Origen: Nueva York.
Periodo: 1970 - 1993.
Pianista y cantante. De enorme éxito en algunos temas puntuales que recordamos ahora y con un lapso temporal ceñido entre 1977 y 1978. En esos dos años fue el "súper héroe" Piano Man.
A destacar:
> Movin' Out (Anthony's Song) - 1977.
> My Life - 1978.
Origen: Paris.
Periodo: 1953 - 2015.
Cantante, compositor, actor, poeta, escritor y diplomático.
Aznavour ha editado discos en francés, inglés, italiano, español y alemán, en un alarde inaudito como "embajador de lenguas".
A Aznavour se le dan bien los temas lentos y románticos, no así los festivos, en los que queda muy por detrás, salvando alguna perla -en selección. Además, es un autor al que el tiempo le ha pasado un severo correctivo, por lo que en nuestro presente quedan solo un hatillo de canciones recuperables.
Por encima de todos los éxitos de Aznavour brilla "She", curiosamente nunca incluida en sus variados recopilatorios. Un tema que también grabó aparte del inglés -su mejor versión- en español, francés y alemán.
A destacar:
> Il faut savoir (1961).
> Hier encore (1964).
Origen: San Francisco, California (USA).
Periodo: 1978 - 1986.
Pandilla de enajenados, geniales en su época. Hoy su punk rock suena fatal, el arado del tiempo impulsa a esta banda al olvido.
Drogados e inmisericordes, grabaron para "la prosperidad" este temazo.
Origen: Manchester (UK).
Periodo: 1976 - 1980.
Hermano pequeño de Barry, Maurice y Robin (Bee Gees). También de talento similar, probablemente por la diferencia de edad (once años con el siguiente, Barry) se inició en solitario con su primer álbum en 1977, éxito total y que fue una locura entre el público más joven.
Fue este estrellato tan temprano y repentino en sus tiernas carnes el que le llevó -como una historia en bucle sin fin-, a consumir cocaína. Solo editó dos discos más para entrar en un vórtice mortal que lo llevó a su muerte con la temprana edad de 30 años.
Nos deja dos perlas para este podio.
Origen: Madrid.
Periodo: (2002 - 2008).
Beatriz Albert es de lo que aquí hablamos en realidad. Vocalista inmensa, que colaboró en sus inicios con las bandas Dark Moor y Sober antes de iniciar la historia que nos ocupa.
Con su grupo de metal gothic progresivo editaron solo dos discos: "Decoder" (2004) y "When the city is quiet" (2008). Dream Theater -si supiera de ellos- estaría orgulloso.
En nuestro presente está centrada en el homenaje que se le está haciendo en Costa Rica a Camilo Sesto en onda sinfónica, en la que ella es parte fundamental.
Muchísimos fans reclaman su vuelta al metal, pues desde su partida en Ebony Ark no ha existido nada igual en Madrid.
Curiosidad: Beatriz pasó de ser una chica obesa (se puede ver en algún clip oficial de la época) hasta reconvertirse en casi una chica modelo y anunciar alguna firma de cosméticos. Actualmente luce muy bonita y sin ese sobrepeso que le acompañó algún año.
Sorpresa: Mónica Naranjo ha descubierto hace poco quién está detrás de sus éxitos. Ella misma declara que la sentencia que estipula que "detrás de cada gran hombre hay una gran mujer" es, en su caso, falsa, pues detrás de su éxito no hay ningún hombre. Está Beatriz; es su coach vocal desde los inicios de su carrera.
Quedamos a la espera de su primer disco en solitario, que seguro que será maravilloso, como no podría ser menos, teniendo en cuenta su dominio de la voz. Dominio que, por el momento, solo podemos disfrutar en Ebony Ark, este supergrupo madrileño que lo dijo casi todo en su disco debut. Pero tuvieron malísima suerte, su discografica quebró y les dejó en la estacada y en blanco durante los siguientes dos años. Además, su nueva casa les obligó a regrabar todos los temas, lanzando un "Decoder 2.0" que no tuvo ningún apoyo y fue olvidado miserablente. De hecho, este 2.0 es una joya de coleccionista, pues se lanzaron muy pocas copias.
