ozzy.
Entró en depresión, pero tuvo la inmensa suerte de tener un caballo blanco, Sharon Arden, hija del propietario de Jet Records, que le convenció para iniciar su carrera en solitario y a la postre se convirtió en su mujer.
Ronnie James formó a su vez parte contratante de Black Sabbath. Construyó con ellos un álbum para la Historia, "Heaven & Hell" (1980), del que ya hemos hablado en repetidas ocasiones por ser un monumento al heavy rock. (ver post Heaven and Hell).
En 1983 Dio decide seguir en solitario.
Comenzó muy fuerte con su álbum debut, Holy Diver y con el siguiente, The last in line. A la guitarra un joven Vivian Campbell, que más tarde se convirtió en pieza fundamental de Def Leppard.
Nos regaló diez discos de estudio, el último en 2004.
A destacar:
> Stand up and shout - Don't talk to strangers - Gypsy (1983).
> Evil eyes - Egypt (the chains are on) - Mystery (1984).
domingo, 30 de septiembre de 2018
Grace Jones (That´s the trouble) - 1977 / (Walking in the rain) - (I've seen that face before) -1981 / (Driving satisfaction) - 1989
Origen: Jamaica.
Periodo: 1977 - 2008.
Comenzó como modelo, se reconvirtió en cantante y su imagen andrógina atrajo a Warhol y otra retahíla de personajes, como el creativo y fotógrafo Jean-Paul Goude (con el que tuvo su único hijo).
Para fines de los ´70 ya era un icono gay. Habitual de la famosa discoteca Studio 54 (New York), acompañada del brazo por Warhol y variopintas "mariliendres".
Sin tener gran voz, su descaro y originalidad la llevó al estrellato durante algunos pocos años. Llegó a ser chica Bond, portada de Playboy y a protagonizar sonados episodios que hicieron las delicias de la prensa amarilla.
En sus principios llegó a destronar en las listas a la reina del disco, Donna Summer. Sus dos mejores canciones en esta onda son "That´s the trouble" (1977), en selección y "Pride" (1978). Pero fue bien asesorada y abandonó el estilo muy poco antes de que este entrara en un picado (1979-1980).
La carrera de Jones toca techo con Nightclubbing (1981). Su tema homónimo es una versión de Iggy Pop muy lograda, al igual que Libertango, de Astor Piazzolla.
Incluso "I've seen that face before" fue retomada para la BSO "Frantic" de Polanski.
Es este un disco muy interesante. "Walking in the rain", junto al tema anterior son dos buenas muestras del estilo único que define por derecho a Grace Jones. Una suerte de reagge pop sofisticado, o new wave de sello intransferible.
Para 1985 se había convertido en toda una diva. Se publicó entonces Slave to the rhythm, producido por Trevor Horn, un pesadito de la época. La edición del disco es muy pretenciosa, incluyendo para cada tema una pequeña entrevista a nuestra heroína y presentado cada track por un maestro-ceremonias, como si todo fuera un acontecimiento. Pero nada más lejos, en contra de la crítica oficial, este disco es muy muy flojo.
En 1989 lanzó su penúltimo trabajo, del que hemos seleccionado el tema inicial, "Driving satisfaction", sorprendente canción y bastante desconocida. Resuenan en el influencias del Bowie 80 pero sobre todo de Frankie goes to Hollywood.
En 2008 editó Hurricane, el que es hasta hoy su última infusión. Con 70 años cumplidos y habiendo transcurrido diez años podemos quizá inferir que no haya nada más.
En este Hurrricane recupera además algunos temas de un álbum que jamás llegó a ver la luz, denominado Black Marilyn.
A destacar:
> I need a man (1977).
> Am I ever gonna fall in love in New York city - Pride (1978).
> Private life - Love is the drug (1980).
> Pull up to the bumper (1981).
> White collar crime (1986).
> Williams blood (2008).
Periodo: 1977 - 2008.
Comenzó como modelo, se reconvirtió en cantante y su imagen andrógina atrajo a Warhol y otra retahíla de personajes, como el creativo y fotógrafo Jean-Paul Goude (con el que tuvo su único hijo).
Para fines de los ´70 ya era un icono gay. Habitual de la famosa discoteca Studio 54 (New York), acompañada del brazo por Warhol y variopintas "mariliendres".
Sin tener gran voz, su descaro y originalidad la llevó al estrellato durante algunos pocos años. Llegó a ser chica Bond, portada de Playboy y a protagonizar sonados episodios que hicieron las delicias de la prensa amarilla.
En sus principios llegó a destronar en las listas a la reina del disco, Donna Summer. Sus dos mejores canciones en esta onda son "That´s the trouble" (1977), en selección y "Pride" (1978). Pero fue bien asesorada y abandonó el estilo muy poco antes de que este entrara en un picado (1979-1980).
La carrera de Jones toca techo con Nightclubbing (1981). Su tema homónimo es una versión de Iggy Pop muy lograda, al igual que Libertango, de Astor Piazzolla.
Incluso "I've seen that face before" fue retomada para la BSO "Frantic" de Polanski.
Es este un disco muy interesante. "Walking in the rain", junto al tema anterior son dos buenas muestras del estilo único que define por derecho a Grace Jones. Una suerte de reagge pop sofisticado, o new wave de sello intransferible.
Para 1985 se había convertido en toda una diva. Se publicó entonces Slave to the rhythm, producido por Trevor Horn, un pesadito de la época. La edición del disco es muy pretenciosa, incluyendo para cada tema una pequeña entrevista a nuestra heroína y presentado cada track por un maestro-ceremonias, como si todo fuera un acontecimiento. Pero nada más lejos, en contra de la crítica oficial, este disco es muy muy flojo.
En 1989 lanzó su penúltimo trabajo, del que hemos seleccionado el tema inicial, "Driving satisfaction", sorprendente canción y bastante desconocida. Resuenan en el influencias del Bowie 80 pero sobre todo de Frankie goes to Hollywood.
En 2008 editó Hurricane, el que es hasta hoy su última infusión. Con 70 años cumplidos y habiendo transcurrido diez años podemos quizá inferir que no haya nada más.
En este Hurrricane recupera además algunos temas de un álbum que jamás llegó a ver la luz, denominado Black Marilyn.
A destacar:
> I need a man (1977).
> Am I ever gonna fall in love in New York city - Pride (1978).
> Private life - Love is the drug (1980).
> Pull up to the bumper (1981).
> White collar crime (1986).
> Williams blood (2008).
jueves, 20 de septiembre de 2018
Ace Frehley (Speedin´ back to my baby) - (New York groove) - 1978 / (Into the void) - 1997 / (Past the milky way) - 2014
Origen: New York.
Periodo: 1978 - hoy.
Guitarra de la mítica banda americana Kiss en su época gloriosa de los ´70.
De nombre real Paul Daniel Frehley, siempre fue un personaje muy querido por los amantes de la legendaria formación. Quizá el más mediático en su momento (1974 - 1981).
En los últimos tiempos con la banda estuvo muy desenfrenado, protagonizando persecuciones policiales a bordo de su Delorean. Historietas alucinantes dignas de cómic Crumb.
Para 1980, en sus postrimerías con Kiss, se hizo construir en su mansión un estudio de grabación digno de la NASA. Allí se recluía con un arsenal de ginebra y grabó multitud de pistas para el proyecto The Elder (1981), la mayoría de las cuales fueron desechadas por Simmons y Stanley. Esto le provocó un cabreo cenital, que unido a eso de dormir en cunetas (estrellaba su coche como si fuera gratis) propició que él mismo se despidiera de Kiss. Ojo. No fue despedido, lo hizo el solito.
En realidad quería dedicar más tiempo a su pequeña hija Monique, aunque la ginebra siempre estuvo ahí, no iba a abandonarla así de repente porque a Simmons le hubiera dado la pataleta, por supuesto que no. Además el grupo no le permitía degustar el agua de fuego con toda la dedicación que el deseaba.
Pero dejemos estos asuntillos y hablemos de su carrera en solitario, carrera que en realidad comienza en 1978, cuando todos los miembros de Kiss editan a la vez el mismo día su disco personal (única banda que ha tenido esta ocurrencia). El plástico de Ace fue muy aclamado y el más popular de los cuatro, con certificado platino -más de un millón de copias vendidas-. No en vano Frehley se volcó a conciencia, tocando todos los instrumentos menos la batería, que estuvo a cargo de Anton Fig.
Seleccionamos de este disco dos tracks muy buenos.
En 1987 por fin lanza su proyecto Frehley´s Comet, con secuela al año siguiente. Pero ambos pasaron sin pena ni gloria.
Para 1989 ya había abandonado dicho proyecto y construye un LP totalmente Frehley llamado Trouble Walkin´, preludio del AOR. Lo mejor en muchos años de Ace, pero editado por Megaforce Worldwide, una pequeña división de Atlantic que lo privó de la difusión que merecía.
Es este un disco muy divertido, que explora a gusto esa vena cool desenfadada que tiene nuestro héroe. Pues precisamente lo que hace de Frehley un personaje tan querido es el humor que destila cada una de sus composiciones, y su manera de cantar, siempre con un toque vacilón relleno de sarcasmo, casi siempre humorístico, un estilo único y muy personal, que tiene sus mejores imitadores -a nivel solo guitarra- en la saga Kulick (ver post) pero también en su reemplazo (Tommy Thayer), que le ha robado su indumentaria y maquillaje de spaceman, sin ser capaz, eso sí, de imitar el fino humor de Ace Frehley. Solo hay que ver el clip de la promo de su "Anomaly" para darse cuenta. Ese sonido de marsupial en celo que emite montado en una chopper lo dice todo (pondremos este vídeo al final de las selecciones).
Por cierto, hubieron de transcurrir nada menos que veinte años para que viera la luz su siguiente disco: Ese Anomaly (2009) al que acabamos de hacer referencia y que es seguramente su mejor trabajo en solitario. Pero de nuevo editado por una pequeña compañía (Bronx Born Records) que no hizo demasiado por llevar esta gran obra a todos los lugares que sin duda merece.
¿Pero a qué se dedicó Ace en todo ese tiempo? Bueno, suponemos que a su hija, a cold gins y a toda la vida contemplativa que podía ofrecerle el colchón millonario que acumuló con Kiss.
Pero, sorpresa, en 1997 fue reclutado de nuevo por Simmons y Stanley, junto a su compi de correrías nocturnas, Peter Criss, para una espectacular reunión del Kiss original. Todo aquello acabó con la edición de Psycho Circus (1998) y una gira mundial multimillonaria. En este disco se salva un único tema, "Into the void", que fue curiosamente el único compuesto, tocado y cantado por Frehley. Lo vamos a incluir en selección por su relevancia y porque es 100% Frehley.
Después, Ace decidió dejar Kiss y seguir con lo suyo.
Curiosidad: Cuatro de sus seis discos de estudio acaban con un tema instrumental que ha ido evolucionando a través del tiempo:
- Fractured mirror (1978).
- Fractured too (1987).
- Fractured III (1989).
- Fractured quantum (2009).
En 2014 pone en el mercado un nuevo trabajo llamado "Space invader". El arte del disco es muy retro, con una nave espacial de las dibujadas en la época dorada de la sci-fi (ver Astounding Stories), apareciendo el mismo con uno de los primigenios trajes spaceman que lució en Kiss. En su interior se encuentra una joya llamada Past the milky way.
A destacar:
> I´m in need of love - Rip it out - Wiped out (1978).
> Love me right (1987).
> 2 young 2 die - Five card stud - Lost in Limbo - Fractured III (1989).
> Fox on the run - Outer space - Too many faces (2009).
Periodo: 1978 - hoy.
Guitarra de la mítica banda americana Kiss en su época gloriosa de los ´70.
De nombre real Paul Daniel Frehley, siempre fue un personaje muy querido por los amantes de la legendaria formación. Quizá el más mediático en su momento (1974 - 1981).
En los últimos tiempos con la banda estuvo muy desenfrenado, protagonizando persecuciones policiales a bordo de su Delorean. Historietas alucinantes dignas de cómic Crumb.
Para 1980, en sus postrimerías con Kiss, se hizo construir en su mansión un estudio de grabación digno de la NASA. Allí se recluía con un arsenal de ginebra y grabó multitud de pistas para el proyecto The Elder (1981), la mayoría de las cuales fueron desechadas por Simmons y Stanley. Esto le provocó un cabreo cenital, que unido a eso de dormir en cunetas (estrellaba su coche como si fuera gratis) propició que él mismo se despidiera de Kiss. Ojo. No fue despedido, lo hizo el solito.
En realidad quería dedicar más tiempo a su pequeña hija Monique, aunque la ginebra siempre estuvo ahí, no iba a abandonarla así de repente porque a Simmons le hubiera dado la pataleta, por supuesto que no. Además el grupo no le permitía degustar el agua de fuego con toda la dedicación que el deseaba.
Pero dejemos estos asuntillos y hablemos de su carrera en solitario, carrera que en realidad comienza en 1978, cuando todos los miembros de Kiss editan a la vez el mismo día su disco personal (única banda que ha tenido esta ocurrencia). El plástico de Ace fue muy aclamado y el más popular de los cuatro, con certificado platino -más de un millón de copias vendidas-. No en vano Frehley se volcó a conciencia, tocando todos los instrumentos menos la batería, que estuvo a cargo de Anton Fig.
Seleccionamos de este disco dos tracks muy buenos.
En 1987 por fin lanza su proyecto Frehley´s Comet, con secuela al año siguiente. Pero ambos pasaron sin pena ni gloria.
Para 1989 ya había abandonado dicho proyecto y construye un LP totalmente Frehley llamado Trouble Walkin´, preludio del AOR. Lo mejor en muchos años de Ace, pero editado por Megaforce Worldwide, una pequeña división de Atlantic que lo privó de la difusión que merecía.
Es este un disco muy divertido, que explora a gusto esa vena cool desenfadada que tiene nuestro héroe. Pues precisamente lo que hace de Frehley un personaje tan querido es el humor que destila cada una de sus composiciones, y su manera de cantar, siempre con un toque vacilón relleno de sarcasmo, casi siempre humorístico, un estilo único y muy personal, que tiene sus mejores imitadores -a nivel solo guitarra- en la saga Kulick (ver post) pero también en su reemplazo (Tommy Thayer), que le ha robado su indumentaria y maquillaje de spaceman, sin ser capaz, eso sí, de imitar el fino humor de Ace Frehley. Solo hay que ver el clip de la promo de su "Anomaly" para darse cuenta. Ese sonido de marsupial en celo que emite montado en una chopper lo dice todo (pondremos este vídeo al final de las selecciones).
Por cierto, hubieron de transcurrir nada menos que veinte años para que viera la luz su siguiente disco: Ese Anomaly (2009) al que acabamos de hacer referencia y que es seguramente su mejor trabajo en solitario. Pero de nuevo editado por una pequeña compañía (Bronx Born Records) que no hizo demasiado por llevar esta gran obra a todos los lugares que sin duda merece.
¿Pero a qué se dedicó Ace en todo ese tiempo? Bueno, suponemos que a su hija, a cold gins y a toda la vida contemplativa que podía ofrecerle el colchón millonario que acumuló con Kiss.
Pero, sorpresa, en 1997 fue reclutado de nuevo por Simmons y Stanley, junto a su compi de correrías nocturnas, Peter Criss, para una espectacular reunión del Kiss original. Todo aquello acabó con la edición de Psycho Circus (1998) y una gira mundial multimillonaria. En este disco se salva un único tema, "Into the void", que fue curiosamente el único compuesto, tocado y cantado por Frehley. Lo vamos a incluir en selección por su relevancia y porque es 100% Frehley.
Después, Ace decidió dejar Kiss y seguir con lo suyo.
Curiosidad: Cuatro de sus seis discos de estudio acaban con un tema instrumental que ha ido evolucionando a través del tiempo:
- Fractured mirror (1978).
- Fractured too (1987).
- Fractured III (1989).
- Fractured quantum (2009).
En 2014 pone en el mercado un nuevo trabajo llamado "Space invader". El arte del disco es muy retro, con una nave espacial de las dibujadas en la época dorada de la sci-fi (ver Astounding Stories), apareciendo el mismo con uno de los primigenios trajes spaceman que lució en Kiss. En su interior se encuentra una joya llamada Past the milky way.
A destacar:
> I´m in need of love - Rip it out - Wiped out (1978).
> Love me right (1987).
> 2 young 2 die - Five card stud - Lost in Limbo - Fractured III (1989).
> Fox on the run - Outer space - Too many faces (2009).
lunes, 10 de septiembre de 2018
Sade (Punch drunk - War of the hearts) - 1985 / (Siempre hay esperanza) - 1988
Origen: Londres.
Periodo: 1983 - hoy.
Mucha Sade radiada tuvo que tragarse el personal entre finales de los 80 y principios de los 90.
Al parecer, el culmen del buen gusto que a todo el mundo encandilaba.
Vendió millones de discos con su voz susurrante y se tiró poco después a la tumbona. De hecho, su producción solo consta de cuatro trabajos entre 1984 y 1992. Hizo bien en dejarnos en paz. Y seguro que si yo hubiera estado en su piel hubiera hecho lo mismo. Pues estas decisiones son loables, uno debe andar con mesura cuando ha ganado mucho vendiendo "tulipanes" (al igual que aquella Tulip Fever acaecida en los Paises Bajos del s. XVII).
Ocho años después hizo otro disco, y diez años más tarde, en 2010, el último. Ambos para olvidar.
Bueno, en realidad es casi todo para olvidar, porque Sade no es más que una señorita que cantaba en susurros con voz cascada. Eso sí, su presentación era muy efectiva: una bella mulata que vestía como una princesa y se hacía acompañar de buena instrumentación.
La supuesta diva tituló su cuarto álbum "Love Deluxe".
¿Qué narices puede significar?
A lo mejor quiere decir que el amor es un lujo.
Pero eso es imposible de facto. Hay millones de tortolitos por ahí en su mundo de enamorados (ver post de Céline Dion).
Pienso que ese "Love Deluxe" significa otra cosa. ¿Música idónea para prostíbulos de lujo? Podría ser. Aunque yo más bien creo que Sade intenta decir que su música es algo superior, música para élites.
Los elitistas suelen ser fanfarrones, como Sade. Y un fanfarrón es alguien que dice mucho cuando en realidad no dice nada. Todo ese pretendido lujo se queda en agua de borrajas cuando se analiza su cantar: falto de chispa, plano y aburrido (perfecto para una siesta).
Algunos señalados tracks de Sade estaban bien construidos, pero el logro no es vocal.
Traemos aquí dos temas instrumentales muy buenos y únicamente uno en el que canta Sade, quizá su mejor presencia, y además no hace falta más pues con este War of the Hearts queda dicho ya todo en cuanto a su estilo como vocalista.
A la mayoría se la coló bien colada. Es otro ejemplo de cómo las endiabladas malas artes de una discográfica pueden hacer milagros, llevando en volandas un producto "de envoltorio".
Periodo: 1983 - hoy.
Mucha Sade radiada tuvo que tragarse el personal entre finales de los 80 y principios de los 90.
Al parecer, el culmen del buen gusto que a todo el mundo encandilaba.
Vendió millones de discos con su voz susurrante y se tiró poco después a la tumbona. De hecho, su producción solo consta de cuatro trabajos entre 1984 y 1992. Hizo bien en dejarnos en paz. Y seguro que si yo hubiera estado en su piel hubiera hecho lo mismo. Pues estas decisiones son loables, uno debe andar con mesura cuando ha ganado mucho vendiendo "tulipanes" (al igual que aquella Tulip Fever acaecida en los Paises Bajos del s. XVII).
Ocho años después hizo otro disco, y diez años más tarde, en 2010, el último. Ambos para olvidar.
Bueno, en realidad es casi todo para olvidar, porque Sade no es más que una señorita que cantaba en susurros con voz cascada. Eso sí, su presentación era muy efectiva: una bella mulata que vestía como una princesa y se hacía acompañar de buena instrumentación.
La supuesta diva tituló su cuarto álbum "Love Deluxe".
¿Qué narices puede significar?
A lo mejor quiere decir que el amor es un lujo.
Pero eso es imposible de facto. Hay millones de tortolitos por ahí en su mundo de enamorados (ver post de Céline Dion).
Pienso que ese "Love Deluxe" significa otra cosa. ¿Música idónea para prostíbulos de lujo? Podría ser. Aunque yo más bien creo que Sade intenta decir que su música es algo superior, música para élites.
Los elitistas suelen ser fanfarrones, como Sade. Y un fanfarrón es alguien que dice mucho cuando en realidad no dice nada. Todo ese pretendido lujo se queda en agua de borrajas cuando se analiza su cantar: falto de chispa, plano y aburrido (perfecto para una siesta).
Algunos señalados tracks de Sade estaban bien construidos, pero el logro no es vocal.
Traemos aquí dos temas instrumentales muy buenos y únicamente uno en el que canta Sade, quizá su mejor presencia, y además no hace falta más pues con este War of the Hearts queda dicho ya todo en cuanto a su estilo como vocalista.
A la mayoría se la coló bien colada. Es otro ejemplo de cómo las endiabladas malas artes de una discográfica pueden hacer milagros, llevando en volandas un producto "de envoltorio".
sábado, 8 de septiembre de 2018
Les Luthiers (Teorema de Thales) - (Gloria Hosanna, that's the question) - 1971 / (Si no fuera santiagueño) - 1972 / (Homenaje a Huesito Williams) - 1983
Origen: Buenos Aires (Argentina).
Periodo: 1967 - hoy.
En Argentina era común entre miembros universitarios organizar coros.
Un selecto grupo de estos estudiantes montaron un espectáculo de humor con una particularidad: sus instrumentos eran inventados, creados a partir de elementos comunes o de desecho.
Luthier es el nombre francés que se aplica al artesano que es capaz de arreglar y también crear instrumentos, sobre todo de cuerda. De ahí su nombre.
El auténtico luthier fue originalmente Gerardo Masana, miembro del coro de la facultad de ingeniería, junto a Carlos Iraldi.
Mencionaremos alguna de estas curiosas creaciones:
- Dactilófono (máquina de escribir que emula al xilófono).
- Tubófono silicónico cromático, parecido a una zampoña pero con tubos de ensayo rellenos de silicona a diferentes alturas.
- Mandocleta: Bicicleta que hace sonar una especie de mandolina.
- Contrachitarrone da gamba: híbrido entre violonchelo y guitarra.
- Latín: La caja de resonancia es una lata de jamón en conserva.
- Cello legüero: Con cuatro cuerdas para ser tocadas con arco, y también con baqueta estilo bombo.
- Glamocot: Parecido a un cromorno medieval.