Su último disco, "When the city is quiet" cambia bastante de registro, siendo mucho más melódico y comedido, no tan atractivo como su genial debut, pero de factura igualmente impecable.
Origen: Londres.
Periodo: 1979 - 2012.
Stuart Leslie Goddard de nombre real. Estudiamos aquí tanto su corta producción entre 1979 y 1981 como Adam & the Ants y sus discos ya en solitario.
Un buen exponente de la nueva ola británica, sobre todo entre 1979 y 1983.
A partir de 1985 se aleja de la música y se centra en su carrera como actor. Que ya me dirás tú lo que hizo como actor, una docena de pelis para olvidar, pero el muchacho tenía ilusión por dejar su imagen en celuloide, más mortal que inmortal, pero el caso que ahí está, para quien atesore alguna de esas cintas.
Por si a alguien le interesa, consiguió -sin contar con sus papeles de secundario- ser el prota de seis films: Trust me (1989), Sunset heat (1992), Love bites (1993), Desert winds (1994), Cyber bandits (1995) y Drop dead rock (1996). Todos una lástima, pero es lo que tienen las estrellas del rock cuando se meten en estos jardines. Lo mismo le ocurrió a Gene Simmons, a Debbie Harry, a Meat Loaf, a Marilyn Manson y al mismo Elvis, por citar algunos. Aunque no todos los músicos lo hicieron mal. Hay algunos, muy pocos, que pasaron por buenos actores. Es el caso de Frank Sinatra (aunque este va con trampa), Bowie, Miguel Bosé y, sobre todo, el extraño expediente de Tracy Ullman, que a mí me gusta por igual tanto como cantante que como actriz.
Adam vuelve con fuerza en 1995 para presentar el aclamado "Wonderful". Sus últimos trabajos fueron en 2009 y 2012, sin apenas repercusíón.
No obstante, nuestro héroe tuvo momentos estelares como los que señalamos. Bandas ilustres como Elastica, Nine Inch Nails o el mismo Robbie Williams han reconocido su influencia y homenajeado con versiones de sus mejores canciones.
Su carrera musical no fue demasiado longeva, pero aún así tocó con eficiencia varios palillos.
En selección, "Zerox" es un muy buen tema post-punk, mientras que "Desparate but not serious" es claramente new wave y con "Wonderful" se sumerje en la corriente new romantic.
A destacar:
> Place in the country (1982).
> Room at the top (1989).
Origen: Sacramento (USA).
Periodo: 1979 - 2013.
Cuando Erick Purkhiser (Lux Interior) conoció a Kristy Wallace (Poison Ivy) hubo un entrecruce de cables y ambos se pusieron las pilas, no solo se convirtieron en pareja sino que construyeron este proyecto en común. Bonito, por la historia de amor que hay detrás y porque ambos estaban como una regadera.
Algunas voces los tachan de grupo tonto, o payaso. Sin embargo, su producto no es un chiste, es rocanrol esperpéntico, con mucha magia (desordenada, eso sí).
Fueron una banda capaz de hacer música súper caústica y a la vez lanzar al espacio algunas basurillas.
Que alguien me explique el método que utilizaba Lux en muchas de sus presentaciones en vivo para que no se le cayeran al suelo los pantalones, que quedan inexplicablemente al límite de la decencia durante toda la actuación, y eso que el tío no paraba quieto.
A destacar:
> Garbageman (1980).
> Goo Goo Muck - Green fuz - Rockin'bones - The Crusher (1981).
> New kind of kick - She said (1989).
> Super Goo (1997).
> Peter Gunn - She said (2001).
Origen: Nueva York.
Periodo: 1965 - 1971.
Dos hombres y dos mujeres. Una bomba para la época hippie: Uno se enamoró de otro que no era su amante, y al contrario. La gorda se enfada, la otra entra en bucle depresivo. John Phillips, líder, abusando de su propia hija. Intrigas y drogas a tutiplén de por medio. Jipis afectados de LSD sin control, heroína o coca. Y eso que en escena es un grupo comedido de folk rock. Desde luego tanta furia y desatino no quedaba impresa en sus canciones, "remanso de paz". Sí, sí, fíate tú de los mosquitas muertas.