Existe en Les Luthiers una gran cantidad de este tipo de "cosas que emiten sonidos", algunas de ellas delirantes, como lo es a su vez este fantástico grupo musicovocal.
En sus obras hacen referencia a un compositor ficticio llamado Mastropiero, cuyas piezas son siempre sátiras de Bach y otros clásicos.
Su mejor producción la encontramos en sus primeros trabajos. A partir de 1973 lanzan sus discos en directo, como bromas teatrales, pero son musicalmente inferiores exceptuando algunos destellos dispersos.
Hay que decir, no obstante, que como espectáculo es de lo mejor que puede o podía verse, chanzas para un público culto, rellenas de guiños y cositas de doble sentido, un humor de altos vuelos no apto para catetos y hoy indescifrable para la generación del whatsapp y el "Insta".
Disponemos de tesis doctorales sobre Les Luthiers, sobre lo que aportaron con su creatividad a tres niveles: el musical, el humorístico y el ingeniero. Fusión triple única en la historia.
Lo que sigue es su más grande destilado.
Periodo: 1967 - hoy.
En Argentina era común entre miembros universitarios organizar coros.
Un selecto grupo de estos estudiantes montaron un espectáculo de humor con una particularidad: sus instrumentos eran inventados, creados a partir de elementos comunes o de desecho.
Luthier es el nombre francés que se aplica al artesano que es capaz de arreglar y también crear instrumentos, sobre todo de cuerda. De ahí su nombre.
El auténtico luthier fue originalmente Gerardo Masana, miembro del coro de la facultad de ingeniería, junto a Carlos Iraldi.
Mencionaremos alguna de estas curiosas creaciones:
- Dactilófono (máquina de escribir que emula al xilófono).
- Tubófono silicónico cromático, parecido a una zampoña pero con tubos de ensayo rellenos de silicona a diferentes alturas.
- Mandocleta: Bicicleta que hace sonar una especie de mandolina.
- Contrachitarrone da gamba: híbrido entre violonchelo y guitarra.
- Latín: La caja de resonancia es una lata de jamón en conserva.
- Cello legüero: Con cuatro cuerdas para ser tocadas con arco, y también con baqueta estilo bombo.
- Glamocot: Parecido a un cromorno medieval.
Existe en Les Luthiers una gran cantidad de este tipo de "cosas que emiten sonidos", algunas de ellas delirantes, como lo es a su vez este fantástico grupo musicovocal.
En sus obras hacen referencia a un compositor ficticio llamado Mastropiero, cuyas piezas son siempre sátiras de Bach y otros clásicos.
Su mejor producción la encontramos en sus primeros trabajos. A partir de 1973 lanzan sus discos en directo, como bromas teatrales, pero son musicalmente inferiores exceptuando algunos destellos dispersos.
Hay que decir, no obstante, que como espectáculo es de lo mejor que puede o podía verse, chanzas para un público culto, rellenas de guiños y cositas de doble sentido, un humor de altos vuelos no apto para catetos y hoy indescifrable para la generación del whatsapp y el "Insta".
Disponemos de tesis doctorales sobre Les Luthiers, sobre lo que aportaron con su creatividad a tres niveles: el musical, el humorístico y el ingeniero. Fusión triple única en la historia.
Lo que sigue es su más grande destilado.
viernes, 31 de agosto de 2018
Bruce Kulick (Strange to me) - 2001 / (It´s just my life) - (Jump the shark) - (Against the grain) - 2003
Origen: Nueva York.
Periodo: 1974 - hoy.
Cantante, compositor y guitarrista, fue el espíritu de Kiss entre 1985 y 1997. No es cualquiera cosa.
De estilo similar al de su hermano mayor, Bob, del que hay que señalar su destacable papel en el "Alive II" de Kiss, en sus fantásticos temas de estudio (última cara del segundo vinilo), que no fueron tocados por Ace Frehley aunque lo digan los créditos, exceptuando Rocket ride. En esos tiempos Ace pasaba por una época alcohólica, estrellando su Delorean y durmiendo en las cunetas. De ahí que de incógnito le cubriera el bueno de Bob Kulick.
Bob nunca editó ningún trabajo en solitario, pero sí su hermano Bruce, que tiene tres discos, de los que vamos a dar buena cuenta pues lo merecen.
Antes de entrar en harina, contaremos algunas cositas de su maravilloso currículum:
Bruce trabajó, al igual que su hermano, con Meat Loaf en su primer gran proyecto, "Bat out of hell". Y fue lead guitar en los siguientes discos:
> Let it roll de Don Johnson (1989).
> Rockology de Eric Carr - segundo baterista histórico de Kiss (2000).
> Asshole de Gene Simmons - lider, cantante y bajista de Kiss (2004).
> Live to win de Paul Stanley - cantante y guitarra rítmica de Kiss (2006).
Lo cierto es que Bruce Kulick consigue en sus evoluciones algo mágico y por momentos superior a aquellas colaboraciones con Kiss. Lo demuestra una y otra vez en su breve pero intensa discografía.
Es también muy interesante comprobar las correspondencias curiosas con el estilo de Ace Frehley, del que es discípulo honorario directo y quizá de manera subrepticia.
Hablemos de las cuatro selecciones:
- En Strange to me el estilo vocal es de Frehley, con antecedentes antiguos, pero muy claros en por ejemplo Stranger in a strange land (Frehley´s Comet, 1987) o incluso en el último y gran tema que construyó para Kiss (Into the void, 1998).
- La melodía de It´s just my life recuerda sospechosamente al Not for the innocent (Kiss, 1983).
- Jump the shark es un instrumental que podría ser perfectamente la segunda parte de Escape from the island, último tema -también instrumental- tocado por Ace Frehley para Kiss en su etapa clásica (The Elder, 1981).
- Against the grain tiene reminiscencias a Fractured too (de nuevo Frehley´s Comet, 1987).
A destacar:
> Monster island - Dogs of Morrison (2001).
> And I know (2010).
Periodo: 1974 - hoy.
Cantante, compositor y guitarrista, fue el espíritu de Kiss entre 1985 y 1997. No es cualquiera cosa.
De estilo similar al de su hermano mayor, Bob, del que hay que señalar su destacable papel en el "Alive II" de Kiss, en sus fantásticos temas de estudio (última cara del segundo vinilo), que no fueron tocados por Ace Frehley aunque lo digan los créditos, exceptuando Rocket ride. En esos tiempos Ace pasaba por una época alcohólica, estrellando su Delorean y durmiendo en las cunetas. De ahí que de incógnito le cubriera el bueno de Bob Kulick.
Bob nunca editó ningún trabajo en solitario, pero sí su hermano Bruce, que tiene tres discos, de los que vamos a dar buena cuenta pues lo merecen.
Antes de entrar en harina, contaremos algunas cositas de su maravilloso currículum:
Bruce trabajó, al igual que su hermano, con Meat Loaf en su primer gran proyecto, "Bat out of hell". Y fue lead guitar en los siguientes discos:
> Let it roll de Don Johnson (1989).
> Rockology de Eric Carr - segundo baterista histórico de Kiss (2000).
> Asshole de Gene Simmons - lider, cantante y bajista de Kiss (2004).
> Live to win de Paul Stanley - cantante y guitarra rítmica de Kiss (2006).
Lo cierto es que Bruce Kulick consigue en sus evoluciones algo mágico y por momentos superior a aquellas colaboraciones con Kiss. Lo demuestra una y otra vez en su breve pero intensa discografía.
Es también muy interesante comprobar las correspondencias curiosas con el estilo de Ace Frehley, del que es discípulo honorario directo y quizá de manera subrepticia.
Hablemos de las cuatro selecciones:
- En Strange to me el estilo vocal es de Frehley, con antecedentes antiguos, pero muy claros en por ejemplo Stranger in a strange land (Frehley´s Comet, 1987) o incluso en el último y gran tema que construyó para Kiss (Into the void, 1998).
- La melodía de It´s just my life recuerda sospechosamente al Not for the innocent (Kiss, 1983).
- Jump the shark es un instrumental que podría ser perfectamente la segunda parte de Escape from the island, último tema -también instrumental- tocado por Ace Frehley para Kiss en su etapa clásica (The Elder, 1981).
- Against the grain tiene reminiscencias a Fractured too (de nuevo Frehley´s Comet, 1987).
A destacar:
> Monster island - Dogs of Morrison (2001).
> And I know (2010).
domingo, 26 de agosto de 2018
Sex Pistols (God save the Queen) - (No fun) - 1977 / (My way) - 1978
Origen: Londres.
Periodo: 1975 - 1978.
Susto mediático del establishment británico de fines de los ´70. No en vano su buque insignia (God save the Queen) fue prohibido en todas las emisoras UK.
Tuvieron una sorprendente resonancia si tenemos en cuenta su producción: algunos sencillos y un único LP, "Never mind the Bollocks".
Sid Vicious (John Simon Ritchie) murió poco después de la disolución de Sex Pistols. Pero le dio tiempo a hacer alguna cosita en solitario. La versión de My way de Sinatra es muy recordada y la incluiremos aquí.
Idea loca:
Michael Landon hizo un capítulo ficticio para su serie Autopista hacia el Cielo en que se transportaba como angel a 1978 y le daba a nuestro héroe tres o quince consejos para que la cosa no acabara como el rosario de la aurora. Lástima que no se le ocurriera ese guión, hubiera estado bien.
El famoso ladrillo de Robert Dimery, "1001 Discos que hay que escuchar antes de morir" tiene nada menos que a Sid Vicious en su portada. Por algo será.
Tras su muerte se transfiguró, y su imagen ha sido estampada en millones de camisetas. Aunque fuera un mal bajista y un ser que llevó su inmadurez a límites prohibidos por la naturaleza, se merece que conozcamos sucintamente su historia.
Haremos siete paradas rápidas:
1. Sid era un fan declarado de David Bowie. Dato muy curioso que avisa que en sus comienzos aún le funcionaba el sonajero.
2. Johnnie Rotten -el cantante- (de nombre real John Lydon) fue amigo de Ritchie desde jovencito, compartían piso y el nombre de Sid Vicious se lo puso Rotten cuando su hamster (Sid) mordió a su amigo. Fue él el que le introdujo en Sex Pistols.
3. No fue su primera incursión musical, antes ya había cantado y tocado la batería. Sin embargo fue contratado como bajista, aunque por error, pues la mánager quería que fuera la voz del grupo debido a su actitud rebelde y polémica, con una hoja policial que le sirvió de currículum incontestable.
4. Sid no tenía mucha idea de tocar el bajo, aunque lo intentaba. La mayoría de lo grabado en "Never mind the Bollocks" no está tocado por el sino por el bajista Steve Jones.
5. Comenzó una relación con una groupie, Nancy Spungen, una chica destructiva y heroinómana. Su obsesión era palmarla puesta hasta el culo, pero quería llevarse a Sid con ella en el pack. Parece que establecieron unos lazos muy fuertes, y parece que no solo consiguió su objetivo sino que también se llevó su corazón.
6. Spungen murió finalmente de una cuchillada en el abdomen en una habitación de hotel que compartía con Sid. No está claro qué es lo que ocurrió. Aunque el ínclito fue arrestado por su muerte nadie de su círculo se creyó que el fuera el autor del crimen. (Hay otro personaje oscuro en esta historia, que aquí no viene al caso). Fue liberado a los cuatro meses. Virgin Records pagó la fianza y Mick Jagger (de incógnito) pagó su abogado. El 1 de febrero de 1979 su madre le organizó una fiesta para celebrarlo. Estaba limpio de drogas, sin embargo se inyectó una sobredosis de heroína que lo llevó a la tumba. Tenía solo ventiún años.