Lanzaron cinco discos y la historia se acabó, sobre todo por las infidelidades y demás problemillas entre ellos, aunque Phillips también la dinamitó con su "particular carácter".
La canción "California dreamin´" supuso su más temprano éxito y queda como su mayor éxito propio. En 1986 The Beach Boys hicieron una buenísima versión.
Curiosidad: Uno de sus temas más conocidos, "Dream a little dream", no es de ellos. Se trata de un tema muy antiguo, compuesto por la Wayne King Orchestra en el lejano 1931.
También perduran las versiones de Doris Day (1957) y la de Louis Armstrong y Ella Fitzgerald (1950), aunque esta que ahora analizamos es la que ha quedado en el imaginario popular, vendiendo un millón de copias en su momento. ¿Nuevas versiones? Hay muchísimas, catalogadas oficialmente más de cincuenta. Quizá la más interesante es la que hizo la actriz Nicole Kidman (que también es cantante) para la serie "The Undoing" en 2020. La adjuntamos como extra porque no le va en ningún modo a la zaga a la de M&P, y si quieres una versión moderna del tema, es esta sin ninguna duda.
A destacar:
> I call your name - I saw her again last night (1966).
> People like us (1971).
Origen: Alicante (España).
Periodo: 2012 - hoy.
En principio aquí solo estudiamos bandas ya extintas o en periodo terminal. Este, esperemos, no sea el caso, pero no he podido resistirme a sumergirme ya en esta fenomenal formación.
Su estilo cabalga entre el punk rock melódico y el power pop directo y sencillo. En su corta carrera (4 discos, 2 EP y un single) ya han sido capaces de construir un buen puñado de grandes temas, todos ellos rondando los dos minutos de excelencia y muchos de ellos hiperpegadizos. Ojo, pues el grupo supura "efecto chicle" (cuando no puedes quitarte de la cabeza una canción).
Su primer disco (2014), editado por Discos Humeantes, de nombre homónimo y con genial portada ya incluye muchos temas atractivos.
En 2015 cambian de discográfica y lanzan un EP por Tigre Discs, que no es de lo mejor que han hecho. Parece que no estuvieron muy conformes con su producción, así que de nuevo cambian de discográfica y en 2017 aparece su segundo disco bajo el sello BCore Discs. Su título: "Su nombre real es otro". Otra vez, a tope de chispa.
Para su tercer disco, "Precipicio", también en 2017, siguen con su buen planteamiento y buen hacer.
En 2020 vuelven a cambiar de discográfica y Humo Internacional edita su último largo, "Sangre".
En sus cuatro discos hasta el momento no han bajado el nivel ni han dado signos del más mínimo desgaste compositivo.
En 2021, Pablo Vergel, otro enamorado de la banda, pero que en realidad es el propietario de Reediciones Anómalas -editorial de libros de misterio- les propuso lanzar un pack (fanzine + EP), denominado "Mano Cortada" que compila cuatro canciones que hablan de sucesos extraños reales. Y no en vano, la selección está hecha con criterio, pues es de lo mejorcito de su producción.
A destacar:
> Maria Orsic - Sangre (2014).
> Sonríes alegre - Parálisis del sueño - Salir de aquí (2017).
> Urgentes - Insectos devorando - Tumba de cristal - Precipicio (2017).
> Armen Beniaminov - Consejo obrero - Matar/Dejar morir (2020).
Origen: Salvador de Bahía (Brasil)
Periodo: 1967 - 2008.
Fallecida el 9 de noviembre, esta reseña también supone nuestro humilde homenaje a esta gran artista.
Se encuentra entre las mejores compositoras de MPB (música popular brasileña), aunque también dominó la bossa nova y la música tropical.
Cantante de voz suave y muy afinada, compuso con su guitarra innumerables y celebrados temas románticos. Posee una discografía enorme que abarca casi cincuenta años de carrera.
Tiene muchos temas destacables, pero vamos a quedarnos solo con un pequeño puñado selecto:
> Folhetim (1978).
> Açai (1981).
> Pegando fogo (1982).
> Futuros amantes (1995).
Origen: Sydney (Australia).
Periodo: 1991 - 2009.
Totalmente desconocida.
A Valeria me la encontré por casualidad. Hace algunos años visioné la película "Poison Ivy" (Katt Shea, 1992). La protagoniza una Drew Barrymore incipiente y me gustaron mucho sus giros retorcidos, amén de que Barrymore está genial a todos los niveles. Una peli que tuvo mucho éxito, tanto como para hacer otras tres secuelas (1995, 1997 y 2008). Ese original visionado fue hace muchos años, pero lo dejé en la recámara hasta que un día me enteré de dichas secuelas. Vale -me dije- es hora de comenzar con Poison Ivy II.
Al comenzar la peli, escucho su banda sonora inicial mientras discurren los créditos y me encandila al momento. Vuelvo hacia atrás y activo Shazam para detectar el tema que suena. Nada. Pongo a funcionar mi segunda opción para casos difíciles, Soundblaster, que rara vez defrauda. Pues nada, negativo. No se sabe la autoría de la canción. Misterio. Me meto a investigar y descubro lo siguiente: Valeria Andrews, con 16 años compuso y escribió junto con Roni Skies varios temas para Poison Ivy II. Más tarde también para otras pelis, como Sister Act II, Moulin Rouge, etc.
En 2001 editó un par de singles. Uno de ellos "Ohh, la, la" con cierta resonancia. Y en 2009 edita su único disco hasta la fecha, llamado "Freshly squeezzed". Busco y rebusco y solo me encuentro con ediciones piratas. Ah, amigo, resulta que el disco jamás fue editado en ningún formato físico, solo existe como descarga digital en iTunes, y Amazon. Casi todos sus temas son buenísimos.
Total: Una artista (que ya quisieran hoy su talento para sí muchas otras figuras paralelas con caché) que no existe ni en CD ni en vinilo, solo pervive en la nube.
Este es nuestro humilde pero sincero homenaje a Valeria, y que los energúmenos que la ningunearon se pudran en el infierno. Amén.
Origen: Texas (USA).
Periodo: (1973 - 1999).
Barry, nacido en una familia desestructurada, vivió su infancia como pandillero y probó la cárcel muy pronto. En el trullo escuchó a Elvis y esto le supuso su salvación, según sus declaraciones.
Comenzó con varias bandas sin ninguna repercusión, para más tarde abordar la escribiduría de canciones hasta que consiguió el sueño de su vida: la creación de una orquesta de nada menos que 40 músicos llamada Love Unlimited Orchestra, a los mandos de su amigo Gene Page, más ducho que él en lo concerniente a dirigir una formación de este calibre. Con ella hizo muchos instrumentales disco, que eran a priori una locura, pues bailar sin cantante no era concebible por su discográfica. Aún así, se empecinó en la empresa y tuvo mucho éxito, que mantuvo durante toda la década de los ´70.
Love Unlimited (trío de chicas, una de ellas se convirtió en su mujer, Glodean James) están consideradas como producciones de Barry. El segundo select (High steppin', hip dressin' fella) pertenece a esta formación, bajo la atenta batuta de White. Que nadie se extrañe que cante una fémina... Esto es una constante en Barry Ltd.
En los ´90 tuvo una segunda edad de oro. La crítica lo definió como el mejor exponente del llamado "sexy soul". Aunque es cierto que sus letras hoy dan cierta grima por su exaltación atribulada del sexo y también por la penosa idea de "sentirse subyugado y marioneta", como si uno no pudiera ser feliz sin tener pareja de cama, una necedad consecutiva en nuestro supuesto rey de "lo romántico".
Visto en perspectiva, casi todo el stock de White resulta añejo y superado. Sin embargo, sus temas instrumentales, exentos de su tara sexual, resultan atractivos y pueden ser inmortales.
En consecuencia, por el peso que tuvo este músico en tiempos, muy premiado, y por su voz única y tan característica, es de justicia que tenga su espacio en Sumudaba.