7. Días después se encontró una nota suya que decía: "Hicimos un pacto de muerte, yo tengo que cumplir mi parte".
Ejemplo ejemplar de lo que ocurre cuando las palomillas de la sesera están dramáticamente desajustadas.
Periodo: 1975 - 1978.
Susto mediático del establishment británico de fines de los ´70. No en vano su buque insignia (God save the Queen) fue prohibido en todas las emisoras UK.
Tuvieron una sorprendente resonancia si tenemos en cuenta su producción: algunos sencillos y un único LP, "Never mind the Bollocks".
Sid Vicious (John Simon Ritchie) murió poco después de la disolución de Sex Pistols. Pero le dio tiempo a hacer alguna cosita en solitario. La versión de My way de Sinatra es muy recordada y la incluiremos aquí.
Idea loca:
Michael Landon hizo un capítulo ficticio para su serie Autopista hacia el Cielo en que se transportaba como angel a 1978 y le daba a nuestro héroe tres o quince consejos para que la cosa no acabara como el rosario de la aurora. Lástima que no se le ocurriera ese guión, hubiera estado bien.
El famoso ladrillo de Robert Dimery, "1001 Discos que hay que escuchar antes de morir" tiene nada menos que a Sid Vicious en su portada. Por algo será.
Tras su muerte se transfiguró, y su imagen ha sido estampada en millones de camisetas. Aunque fuera un mal bajista y un ser que llevó su inmadurez a límites prohibidos por la naturaleza, se merece que conozcamos sucintamente su historia.
Haremos siete paradas rápidas:
1. Sid era un fan declarado de David Bowie. Dato muy curioso que avisa que en sus comienzos aún le funcionaba el sonajero.
2. Johnnie Rotten -el cantante- (de nombre real John Lydon) fue amigo de Ritchie desde jovencito, compartían piso y el nombre de Sid Vicious se lo puso Rotten cuando su hamster (Sid) mordió a su amigo. Fue él el que le introdujo en Sex Pistols.
3. No fue su primera incursión musical, antes ya había cantado y tocado la batería. Sin embargo fue contratado como bajista, aunque por error, pues la mánager quería que fuera la voz del grupo debido a su actitud rebelde y polémica, con una hoja policial que le sirvió de currículum incontestable.
4. Sid no tenía mucha idea de tocar el bajo, aunque lo intentaba. La mayoría de lo grabado en "Never mind the Bollocks" no está tocado por el sino por el bajista Steve Jones.
5. Comenzó una relación con una groupie, Nancy Spungen, una chica destructiva y heroinómana. Su obsesión era palmarla puesta hasta el culo, pero quería llevarse a Sid con ella en el pack. Parece que establecieron unos lazos muy fuertes, y parece que no solo consiguió su objetivo sino que también se llevó su corazón.
6. Spungen murió finalmente de una cuchillada en el abdomen en una habitación de hotel que compartía con Sid. No está claro qué es lo que ocurrió. Aunque el ínclito fue arrestado por su muerte nadie de su círculo se creyó que el fuera el autor del crimen. (Hay otro personaje oscuro en esta historia, que aquí no viene al caso). Fue liberado a los cuatro meses. Virgin Records pagó la fianza y Mick Jagger (de incógnito) pagó su abogado. El 1 de febrero de 1979 su madre le organizó una fiesta para celebrarlo. Estaba limpio de drogas, sin embargo se inyectó una sobredosis de heroína que lo llevó a la tumba. Tenía solo ventiún años.
7. Días después se encontró una nota suya que decía: "Hicimos un pacto de muerte, yo tengo que cumplir mi parte".
Ejemplo ejemplar de lo que ocurre cuando las palomillas de la sesera están dramáticamente desajustadas.
The Refrescos (Todo, nada) - (El coche) - 1990 / (O peregrino sedento) - 1999 / (Madero rockero) - 1996
Origen: Madrid (Spain).
Periodo: 1986 - 1999 + 2014.
Música festiva de la buena, pop teñido de colorido ska.
Grupo liderado por Máximo J. Vázquez, llamado Bernárdez (voz), todo un personaje de aquellas mágicas noches madrileñas de los primeros ´90, en las que aún eran permisibles locuras como circular en moto sin casco y sacar la copa de los bares a pasear, hacer corrillos en las aceras y hablar demasiado alto en la madrugada.
The Refrescos llevaban algunos años presentando su Aquí no hay playa (maqueta grabada en 1986). Hubo ahí un lapso en que varias discográficas se los rifaban. Se decidieron por Polygram. Y con ellos editaron finalmente en 1989 su primer disco. El tema en concreto fue un éxito total.
Pero Refrescos en mucho más que aquél hit primerizo, que fue en España la canción del verano de ese año.
En 1990 lanzaron su segundo disco coincidiendo también con la época estival. Su single, Todo. nada, también lograría nuevo estatus consecutivo de canción del verano, con quizá menos pulso. Sin embargo, era un muy buen tema, mejor incluso que el que les llevó al estrellato. En su videoclip hicieron homenaje a Madness (ver post).
Este segundo disco, llamado lastimosamente "Kings of chunda chunda" es el más completo de su carrera.
En 1991 editaron el LP "Simpatía por el débil", un trabajo menor.
En cambio, la cosa cambia para su fantástico último disco "¿A qué piso va?" (1996) de ínfima difusión y hoy inencontrable, editado por la pequeña compañía Magna Music. De aquí podemos extraer algunos muy buenos temas.
En 1999, junto con el grupo gallego Astarot hicieron "Xacobeo 1999", promocionado por la Xunta de Galicia. Una rareza cantada íntegramente en galego. En selección, O peregrino sedento. Crema.
Refrescos pareciera que iba a terminar aquí su andadura.
¿O no?
En 2009, con The Gambas, Bernárdez -ahora Bernardo- editó un curioso disco en el que muchos vieron un continuum, de hecho es casi como un nuevo Refrescos. Baila consigue ese título, sin duda.
Siguiendo la estela y la buena acogida, en 2014 volvieron de nuevo los auténticos The Refrescos con "Sal y Sol", que no está por debajo de su nivel histórico, pues este es un grupo que siempre ha mantenido el tipo en sus producciones, siendo todas ellas al menos interesantes y siempre divertidas.
¡Larga vida!
Vemos pues que esta maravillosa banda tiene un buen hatillo de temas a reseñar.
Obviaremos su superhit Aquí no hay playa, que además no se encuentra entre sus mejores cuatro canciones.
Veréis como no.
Y esto es otro ejemplo de cómo la discográfica y el monedero no manda en lo que por derecho debe recordarse.
A destacar:
> Aquí no hay playa - Iñaki - Maripili (1989).
> Sospechas - España - Te quiero (1990).
> 12 meses - Demasiado tarde (1991).
> Abuelo - Maruja (1996).
> Peregrin, peregrin - Santiago, agora ou nunca (1999)
> Pansancracio (2014).
Periodo: 1986 - 1999 + 2014.
Música festiva de la buena, pop teñido de colorido ska.
Grupo liderado por Máximo J. Vázquez, llamado Bernárdez (voz), todo un personaje de aquellas mágicas noches madrileñas de los primeros ´90, en las que aún eran permisibles locuras como circular en moto sin casco y sacar la copa de los bares a pasear, hacer corrillos en las aceras y hablar demasiado alto en la madrugada.
The Refrescos llevaban algunos años presentando su Aquí no hay playa (maqueta grabada en 1986). Hubo ahí un lapso en que varias discográficas se los rifaban. Se decidieron por Polygram. Y con ellos editaron finalmente en 1989 su primer disco. El tema en concreto fue un éxito total.
Pero Refrescos en mucho más que aquél hit primerizo, que fue en España la canción del verano de ese año.
En 1990 lanzaron su segundo disco coincidiendo también con la época estival. Su single, Todo. nada, también lograría nuevo estatus consecutivo de canción del verano, con quizá menos pulso. Sin embargo, era un muy buen tema, mejor incluso que el que les llevó al estrellato. En su videoclip hicieron homenaje a Madness (ver post).
Este segundo disco, llamado lastimosamente "Kings of chunda chunda" es el más completo de su carrera.
En 1991 editaron el LP "Simpatía por el débil", un trabajo menor.
En cambio, la cosa cambia para su fantástico último disco "¿A qué piso va?" (1996) de ínfima difusión y hoy inencontrable, editado por la pequeña compañía Magna Music. De aquí podemos extraer algunos muy buenos temas.
En 1999, junto con el grupo gallego Astarot hicieron "Xacobeo 1999", promocionado por la Xunta de Galicia. Una rareza cantada íntegramente en galego. En selección, O peregrino sedento. Crema.
Refrescos pareciera que iba a terminar aquí su andadura.
¿O no?
En 2009, con The Gambas, Bernárdez -ahora Bernardo- editó un curioso disco en el que muchos vieron un continuum, de hecho es casi como un nuevo Refrescos. Baila consigue ese título, sin duda.
Siguiendo la estela y la buena acogida, en 2014 volvieron de nuevo los auténticos The Refrescos con "Sal y Sol", que no está por debajo de su nivel histórico, pues este es un grupo que siempre ha mantenido el tipo en sus producciones, siendo todas ellas al menos interesantes y siempre divertidas.
¡Larga vida!
Vemos pues que esta maravillosa banda tiene un buen hatillo de temas a reseñar.
Obviaremos su superhit Aquí no hay playa, que además no se encuentra entre sus mejores cuatro canciones.
Veréis como no.
Y esto es otro ejemplo de cómo la discográfica y el monedero no manda en lo que por derecho debe recordarse.
A destacar:
> Aquí no hay playa - Iñaki - Maripili (1989).
> Sospechas - España - Te quiero (1990).
> 12 meses - Demasiado tarde (1991).
> Abuelo - Maruja (1996).
> Peregrin, peregrin - Santiago, agora ou nunca (1999)
> Pansancracio (2014).
lunes, 20 de agosto de 2018
Mercury Rev (Endlessly) - 1998
Origen: Buffalo (USA).
Periodo: 1989 - 2008.
Aunque en teoría siguen en activo, vamos a hacer su artículo pues llevan nada menos que diez años de silencio.
Comenzaron pronto a hacer barbaridades psicodélicas, para las que poco se entiende que de esta guisa pudieran editar cinco primeros discos que es mejor olvidar.
En 1995 viraron hacia una música mucho más interesante, un pop envuelto de nubes y ensoñación que ha sido su firma.
Hubieron podido hacer más pues tenían calidad para ello, pero parece que la llama se extinguió hace años.
Ocho discos hasta la fecha, aunque el último tiene ya una década.
"Endlessly" conjuga lo mejor de Mercury Rev.
A destacar:
> Everlasting Arm (1995).
Periodo: 1989 - 2008.
Aunque en teoría siguen en activo, vamos a hacer su artículo pues llevan nada menos que diez años de silencio.
Comenzaron pronto a hacer barbaridades psicodélicas, para las que poco se entiende que de esta guisa pudieran editar cinco primeros discos que es mejor olvidar.
En 1995 viraron hacia una música mucho más interesante, un pop envuelto de nubes y ensoñación que ha sido su firma.
Hubieron podido hacer más pues tenían calidad para ello, pero parece que la llama se extinguió hace años.
Ocho discos hasta la fecha, aunque el último tiene ya una década.
"Endlessly" conjuga lo mejor de Mercury Rev.
A destacar:
> Everlasting Arm (1995).
jueves, 16 de agosto de 2018
Leslie West (Out into the fields) - 1972 / (Waiting for the F change) - 1988
Origen: New York.
Periodo: 1965 - hoy.
Guitarrista y cantante incombustible.
Con una técnica depurada lideró la banda de hard rock Mountain a principios de los 70. Luego continuó en solitario pero con parte de su elenco original.
No ha trascendido al gran público por su obsesión en su estilo cerrado, centrado en el blues-country.
Leslie no era otra cosa que un duro vaquero que cambió las reses por una guitarra (dicho esto en sentido metafórico). Pero así se explicita en sus temas.
"Waiting for the F change" (1988) es un blues al estilo Leslie, cargado de viejo, como a el siempre le gustó.
En "Out into the fields" Leslie está pletórico. Es una joya, lo mejor de sus primeros años.
A destacar:
> The doctor - Pleasure (1972).
> Sifting sand (1973).
> Dear Prudence (1975).
> All of me (1989).
Periodo: 1965 - hoy.
Guitarrista y cantante incombustible.
Con una técnica depurada lideró la banda de hard rock Mountain a principios de los 70. Luego continuó en solitario pero con parte de su elenco original.
No ha trascendido al gran público por su obsesión en su estilo cerrado, centrado en el blues-country.
Leslie no era otra cosa que un duro vaquero que cambió las reses por una guitarra (dicho esto en sentido metafórico). Pero así se explicita en sus temas.
"Waiting for the F change" (1988) es un blues al estilo Leslie, cargado de viejo, como a el siempre le gustó.
En "Out into the fields" Leslie está pletórico. Es una joya, lo mejor de sus primeros años.
A destacar:
> The doctor - Pleasure (1972).
> Sifting sand (1973).
> Dear Prudence (1975).
> All of me (1989).
La Charanga del tío Honorio (Hay que lavalo) - (El O.N.I) - 1975 / (Ay, Cordera) - 1976
Origen: Madrid.
Periodo: 1975 - 1978.
Querían llamarse El Rosario de la Aurora. La discográfica (nada menos que CBS) les cambió el nombre.
Eran tres entusiastas de carrera: Luis Gómez-Escolar, licenciado en filosofía y letras; Julio Seijas, que colgó Arquitectura antes de terminarla y Honorio Herrero, licenciado en Derecho.
Lo que hacía este grupo de chalados no se hizo nunca antes ni se ha vuelto a hacer (con una única excepción, el disco La Ramona que Fernando Esteso lanzó poco después).
Música sátira, con fines puramente humorísticos, y rayando el esperpento. Lo llamaron "rock rural" y sus integrantes se disfrazaban de paletos de la España más profunda, inspirados por lo que Honorio recordaba de los paisanos de su abuelo.
Ojo, no eran neófitos, años antes con su proyecto Castañuela 70 ya habían sacado ampollas y multas de la censura. Luis también formó parte del grupo Aguaviva.
Su primer sencillo integrado por los dos primeros temas seleccionados fue un éxito nacional.
Al año siguiente grabaron un LP e hicieron galas por todo el país.
Y lo bueno, si breve, dos veces bueno. Aquí acabó la historia.
Debo decir que esto no es música suprema, no cubre ningún parámetro mínimo, pero supura humor. Y el humor, cuando es excelente, siempre estará aquí. Igual que hace años presentamos el post de Susana Estrada con su increíble tema festivo "Gózame ya".
Pronto haremos otro artículo dedicado a Les Luthiers, los amos y señores del humor musical, esta vez con mayúsculas.
Curiosidades:
- Alguien dio el soplo a José María Iñigo, presentador de Estudio Abierto, un programa de máxima audiencia de la época. Su aparición en dicho espacio fue para ellos el estrellato.
- "O.N.I". son las siglas de Ojeto n´asoluto identificao.
- Estos tres elementos escribieron para Desmadre 75 el famoso tema "Saca el güisky, cheli".
- También fueron artífices de la canción del verano de 1976: Los Golfos hicieron su agosto con "Qué pasa contigo tío".
- Ilegales de Jorge Martínez les hizo un homenaje en su tema "Hombre blanco": Replicó la famosa estrofa de echar pan a los patos ("y cuanto más pan echamos, mejor lo pasamos").
Periodo: 1975 - 1978.
Querían llamarse El Rosario de la Aurora. La discográfica (nada menos que CBS) les cambió el nombre.
Eran tres entusiastas de carrera: Luis Gómez-Escolar, licenciado en filosofía y letras; Julio Seijas, que colgó Arquitectura antes de terminarla y Honorio Herrero, licenciado en Derecho.
Lo que hacía este grupo de chalados no se hizo nunca antes ni se ha vuelto a hacer (con una única excepción, el disco La Ramona que Fernando Esteso lanzó poco después).
Música sátira, con fines puramente humorísticos, y rayando el esperpento. Lo llamaron "rock rural" y sus integrantes se disfrazaban de paletos de la España más profunda, inspirados por lo que Honorio recordaba de los paisanos de su abuelo.
Ojo, no eran neófitos, años antes con su proyecto Castañuela 70 ya habían sacado ampollas y multas de la censura. Luis también formó parte del grupo Aguaviva.
Su primer sencillo integrado por los dos primeros temas seleccionados fue un éxito nacional.
Al año siguiente grabaron un LP e hicieron galas por todo el país.
Y lo bueno, si breve, dos veces bueno. Aquí acabó la historia.
Debo decir que esto no es música suprema, no cubre ningún parámetro mínimo, pero supura humor. Y el humor, cuando es excelente, siempre estará aquí. Igual que hace años presentamos el post de Susana Estrada con su increíble tema festivo "Gózame ya".
Pronto haremos otro artículo dedicado a Les Luthiers, los amos y señores del humor musical, esta vez con mayúsculas.
Curiosidades:
- Alguien dio el soplo a José María Iñigo, presentador de Estudio Abierto, un programa de máxima audiencia de la época. Su aparición en dicho espacio fue para ellos el estrellato.
- "O.N.I". son las siglas de Ojeto n´asoluto identificao.
- Estos tres elementos escribieron para Desmadre 75 el famoso tema "Saca el güisky, cheli".
- También fueron artífices de la canción del verano de 1976: Los Golfos hicieron su agosto con "Qué pasa contigo tío".
- Ilegales de Jorge Martínez les hizo un homenaje en su tema "Hombre blanco": Replicó la famosa estrofa de echar pan a los patos ("y cuanto más pan echamos, mejor lo pasamos").
martes, 7 de agosto de 2018
Michael Schenker Group (MSG): (Armed and ready) - 1980 / (Never trust a stranger) - 1981 / (Systems failing) - (Captain Nemo) - 1983
Origen: Londres.
Periodo: 1979 - 2011.
Michael Schenker, fantástico virtuoso a las seis cuerdas -hermano pequeño de Rudolf, bajista y líder de Scorpions- fue parte integral de la banda alemana en su primer disco (Lonesome Crow, 1972) y más tarde, tras la salida de Uli Roth en 1979, tocó en tres temas del álbum Lovedrive.
Entremedias había formado parte de la época dorada de UFO (ver post), siendo lead guitar de sus mejores trabajos (1974 - 1978).
En 1979 Schenker dejaba UFO y también sus colaboraciones en Scorpions. Tuvo ofertas muy golosas por parte de grandísimas bandas rock de la época. Kiss, Deep Purple, Aerosmith y Ozzy Osbourne se lo rifaban. Pero Schenker estaba pletórico, las rechazó todas y formó MSG. El cantante elegido fue Gary Barden, vocalista de Fraser Nash, con el importante fichaje de Don Airey a los teclados.
En 1982 MSG lanzó al mercado uno de los mejores directos hard rock de la historia: "One night of Budokan".
Para el tercer disco de estudio el manager sugirió cambiar de cantante y propuso a Graham Bonnet, un líder carismático que aparte de tener ya cuatro discos en solitario había trabajado para Rainbow en su Down to earth (1979). Michael aceptó a regañadientes y con el firmaron Assault Attack (1982).
Curiosidad: A solo 48 horas de la presentación del disco en el Festival de Reading fue despedido por Michael. Parece ser que Bonnet se había dedicado a hablar mal del grupo y a soltar perlitas sobre Schenker. Tal fue el cabreo del ofendido que quiso regrabar Assault Attack con Gary Barden, cosa que no sucedió finalmente porque la discográfica no estaba dispuesta a financiarlo. Pero Michael estuvo en un tris de poner su billetera encima de la mesa.
Al final, el disco no estuvo mal del todo (tiene un tema destacable en este podio). Lo cierto es que a Schenker le gustaba su cantante original, y a el volvió. Tanto le gustaba su voz que para el tema "Never trust a stranger", una muy buena canción (en selección) hizo una versión con solo la voz de Barden y un piano.
Ya de nuevo con Gary Barden, en 1983 editaron "Built to Destroy", uno de sus mejores producciones, por no decir la mejor.
Durante la gira de presentación grabaron un segundo directo, en el que comenzaron las peleas entre todos los integrantes. Poco después la banda se disolvió y ahí acabó todo lo bueno.
En 1996 Schenker reunificó MSG y lanzó, con varias formaciones, siete discos más, pero ya no fue lo mismo, ni mucho menos.
A destacar:
> Cry for the nation - Feels like a good thing (1980).
> Assault attack (1982).
> I´m gonna make your mine - Rock my nights away - Still love that little devil (1983).
Periodo: 1979 - 2011.
Michael Schenker, fantástico virtuoso a las seis cuerdas -hermano pequeño de Rudolf, bajista y líder de Scorpions- fue parte integral de la banda alemana en su primer disco (Lonesome Crow, 1972) y más tarde, tras la salida de Uli Roth en 1979, tocó en tres temas del álbum Lovedrive.
Entremedias había formado parte de la época dorada de UFO (ver post), siendo lead guitar de sus mejores trabajos (1974 - 1978).
En 1979 Schenker dejaba UFO y también sus colaboraciones en Scorpions. Tuvo ofertas muy golosas por parte de grandísimas bandas rock de la época. Kiss, Deep Purple, Aerosmith y Ozzy Osbourne se lo rifaban. Pero Schenker estaba pletórico, las rechazó todas y formó MSG. El cantante elegido fue Gary Barden, vocalista de Fraser Nash, con el importante fichaje de Don Airey a los teclados.
En 1982 MSG lanzó al mercado uno de los mejores directos hard rock de la historia: "One night of Budokan".
Para el tercer disco de estudio el manager sugirió cambiar de cantante y propuso a Graham Bonnet, un líder carismático que aparte de tener ya cuatro discos en solitario había trabajado para Rainbow en su Down to earth (1979). Michael aceptó a regañadientes y con el firmaron Assault Attack (1982).
Curiosidad: A solo 48 horas de la presentación del disco en el Festival de Reading fue despedido por Michael. Parece ser que Bonnet se había dedicado a hablar mal del grupo y a soltar perlitas sobre Schenker. Tal fue el cabreo del ofendido que quiso regrabar Assault Attack con Gary Barden, cosa que no sucedió finalmente porque la discográfica no estaba dispuesta a financiarlo. Pero Michael estuvo en un tris de poner su billetera encima de la mesa.
Al final, el disco no estuvo mal del todo (tiene un tema destacable en este podio). Lo cierto es que a Schenker le gustaba su cantante original, y a el volvió. Tanto le gustaba su voz que para el tema "Never trust a stranger", una muy buena canción (en selección) hizo una versión con solo la voz de Barden y un piano.