Una curiosidad sobre este artista: Casi todos los temas por los que se le recuerda fueron concebidos en la primera mitad de los años´70, aunque posteriormene fueron redescubiertos, en parte por nuevas ediciones modernas a cargo de su discográfica. De muchos temas instrumentales en origen, Barry hizo después una versión incorporando su voz. "I'm qualified to satisfy you" -primera selección- es un ejemplo. El tema original instrumental pervivirá, el segundo no, aunque aquí lo incluyamos como simple referencia a sus maravillosas vocales.
En tercera selección tenemos otro temazo a cargo de nuevo por Love Unlimited: "It may be winter outside, (It may be winter outside but in my heart it's spring").
En cuarto lugar, un instrumental muy bueno que siempre ha permanecido como se concibio: "Satin soul".
A destacar:
> Under the influence of love (1973).
> You're the first, the last, my everything (1974).
> You turned my whole world around (1977).
> Your sweetness is my weakness (1978).
> I belong to you (1994).
Origen: UK.
Origen: Nueva York.
Periodo: 1967 - 1970 (+1998), (+2016).
Pioneros de la música electrónica, dúo formado por Simeon Oliver Coxe III, actuando con un oscilador de su invención y el fenomenal baterista Danny Taylor, que utilizaba varias baterías de percusión. Hay que decir que su toque genial ha sido reivindicado recientemente por nuevos grupos de electrónica, pues era capaz de tocar como un fabuloso androide siendo humano. Sí, lo increíble y más reseñable en este grupo de electrónica es la capacidad de Taylor a los tambores.
Editaron dos álbumes de culto: su homónimo en 1968 y "Contact" en 1969.
Volvieron como locos en 1998, sacando a la luz tres proyectos por Whirlybird Records: "Beacon", "Decatur" (una sola pista de experimentación) y "The Garden". Oh, este disco es música aparte. Se trata de grabaciones demenciales de su primera época (1968-1969), con ritmos ídem y atractivo sublime. Está a años luz de lo que se hacía en esos años, incluído el kraut. Los ínclitos ensayaban en los sótanos del "Cafe Wha?", donde a veces bajaba Jimi Hendrix y alucinaba en colores. Es seguro que le inspiró alguna cosilla para su Band of Gypsys.
Recomiendo la audición de "The Garden" al completo para los amantes del delirio baquerista, pues prácticamente todo él es crema, incluso la versión alocada de "Mustang Sally".
Su disco despedida es "Clinging for a dream" (1996), más convencional y por ello más accesible.
Inauguro con este grupo una revisión a fondo de la música electrónica, de la que soy consciente que no es apta para todos los oídos. Es más, detractores hay a miles de este estilo, sobre todo si es muy surrealista, como es el caso.
Para entender profundamente el género me estoy empapando de las dos biblias de Javier Blánquez, que Reservoir Books ha editado (Loops 1, siglo XX) y Loops 2 (siglo XXI).
Ya existen en Sumudaba algunos exponentes: Jarre, Air, Fajerman, Oldfied, pero es necesario abundar en en este estilo hasta introducirnos en la médula de las mejores producciones. Comenzaremos por los pioneros, como es este dúo. E iremos intercalando artículos entre otros estilos, como siempre.
Origen: Barcelona.
Periodo: 1983 + 1987 + 2015.
Ficharon por Belter después de muchas vueltas y editaron su único disco "Rebuznos de amor".
Pero Belter desapareció poco después y acabó la historia.
Lo de 1987 fue traspasar a Los Burros canciones que Quimi había hecho con su grupo Kul de Mandril. Y lo de 2015 fue una remezcla de las maquetas que tenían preparadas para lo que iba a ser su segundo disco.
La crítica ensalzó, de nuevo esta propuesta, pero las ventas una vez más no acompañaron.
El siguiente capítulo es que Quimi y Manolo formaron El último de la fila, que no tiene cabida en Sumudaba, a pesar de su sorprendente éxito.
Manolo García pervirtió sus vocales haciéndose pasar por andaluz: un catalán cantando andaluz. Penoso. Un grupo que solo escuchar su nombre me produce tirria.
El grupo se disolvió porque Quimi Portet estaba harto del asunto idiomático y se pasó al otro extremo: a hacer discos solo cantados en catalán.