Ya de nuevo con Gary Barden, en 1983 editaron "Built to Destroy", uno de sus mejores producciones, por no decir la mejor.
Durante la gira de presentación grabaron un segundo directo, en el que comenzaron las peleas entre todos los integrantes. Poco después la banda se disolvió y ahí acabó todo lo bueno.
En 1996 Schenker reunificó MSG y lanzó, con varias formaciones, siete discos más, pero ya no fue lo mismo, ni mucho menos.
A destacar:
> Cry for the nation - Feels like a good thing (1980).
> Assault attack (1982).
> I´m gonna make your mine - Rock my nights away - Still love that little devil (1983).
domingo, 5 de agosto de 2018
Nick Drake (Hazey Jane II) - (Poor boy) - 1970
Origen: UK.
Periodo: 1969 - 1972.
Artista complejo y atormentado. Cuando contaba solo veinte años editó su primer disco, al que siguieron de corrido otros dos, para acto después retirarse a vivir con sus padres, alejado de todo. Un año más tarde fue encontrado muerto por una sobredosis de antidepresivos. Con toda probabilidad resultó un accidente.
Drake era un tipo bastante tímido, lleno de fobias y miedos. Depresivo e insomne. Nunca quiso hacer presentaciones en vivo de sus discos, hecho este que repercutió muy desfavorablemente en las ventas. No obstante, en su segundo trabajo (Bryter Layter, 1970), el mejor de los tres, supura una sensibilidad extraordinaria. Algo que ha sido consensuado de manera póstuma. Por ejemplo, Paul Weller, Kate Bush, Robert Smith (The Cure) y The Black Crowes han reconocido que Nick Drake fue una influencia muy importante.
Aunque su instrumento favorito era la guitarra, también dominaba el piano, el clarinete y el saxo.
El tema "Poor boy" es una maravilla. Aquí podemos apreciar a Drake en su mejor momento, aunando su música raíz con jazz y gospel. Una rareza magistral dentro de su producción.
A destacar:
> Time has told me - River man (1969).
> At the Chime of a City Clock (1970).
Periodo: 1969 - 1972.
Artista complejo y atormentado. Cuando contaba solo veinte años editó su primer disco, al que siguieron de corrido otros dos, para acto después retirarse a vivir con sus padres, alejado de todo. Un año más tarde fue encontrado muerto por una sobredosis de antidepresivos. Con toda probabilidad resultó un accidente.
Drake era un tipo bastante tímido, lleno de fobias y miedos. Depresivo e insomne. Nunca quiso hacer presentaciones en vivo de sus discos, hecho este que repercutió muy desfavorablemente en las ventas. No obstante, en su segundo trabajo (Bryter Layter, 1970), el mejor de los tres, supura una sensibilidad extraordinaria. Algo que ha sido consensuado de manera póstuma. Por ejemplo, Paul Weller, Kate Bush, Robert Smith (The Cure) y The Black Crowes han reconocido que Nick Drake fue una influencia muy importante.
Aunque su instrumento favorito era la guitarra, también dominaba el piano, el clarinete y el saxo.
El tema "Poor boy" es una maravilla. Aquí podemos apreciar a Drake en su mejor momento, aunando su música raíz con jazz y gospel. Una rareza magistral dentro de su producción.
A destacar:
> Time has told me - River man (1969).
> At the Chime of a City Clock (1970).
miércoles, 11 de julio de 2018
Orquesta Mondragón (El diablo dijo no) - 1983 / (Caperucita feroz) - 1980 / (Mírame. Es mi final) - 1984 / (Garras humanas) - 1982
Origen: San Sebastián (España).
Periodo: 1979 - hoy.
El nombre de la banda se nutre de un antiguo psiquiátrico sito en la población guipuzcoana de Mondragón. En los años ´60 "enviaban a Mondragón" a todo aquel que tenía flojas las palomillas de la sesera.
Su líder, Javier Gurruchaga, cantante, sátiro showman y cómico ácido, es el centro de la Orquesta Mondragón. Su humor es peculiar, oscilando siempre entre el negro y el marrón caca. Hay veces en que se pasa de asqueroso, pero como galardón, eso sí, porque a el le vanagloria. Personaje que provoca arcada o genuflexión a partes iguales.
Fue, sin duda, transgresor y loco maravilloso en su juventud, pero el azaroso devenir y "el corrosivo" (también llamado tiempo) le fue sacando a flote facetas cada vez, digamos, menos agradables.
Sus primeros discos "de orfeón" van poco a poco dejando entrever una conversión en algo más repugnante: el humor ácido se va transformando en bufo espectáculo para finalmente lograr un aroma que puede apestar a los humanos menos avisados. El problema -o no- es que todo ello se busca y se obtiene porque ese es el objetivo. Objetivo dudoso, que le ha hecho perder con los años seguidores a miles.
"Mírame (es mi final)" es una rareza exquisita, con resonancias varias. Único tema serio de Mondragón, pero es que además es rasgadamente triste y fabuloso. El cénit de la banda y una linea que pudo haber explotado más el grupo pues tenía potencial para ello. Lástima que no haya mucho más así. "Paris Boulevard" y "Los sueños viven" son lo más que se le acercan.
Sus últimos trabajos solo emocionan a los incondicionales de ese humor ya hoy excesivo, medio maricón y medio sucio.
Gurruchaga tuvo un momento estelar, que pudo estirar desde su debut en 1979 hasta mediados de la década de los ´80. Más allá solo tenemos destellos muy puntuales.
A destacar:
> Ponte la peluca - Muñeca hinchable - El hotel azul (1979).
> Bon voyage (1980).
> La primera vez - Doctor Doc - Los tres cerditos - Estoy harto de ti, muñeca - Las palmeras (1982).
> ¡Es la guerra! - Feliz Navidad (1984).
> A pleno sol (1989).
> Paris boulevard - Johnny (1992).
> Los sueños viven (2000).
Periodo: 1979 - hoy.
El nombre de la banda se nutre de un antiguo psiquiátrico sito en la población guipuzcoana de Mondragón. En los años ´60 "enviaban a Mondragón" a todo aquel que tenía flojas las palomillas de la sesera.
Su líder, Javier Gurruchaga, cantante, sátiro showman y cómico ácido, es el centro de la Orquesta Mondragón. Su humor es peculiar, oscilando siempre entre el negro y el marrón caca. Hay veces en que se pasa de asqueroso, pero como galardón, eso sí, porque a el le vanagloria. Personaje que provoca arcada o genuflexión a partes iguales.
Fue, sin duda, transgresor y loco maravilloso en su juventud, pero el azaroso devenir y "el corrosivo" (también llamado tiempo) le fue sacando a flote facetas cada vez, digamos, menos agradables.
Sus primeros discos "de orfeón" van poco a poco dejando entrever una conversión en algo más repugnante: el humor ácido se va transformando en bufo espectáculo para finalmente lograr un aroma que puede apestar a los humanos menos avisados. El problema -o no- es que todo ello se busca y se obtiene porque ese es el objetivo. Objetivo dudoso, que le ha hecho perder con los años seguidores a miles.
"Mírame (es mi final)" es una rareza exquisita, con resonancias varias. Único tema serio de Mondragón, pero es que además es rasgadamente triste y fabuloso. El cénit de la banda y una linea que pudo haber explotado más el grupo pues tenía potencial para ello. Lástima que no haya mucho más así. "Paris Boulevard" y "Los sueños viven" son lo más que se le acercan.
Sus últimos trabajos solo emocionan a los incondicionales de ese humor ya hoy excesivo, medio maricón y medio sucio.
Gurruchaga tuvo un momento estelar, que pudo estirar desde su debut en 1979 hasta mediados de la década de los ´80. Más allá solo tenemos destellos muy puntuales.
A destacar:
> Ponte la peluca - Muñeca hinchable - El hotel azul (1979).
> Bon voyage (1980).
> La primera vez - Doctor Doc - Los tres cerditos - Estoy harto de ti, muñeca - Las palmeras (1982).
> ¡Es la guerra! - Feliz Navidad (1984).
> A pleno sol (1989).
> Paris boulevard - Johnny (1992).
> Los sueños viven (2000).
jueves, 5 de julio de 2018
The Velvet Underground (Rock & roll) - (Who loves the sun) - 1970 / (She´s my best friend) - 1969 / (Sunday morning) - 1967
Origen: Nueva York.
Periodo: 1967 - 1973.
Banda apadrinada por Andy Warhol.
Velvet no tuvo demasiada suerte en lo relativo a ventas.
Es menester olvidarse de todo lo que los críticos han machacado durante décadas, a saber, que su álbum debut era una perla. A mi no me lo parece, no está mal, pero solo eso. La aportación vocal de la modelo alemana Nico da hoy más bien repelús. Es un disco que ha envejecido mucho.
En su segundo trabajo encontramos más de lo mismo, buenas letras pero poca chicha. Otra obra alabada por la crítica que tiene de decente poco más que su tema homónimo.
Existe detrás una razón de peso para estos despropósitos: la crítica especializada está especializada en señalar lo que no vale y descartar lo que sí vale, son especialistas en ello.
Esto sirve, por cierto, también para los críticos de cine, siempre empeñados en resaltar el drama y vilipendiar la comedia. Comedias brutales, por ejemplo, como "Dos tontos muy tontos" o como "Amazonas en La Luna" son siempre defenestradas en favor de dramas insípidos, como por ejemplo "Titanic", un icono representativo, en el que solo es potable la primera parte.
Pues bien, con la música ocurre exactamente igual: No es bueno lo que diga la crítica, es bueno lo que por derecho debe serlo (para más profundidades en este asunto, acudid al texto lateral del blog).
El sonido de su tercer disco gana enteros por momentos, sobre todo en "That´s the story of my life".
Hemos contado para el estudio con el álbum lanzado en 1985, llamado "VU" con grabaciones inéditas de John Cale, la mayoría compuestas en 1969.
Pero cuando ya estaban hartos de incomprensión y a punto de hacer el petate, es cuando por fin luce su mejor música. A veces pasa.
Su "Rock & roll" es el mejor rocanrol (publicado con ese nombre) y más auténtico que jamás escuché. Exactamente un año después, Zeppelin lanzó su propio "Rock and roll", que se queda en mantillas al lado del de la Velvet.
Hablamos de "Loaded" (1970), un muy buen disco.
A destacar:
> Femme fatale - I'm waiting for the man - Venus in furs (1967).
> White light,white heat (1968).
> Beginning to see the light . Candy says - What goes on - Foggy notion - One of these days (1969).
> Cool it down - Train round the bend - Satellite of love(1970).
Periodo: 1967 - 1973.
Banda apadrinada por Andy Warhol.
Velvet no tuvo demasiada suerte en lo relativo a ventas.
Es menester olvidarse de todo lo que los críticos han machacado durante décadas, a saber, que su álbum debut era una perla. A mi no me lo parece, no está mal, pero solo eso. La aportación vocal de la modelo alemana Nico da hoy más bien repelús. Es un disco que ha envejecido mucho.
En su segundo trabajo encontramos más de lo mismo, buenas letras pero poca chicha. Otra obra alabada por la crítica que tiene de decente poco más que su tema homónimo.
Existe detrás una razón de peso para estos despropósitos: la crítica especializada está especializada en señalar lo que no vale y descartar lo que sí vale, son especialistas en ello.