Origen: Barcelona.
Periodo: 1981 + 1995
Manolo García, con ese lastimoso nombre vulgar a más no poder, es sin embargo un gran personaje de nuestra música. Comenzó fuerte con este grupo, Los Rápidos, llamado así porque consiguieron un contrato en solo dos meses nada menos que con la discográfica EMI.
Cuando ya tenían la maqueta para lo que sería su segundo disco, EMI les retiró el apoyo por las escasas ventas (aunque la crítica fue muy buena).
Hubo que esperar hasta 1995 para sacarlo a la luz, remasterizado y con alguna sorpresa.
Volvemos atrás, y ya con Quimi Portet inauguraron nueva banda, Los Burros, que será tema para el próximo post.
Origen: Atlanta (USA).
Periodo: 1988 - 2006.
Periodo como solista: 1998.
Davenport ha colaborado con muchísmos artistas, pero se le recuerda por ser la cantante que más discos ha firmado con la fantastica formación The Brand New Heavies (ver post): Sus tres primeros (1990, 92, 94 y volviendo para 2006).
"Old man" es una versión interesante del clásico de Neil Young
Estos temas pertenecen al único disco que ha editado en solitario.
Origen: New York.
Periodo: 1976 - 2017.
Grupo new wave y pop rock. Siempre a los mandos de su icónica cantante, Debbie Harry.
Lograron algunos hits durante su primer periodo, algunos muy desgastados como "Call me", pero siguieron en la brecha hasta 1982, editando cinco discos irregulares hasta su extinción.
En 1980, poco antes de separarse y de sacar al mercado su último fiasco de 1982, inventaron una fantasía de época: "Here´s loooking at you".
Contra todo pronóstico, volvieron en 1999, casi veinte años después, además con energía y alucinante desparpajo, con unas vocales distintas en Debbie, más maduras.
De hecho, creo que Harry empezó a cantar de verdad, con verdadero estilo, a su vuelta. Antes era una voz muy por desarrollar, eso no quita que también tuviera su atractivo ni vamos aquí a postular por la señora Harry. No. La Debbie joven también fue genuina al 100%. Los hechos lo demuestran, sobre todo al escuchar "Atomic".
En 2011 aparece nuevo disco, sin mayores consecuencias, pero en 2014 lanzan un
nuevo trabajo bastante sorprendente (Ghosts of Download), esta vez en onda
completamente pop.
A destacar:
> Heart of glass - Picture this (1978).
> Here´s loooking at you (1982).
> Rave - A rose by any name (2011).
> Make a way 2 (2014).
Origen: Madrid.
Periodo: 1982.
Tengo que reseñar este olvidadísimo grupo, perteneciente a la movida madrileña, tan solo porque mi primo carnal, Oscar Poza, fue su baterista y compositor. Entonces contaba 14 añitos. Tiene mérito.
Solo editaron un buscado EP de cuatro temas por la ínfima discográfica La Rana Records.
En TC existe una copia a la venta por 100 euros. Yo atesoro otra, por supuesto.
Por cierto, aquí ya consta post de otro grupo madrileño: 69 Revoluciones, con mi primo Gabi a la guitarra. Parece que esto de la música lo llevamos en las venas. :)
El 27 de enero de 2018 publicamos una entrada sobre un curioso e importante grupo, llamado Jodo (con un único disco, 1971). Grupo que durante muchos años fue medio fantasma, pero que más tarde se conoció que entre sus componentes estaban nada menos que Ritchie Blackmore y Ian Paice (Deep Purple).
El cantante de aquella antigua formación era un tal Earl Jordan. Y prometimos entonces seguirle la pista. He aquí el resultado:
En 1972 Earl editó bajo el sello Sovereign (subsidiario de EMI) su único LP. De muy buena factura (con portada del ilustre estudio Hipgnosis), del que existen poquísimas copias hábiles, pues jamás se reeditó en ningún formato.
En los créditos no se dice nada de los componentes, igual que ocurrió con el proyecto Green Bullfrog, en el que también participaron con pseudónimos miembros de Purple.
Intuimos que el genial guitarrista de este disco es el músico de estudio Big Jim Sullivan, siempre en la sombra, pero partícipe de muchísimos hits de grandes grupos: Rolling Stones, Johnny Hallyday, Tom Jones, etc. Algunas voces aseveran que el baterista es Ian Paice (al menos en algunos de los cortes). Pero sigue siendo todo un misterio quienes acompañan a Earl. En los créditos no hay ninguna referencia.
Es hora ya de reivindicar esta obra con todos los honores. Joya en la oscuridad.
Origen: Madrid.
Periodo: 1999 - hoy.
Coque se desvinculó de Los Ronaldos, grupo fantástico, de lo mejor del panorama nacional. Eso ocurrió mediados los ´90. Algo incomprensible, pues Ronaldos eran apoteósicos.
En fin , "el chico brasa" a la guitarra quería volar libre. E inició su carrera en solitario con un álbum debut que, en retrospectiva, es lo mejor que ha hecho.
Lo que más me gusta de Coque está en Ronaldos, sin ninguna duda.
En solitario ha adoptado una pose intimista y mística que no me convence, amén de que me parece nefasto ese gusto suyo por rastrear los fraseos, como si estuviera borracho. Parece que lo ha tomado como sello personal, pero resulta de mal gusto.
Ese fraseo cuasi borrachuzo en muchos de sus temas quiere inaugurar una nueva forma de cantar, que no cuaja. Porque lo perezoso vale para el punk, pero Coque no hace punk, intenta lo pasota desde el pop ligero, y esta fórmula solo convence a sus allegados, quizá a un grupo minoritario que guste del imaginario de izquierdas, popularizado por insignes cantautores de los ´70. Pues, hablando en general, esto es lo que intenta Coque: ser una especie de bicho pop moderno pero anclado en los atavismos revolucionarios y de cantautor de ese periodo.
La mayoría de sus canciones son una oda a la pereza; en no pocas ocasiones dan ganas de decir "déjelo ya, por favor".
Pero algo genuino quedó, no obstante.
Hacemos hoy el estudio de este autor, aún vivito y coleando. La creatividad y energía de Coque murió con Los Ronaldos casi al completo. Algo de ello quedó en su primer disco, pero desde entonces va en caída libre y, sinceramente, no creo que a estas fechas pueda de nuevo construir algo que pueda estar en este podio.
Recordemos sus únicas glorias en solitario:
Origen: Toronto (Canadá).
Periodo: 1968 - 1977.
Hablamos solo aquí del grupo original. Hubo reuniones posteriores desde 1983 hasta 1999 pero estas no intereresan para este podio.
Si tienes un equipo hifi de sonido, sube el volumen y comprenderás al instante la inmensidad de esta banda. Para disfrutar de sus gloriosos matices tendrías que hacerlo desde una copia de calidad, vinilo o CD.
En nuestros días es penoso como se degrada todo, pero en lo musical es muy notorio: hoy en general solo se escucha música comprimida en diferentes formatos, pero con la compresión se pierde mucho.
Con The Band se nota de manera apabullante. No tiene nada que ver escuchar un CD o un vinilo suyo que hacerlo desde Youtube. Hay veces que no importa demasiado, pero este no es el caso.
The Band fue una conjunción de musicazos multiinstrumentalistas, que incluso en sus puestas en directo se intercambiaban pianos, guitarras y baterías como si tal cosa, sonando igual de bien. Esto, para los asistentes era un delirio, muy pocas veces visto en la historia musical.
En este sentido es totalmente lícito el nombre: pues realmente eran The Band, capaces de hacer lo que ningún otro.
Casi solamente se les conoce por "The weight", un tema sobrevalorado y demasiado piadoso, resulta ser casi un típico himno de iglesia. Una pena, pues The Band tiene temas fabulosos.
Curiosamente desplegaron todo su mejor hacer en su segundo álbum, denominado genéricamente "The Band", al que pertenecen estos cuatro cortes (séptimo álbum en Sumudaba que recoge las cuatro selecciones máximas de un mismo disco).