Esto sirve, por cierto, también para los críticos de cine, siempre empeñados en resaltar el drama y vilipendiar la comedia. Comedias brutales, por ejemplo, como "Dos tontos muy tontos" o como "Amazonas en La Luna" son siempre defenestradas en favor de dramas insípidos, como por ejemplo "Titanic", un icono representativo, en el que solo es potable la primera parte.
Pues bien, con la música ocurre exactamente igual: No es bueno lo que diga la crítica, es bueno lo que por derecho debe serlo (para más profundidades en este asunto, acudid al texto lateral del blog).
El sonido de su tercer disco gana enteros por momentos, sobre todo en "That´s the story of my life".
Hemos contado para el estudio con el álbum lanzado en 1985, llamado "VU" con grabaciones inéditas de John Cale, la mayoría compuestas en 1969.
Pero cuando ya estaban hartos de incomprensión y a punto de hacer el petate, es cuando por fin luce su mejor música. A veces pasa.
Su "Rock & roll" es el mejor rocanrol (publicado con ese nombre) y más auténtico que jamás escuché. Exactamente un año después, Zeppelin lanzó su propio "Rock and roll", que se queda en mantillas al lado del de la Velvet.
Hablamos de "Loaded" (1970), un muy buen disco.
A destacar:
> Femme fatale - I'm waiting for the man - Venus in furs (1967).
> White light,white heat (1968).
> Beginning to see the light . Candy says - What goes on - Foggy notion - One of these days (1969).
> Cool it down - Train round the bend - Satellite of love(1970).
martes, 26 de junio de 2018
Jon Stevens (Jezebel) - 1980 / (I get up) - 2003 / (Starlight) - (Scars) - 2017
Origen: Nueva Zelanda.
Periodo: 1980 - hoy.
Stevens lanzó su primer album en 1980 al instalarse en Australia. Album llamado "Jezebel", que tuvo bastante éxito. No tuvo tanta suerte con sus siguientes discos.
Siempre será recordado por fichar como cantante por INXS.
En 1997, con la muerte de Michael Hutchance, INXS buscaba un cantante de reemplazo. Lo encontró en Stevens, un gran acierto. Desde 2000 a 2003 formó parte de esta magnífica formación. Los fans estaban bastante satisfechos (algo siempre difícil, más aún tratándose de cubrir la ausencia de un icono tan brutal y carismático como fue Hutchance).
Todo iba al parecer de perlas, pero el caso es que hicieron una gira mundial solo con material antiguo de INXS y el proceso creativo de nuevas canciones iba demasiado lento para Stevens, compositor que quería ver un nuevo disco cuanto antes. Según expresó en una entrevista, tres años eran demasiados para el sin resultados creativos, interpretando los temas de Hutchance y no los suyos, la cosa no avanzaba al ritmo que el hubiera deseado, así que decidió dejar INXS y seguir por su cuenta.
De esa época solo quedó la edición de un single, "I get up" (el único tema compuesto por Stevens para INXS). Lo vamos a incluir por su relevancia.
El tiempo no le ha dado la razón. Veréis. Después de aquella abrupta salida, Jon Stevens lo intentó con hasta cinco discos, no consiguiendo nada importante.
Por fin, en 2017, ha vuelto al estilo que degustó con INXS, cosechando un muy buen trabajo, "Starlight", que podríamos definirlo sin temor como lo más cercano a un imaginario nuevo disco de la legendaria banda australiana. Elegimos dos temas muy buenos.
A destacar:
> (The one that you love is) here to stay (1982).
> Are U satisfied (1993).
> Testify (2011).
> Woman - Superbad (2015).
> Feel like letting go - One way street - All about the people (2017).
Periodo: 1980 - hoy.
Stevens lanzó su primer album en 1980 al instalarse en Australia. Album llamado "Jezebel", que tuvo bastante éxito. No tuvo tanta suerte con sus siguientes discos.
Siempre será recordado por fichar como cantante por INXS.
En 1997, con la muerte de Michael Hutchance, INXS buscaba un cantante de reemplazo. Lo encontró en Stevens, un gran acierto. Desde 2000 a 2003 formó parte de esta magnífica formación. Los fans estaban bastante satisfechos (algo siempre difícil, más aún tratándose de cubrir la ausencia de un icono tan brutal y carismático como fue Hutchance).
Todo iba al parecer de perlas, pero el caso es que hicieron una gira mundial solo con material antiguo de INXS y el proceso creativo de nuevas canciones iba demasiado lento para Stevens, compositor que quería ver un nuevo disco cuanto antes. Según expresó en una entrevista, tres años eran demasiados para el sin resultados creativos, interpretando los temas de Hutchance y no los suyos, la cosa no avanzaba al ritmo que el hubiera deseado, así que decidió dejar INXS y seguir por su cuenta.
De esa época solo quedó la edición de un single, "I get up" (el único tema compuesto por Stevens para INXS). Lo vamos a incluir por su relevancia.
El tiempo no le ha dado la razón. Veréis. Después de aquella abrupta salida, Jon Stevens lo intentó con hasta cinco discos, no consiguiendo nada importante.
Por fin, en 2017, ha vuelto al estilo que degustó con INXS, cosechando un muy buen trabajo, "Starlight", que podríamos definirlo sin temor como lo más cercano a un imaginario nuevo disco de la legendaria banda australiana. Elegimos dos temas muy buenos.
A destacar:
> (The one that you love is) here to stay (1982).
> Are U satisfied (1993).
> Testify (2011).
> Woman - Superbad (2015).
> Feel like letting go - One way street - All about the people (2017).
jueves, 14 de junio de 2018
Paul Carrack (Tempted) - 1991 / (Dedicated) - 1989
Origen: Sheffield (UK).
Periodo: 1980 - hoy.
En su juventud formó parte de Roxy Music y Squeeze.
La BBC le llamaba ¨la voz de oro¨.
Además, este vocalista domina la guitarra, el piano y el órgano.
Lo cierto es que la escucha de su extensa discografía (17 trabajos) deja muy poco poso. Hay muy poco que resaltar.
Pero Carrack está aquí en pleno derecho por su "Tempted", un tema maravilloso, de los que se hacen uno entre un billón. No es pop, no es jazz, no es soul, no es rock. Entonces, ¿qué es? Yo diría que es algo que bebe de todo eso a partes mágicamente ponderadas, resultando algo no catalogable pero magnífico. Al final lo que queda es un concentrado de variados solutos, altamente degustable. Un destilado aúreo cuasi sobrenatural. Un tema inmortal que continúa y continuará escuchándose en las ondas por eones.
A destacar:
> What A Way To Go - A Little Unkind (1982).
> A Little Unkind (1991).
> How long (1996).
> Time To Let Go - Beautiful World (1997).
> My kind (2000).
martes, 5 de junio de 2018
Ted Nugent (Stranglehold) - (Snakeskin cowboys) - (Motor city madhouse) - 1975 / (Tight spots) -1978
Origen: Detroit (USA).
Periodo: 1975 - hoy.
Lo único cierto y verificable es que Nugent fue un virtuoso de gran talento, primero al frente de Amboy Dukes (hay post) y luego en solitario durante al menos la segunda mitad de los ´70.
Su disco debut de 1975 es una joya del hard rock. Un año, por cierto, en el que se firmaron una y otra vez (en todos los estilos) grandísimos trabajos.
A continuación llegaron, de corrido, "Free for all" (1976) y "Cat scratch fever" (1977), igualmente alabados por la crítica. Son buenos, pero no están a la altura de su debut. Ello es debido en parte porque Ted canta en estos subsiguientes discos. No era mal cantante, pero Holmes lo hace mejor en su primer plástico.
En 1978 lanzó "Weekend Warriors", completamente al mando, su mejor disco como vocalista, en el que tuvo el control absoluto sobre unos resultados, a la postre, excelentes. El arte de esta portada se queda grabada en la retina: la guitarra convertida en arma de fuego.
Una reivindicación muy suya, además, porque las armas le excitan, algo que siempre ha defendido en sus encendidos discursos políticos. Al parecer, solo come carne cazada por el mismo y sus tesis a favor de la tenencia de armas no son tan estúpidas como muchos puedan creer, no son tan sencillas de desmontar. Ted no es ningún idiota, aunque pueda parecerlo. Uno se queda solamente con sus titulares y le cataloga como cenutrio, pero aquí es necesario ahondar más en sus razonamientos para opinar con criterio sobre el personaje.
Volvamos a lo que interesa: No hizo nada musicalmente glorioso más allá de Weekend Warriors. En 1984 lo intentó con "Penetrator" contratando nuevo vocalista, pero no resultó. Luego volvió el mismo a hacerse cargo de todo, pero los siguientes trabajos quedan en el limbo de lo que no pudo ser.
Hay una anécdota graciosa respecto al festival Monsters of Rock de 1985. Fue tal su obsesión por volver a la palestra y sonar muy muy potente que en esa puesta en vivo contó con dos bajistas y dos guitarras más, además de la suya. Llevó una columna de Marshall ciclópea con potencia suficiente para salir todos volando. Eso, unido a su conocida afición de pegarse a los amplificadores, supuso que a mitad de concierto se quedara sordo y tuvo que retirarse, teniente total.
A destacar:
> Hey baby - Stormtroopin´- You Make Me Feel Right At Home - Queen Of The Forest (1975).
> Free for all (1976).
> Cat Scratch Fever (1977).
> Need You Bad - I Got The Feelin' (1978).
> Alone (1979).
> Never Stop Believing (Blues) (2014).
Periodo: 1975 - hoy.
Lo único cierto y verificable es que Nugent fue un virtuoso de gran talento, primero al frente de Amboy Dukes (hay post) y luego en solitario durante al menos la segunda mitad de los ´70.
Su disco debut de 1975 es una joya del hard rock. Un año, por cierto, en el que se firmaron una y otra vez (en todos los estilos) grandísimos trabajos.
A continuación llegaron, de corrido, "Free for all" (1976) y "Cat scratch fever" (1977), igualmente alabados por la crítica. Son buenos, pero no están a la altura de su debut. Ello es debido en parte porque Ted canta en estos subsiguientes discos. No era mal cantante, pero Holmes lo hace mejor en su primer plástico.
En 1978 lanzó "Weekend Warriors", completamente al mando, su mejor disco como vocalista, en el que tuvo el control absoluto sobre unos resultados, a la postre, excelentes. El arte de esta portada se queda grabada en la retina: la guitarra convertida en arma de fuego.
Una reivindicación muy suya, además, porque las armas le excitan, algo que siempre ha defendido en sus encendidos discursos políticos. Al parecer, solo come carne cazada por el mismo y sus tesis a favor de la tenencia de armas no son tan estúpidas como muchos puedan creer, no son tan sencillas de desmontar. Ted no es ningún idiota, aunque pueda parecerlo. Uno se queda solamente con sus titulares y le cataloga como cenutrio, pero aquí es necesario ahondar más en sus razonamientos para opinar con criterio sobre el personaje.
Volvamos a lo que interesa: No hizo nada musicalmente glorioso más allá de Weekend Warriors. En 1984 lo intentó con "Penetrator" contratando nuevo vocalista, pero no resultó. Luego volvió el mismo a hacerse cargo de todo, pero los siguientes trabajos quedan en el limbo de lo que no pudo ser.
Hay una anécdota graciosa respecto al festival Monsters of Rock de 1985. Fue tal su obsesión por volver a la palestra y sonar muy muy potente que en esa puesta en vivo contó con dos bajistas y dos guitarras más, además de la suya. Llevó una columna de Marshall ciclópea con potencia suficiente para salir todos volando. Eso, unido a su conocida afición de pegarse a los amplificadores, supuso que a mitad de concierto se quedara sordo y tuvo que retirarse, teniente total.
A destacar:
> Hey baby - Stormtroopin´- You Make Me Feel Right At Home - Queen Of The Forest (1975).
> Free for all (1976).
> Cat Scratch Fever (1977).
> Need You Bad - I Got The Feelin' (1978).
> Alone (1979).
> Never Stop Believing (Blues) (2014).
jueves, 24 de mayo de 2018
María del Mar Bonet (Dóna'm sa mà) - (Fora d'es sembrat) - 1969 / (Nocturna) - 1979 / (Viure sense tu) - 1985
Origen: Palma de Mallorca (España).
Periodo: 1969 - hoy.
Importante intérprete y estudiosa de la música popular de las islas Baleares.
Comenzó genial en su primer disco, en el que podemos apreciar unas modulaciones de voz muy interesantes y con clase.
A pesar de cantar en un dialecto minoritario como es el mallorquín, durante su primer tercio de carrera tuvo gran aceptación nacional.
Es lamentable que esta gran intérprete no hiciera ningún disco en castellano. De hecho no podremos encontrar ni un solo tema en castellano (ni siquiera en inglés), tal era su amor por la cultura balear.
Y hablamos de una amplia discografía de más de una treintena de discos.
Ni siquiera existe -que yo sepa- ninguna entrevista en el idioma oficial de su país. Esto es, obviamente, subversivo.
Podríamos decir sencillamente que su larga carrera y sus éxitos son un aval, pero aquí nunca hablamos en esos términos tan vulgares. Esos parámetros -larga carrera y éxitos- no significan nada. De hecho, hay muchos que se han quedado sin podio. Aquí perseguimos algo que no está a priori en paralelo con el éxito ni con una vida artística extensa. Puede que sí, pero puede que no. No hay correlación.
Las dos primeras selecciones son de su primer disco. Muy buen disco. El enlace youtube contiene el LP al completo (merece la pena su escucha). Para ir a "Fora d'es sembrat" es fácil, pues es el primer tema y para audicionar "Dóna'm sa mà" hay que situarse en el minuto 22.30.
A destacar:
> No trobaràs la mar - Enamorat i al·lota (1969).
> Em dius que el nostre amor - Cançó del bon amor (1971).
> Vigila el mar (1974).
> Les Illes - Allenar (1977).
> Cada dia tinc manies - Jim (1979).
> El cant de la Sibil·la (1979).
> Bir demet yasemen - Carta a un amic (1985).
> Ja n'hi a prou - Epigrama (1989).
> Nit màgica - nikta magika (1993).
> Leylim Ley (1995).
Periodo: 1969 - hoy.
Importante intérprete y estudiosa de la música popular de las islas Baleares.
Comenzó genial en su primer disco, en el que podemos apreciar unas modulaciones de voz muy interesantes y con clase.
A pesar de cantar en un dialecto minoritario como es el mallorquín, durante su primer tercio de carrera tuvo gran aceptación nacional.
Es lamentable que esta gran intérprete no hiciera ningún disco en castellano. De hecho no podremos encontrar ni un solo tema en castellano (ni siquiera en inglés), tal era su amor por la cultura balear.
Y hablamos de una amplia discografía de más de una treintena de discos.
Ni siquiera existe -que yo sepa- ninguna entrevista en el idioma oficial de su país. Esto es, obviamente, subversivo.
Podríamos decir sencillamente que su larga carrera y sus éxitos son un aval, pero aquí nunca hablamos en esos términos tan vulgares. Esos parámetros -larga carrera y éxitos- no significan nada. De hecho, hay muchos que se han quedado sin podio. Aquí perseguimos algo que no está a priori en paralelo con el éxito ni con una vida artística extensa. Puede que sí, pero puede que no. No hay correlación.
Las dos primeras selecciones son de su primer disco. Muy buen disco. El enlace youtube contiene el LP al completo (merece la pena su escucha). Para ir a "Fora d'es sembrat" es fácil, pues es el primer tema y para audicionar "Dóna'm sa mà" hay que situarse en el minuto 22.30.
A destacar:
> No trobaràs la mar - Enamorat i al·lota (1969).
> Em dius que el nostre amor - Cançó del bon amor (1971).
> Vigila el mar (1974).
> Les Illes - Allenar (1977).
> Cada dia tinc manies - Jim (1979).
> El cant de la Sibil·la (1979).
> Bir demet yasemen - Carta a un amic (1985).
> Ja n'hi a prou - Epigrama (1989).
> Nit màgica - nikta magika (1993).
> Leylim Ley (1995).
jueves, 17 de mayo de 2018
Vaya con Dios (Bold and untrue) - (Muddy waters) - 1992 / (Sunny days) - 1990
Origen: Bruselas (Bélgica).
Periodo: 1988 - 2009.
Banda liderada por la cantante Dani Klein.
Propusieron un jazz sencillo y asequible, que tuvo su momento de calidad entre 1990 y 1992.
Su discografía se compone únicamente de seis discos.
A mi parecer, tienen un tema cúspide en 1992 que supone un precedente de lo que se avecinaría solo un par de años después con el mal llamado "acid jazz", que no era otra cosa que jazz fusionado con funk. Con "Bold and untrue" marcaron ese fantástica senda. Grupazos como Incognito, Corduroy y Brand New Heavies mamaron de aquí.
A destacar:
> Philadelphia (1988).
> Far gone now (1990).
> Es Wird Schon Wieder Gehen (2004).
Periodo: 1988 - 2009.
Banda liderada por la cantante Dani Klein.
Propusieron un jazz sencillo y asequible, que tuvo su momento de calidad entre 1990 y 1992.
Su discografía se compone únicamente de seis discos.
A mi parecer, tienen un tema cúspide en 1992 que supone un precedente de lo que se avecinaría solo un par de años después con el mal llamado "acid jazz", que no era otra cosa que jazz fusionado con funk. Con "Bold and untrue" marcaron ese fantástica senda. Grupazos como Incognito, Corduroy y Brand New Heavies mamaron de aquí.
A destacar:
> Philadelphia (1988).
> Far gone now (1990).
> Es Wird Schon Wieder Gehen (2004).
OMD (Enola gay) - 1980 / (The moon & the sun) - (Universal) - 1996
Origen: Merseyside (UK).
Periodo: 1978-1996 / 2009 - hoy.
Maniobras orquestales en la oscuridad, nombre ampuloso donde los haya.
Ojalá que el sugestivo nombre se pudiera corresponder con su música, pero no. Su música no tiene orquestación, ni tiene oscuridad. Es new wave muy tech. Solo eso.
OMD eran básicamente Andy McCluskey (voz y bajo) y Paul Humpherys (Sinte y coros).
Trece discos hasta la fecha.
Nos detendremos únicamente por su canción estrella, "Enola gay", y por un par de temas de su álbum Universal (1996).
A destacar:
> We love you (1986).
Periodo: 1978-1996 / 2009 - hoy.
Maniobras orquestales en la oscuridad, nombre ampuloso donde los haya.
Ojalá que el sugestivo nombre se pudiera corresponder con su música, pero no. Su música no tiene orquestación, ni tiene oscuridad. Es new wave muy tech. Solo eso.
OMD eran básicamente Andy McCluskey (voz y bajo) y Paul Humpherys (Sinte y coros).
Trece discos hasta la fecha.
Nos detendremos únicamente por su canción estrella, "Enola gay", y por un par de temas de su álbum Universal (1996).
A destacar:
> We love you (1986).
martes, 8 de mayo de 2018
The Platters (Twilight time) - 1958 / (Sweet, sweet lovin´) - 1967/ (He´s mine) - 1957 / (You´ll never know) - 1960
Origen: Los Angeles (USA).
Periodo: 1954 - 1970.
Hablamos de la banda original, por supuesto. Sucedáneos se cuentan por decenas.
Tenemos que citar el nombre de Buck Ram, un productor y mánager avispado, que convirtió en pocos meses a un grupo más doo wop en un portento musicovocal R&B, llevándolos al más absoluto estrellato.
Puso todo su afán en que la voz cuasi tenor de Tony Williams se convirtiera en lider, aderezada con la presencia femenina de Zola Taylor y arropando todo el caramelo en un envoltorio que enseguida comenzó a hacer historia. No en vano The Platters es una de las bandas más lucrativas y recordadas. Su "Only you" se sigue y seguirá escuchando por eones.
Pero aquí no estamos para audicionar de nuevo Only you (aunque cualquier neófito debería hacerlo sin dilación).
Este amor de morenos trae bajo el brazo otras perlas menos conocidas pero igualmente sublimes.
Periodo: 1954 - 1970.
Hablamos de la banda original, por supuesto. Sucedáneos se cuentan por decenas.
Tenemos que citar el nombre de Buck Ram, un productor y mánager avispado, que convirtió en pocos meses a un grupo más doo wop en un portento musicovocal R&B, llevándolos al más absoluto estrellato.
Puso todo su afán en que la voz cuasi tenor de Tony Williams se convirtiera en lider, aderezada con la presencia femenina de Zola Taylor y arropando todo el caramelo en un envoltorio que enseguida comenzó a hacer historia. No en vano The Platters es una de las bandas más lucrativas y recordadas. Su "Only you" se sigue y seguirá escuchando por eones.
Pero aquí no estamos para audicionar de nuevo Only you (aunque cualquier neófito debería hacerlo sin dilación).
Este amor de morenos trae bajo el brazo otras perlas menos conocidas pero igualmente sublimes.
Steve Winwood (Spanish dancer) - (While You See A Chance) - 1980 / (Valerie) - 1982 / (Put On Your Dancing Shoes) - 1988
Origen: Birmingham (UK).
Prodigio desde muy joven, multinstrumentalista (voz, guitarras, teclados, batería), comenzó muy pronto subiéndose a carro ganador, ya que fue parte integral de Blind Faith, junto a Eric Clapton y Ginger Baker. Era 1969 y solo contaba con veinte añitos.
Periodo: 1977 - hoy.
Prodigio desde muy joven, multinstrumentalista (voz, guitarras, teclados, batería), comenzó muy pronto subiéndose a carro ganador, ya que fue parte integral de Blind Faith, junto a Eric Clapton y Ginger Baker. Era 1969 y solo contaba con veinte añitos.
Blind Faith sólo publicó un disco, lástima.
Winwood estuvo en Go durante los primeros setenta para finalmente lanzar en 1977 su primer LP en solitario. Bastante bueno por cierto.
En esos años el ínclito era admirado por sus compañeros músicos. Todos querían ser Steve Winwood. Luego también todos quisieron ser Steve Winwood.
Hubo que esperar a su segundo disco de 1980 para encontrar su verdadero despunte. "Arc of Diver" es lo mejor que hizo este artista, tomándolo como un todo.
Los primeros ochenta también fueron buenos y supusieron su consolidación comercial.
A partir de "Roll with it" (1988) todo decae, sobre todo las composiciones. Winwood fue el primer enterado de esta verdad y fue espaciando los trabajos. De hecho, sólo hubo cuatro más, el último en 2008.
A destacar:
> Night train (1980).
> Talking Back To The Night (1982).
> Roll With It - Holding On (1988).
> Running On (1990).
> Your Silence Is Your Song (1995).
> Fill Me Up (1997).
> Different Light (2003).
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