Posteriormente, supongo que porque el público que realmente entendía sus elaboradas evoluciones era escaso, transitaron en general hacia una música más sencilla, basada en muchos de sus temas en el rock and roll de los ´50. No solo fue una involución temporal, sino que este grupazo quedó lastrado de por vida. Pena. Desde mi punto de vista les faltó coraje para seguir por el maravilloso camino emprendido en 1969.
No solamente el rock and roll estaba en recesión, sino que por esas fechas el rey indiscutible del género era Elvis -en esos precisos años, además, en su particular esplendor (1970-1973)-, coincidiendo con el intento de The Band de abrirse un hueco ahí.
Fue batalla perdida. El Rey acaparaba el estilo con muchos más fundamentos y medios.
A destacar:
> We can talk (1968).
> The rumor (1970).
> 4% Pantomime (1971).
> (I don´t want to) hang up my rock and roll shoes (versión de Chuck Willis) (1972).
Origen: UK.
Periodo: 1986 - 2002.
Fue una banda casi exclusivamente femenina, excepto su guitarra, Tony Skinner, que no obstante abandonó el puesto en 2000 para ser manager y productor del grupo.
Rockbitch solo tienen oficialmente publicado un álbum, "Motor driven bimbo" (1999) porque su discográfica se negó a hacer lo propio con el segundo, "Psychic Attack" (2002). ¿Y por qué? Pues porque estas lindas muchachas estaban empeñadas en pasarse de la raya en sus directos, tocando en bola picada y teniendo incluso sexo con cualquiera del público que agarrara su "condón de oro", lanzado a la muchedumbre durante el show. Daba igual si era hombre o mujer, al final del concert se lo montaban con el afortunado/a. Hay un documental de ellas en el que dejan patentes sus barrabasadas en vivo.
En su vida cotidiana el grupo vivía en comunidad poliamorosa en un antiguo convento francés y, según decían, podían practicar sexo con cualquier fan que allí se acercara y quisiera de sus favores.
Todo esto hace pensar en muchos otros grupos locos que intentaron cosas parecidas, por ejemplo, Wendy O. Williams o las mismas famosas insurgentes Pussy Riot, incluso yendo mucho más atrás en el tiempo, a Jim Morrison (The Doors) y a The Stooges (Iggy Pop) la poli suspendió alguno de sus conciertos por obscenos.
Lo de Rockbitch va mucho más allá, por ello sus directos fueron prohibidos en muchos países.
Pero cuidado, la banda era buena de verdad, estaban locas de atar pero hacían música de calidad, por eso están aquí y no por sus "fechorías".
"Evelyn" recuerda a Faith no more y "Baby" a cualquiera de los otros proyectos del rey Patton. Pero con personalidad propia.
Antes de ser Rockbitch se hacían llamar Red Abyss (en referencia a la vagina menstruante). Editaron un solo disco bajo este nombre en 1992, orquestado por momentos y con una producción muy cuidada. Hay que lamentar su pesima difusión. Suerte que en 2016 un amable ciudadano subió a YT una copia del disco, hoy absolutamente inencontrable. Este es el enlace:
https://www.youtube.com/watch?v=OQxwLofNcGs
Todos los temas del mismo son interesantes.
Origen: Nueva York.
Periodo: 1977 - 2002.
Su primer disco es una rayada interesante, es como escuchar a un Elvis espasmódico y lleno de tics, con un compi muy enajenado a los mandos de una cutre caja de ritmos. El que cometía los gruñidos se llamaba Alan Vega, y el del sinte infame, Martin Rev.
Las vocales de Alan Vega recuerdan al primer Iggy Pop y su timbre es un híbrido entre Billy Idol y Roy Orbison.
Un dúo de locos que, no obstante, calaron hondo en la escena musical de los ´70 y ´80 en los círculos más underground. Si hay que ponerles una etiqueta musical, sería la de un proto-punk electrónico minimalista con remiscencias rockabilly. Si se les escucha a conciencia el caso es que los tíos molan bastante. También es cierto que debes disponer en tu arsenal auditivo una buena dosis de tolerancia ecléctica, porque si no esto no te va a sonar muy bien.
Ya lo veo venir, muchos listillos dirán a bote pronto que esto que hacía Suicide lo podrían hacer ellos mismos con su órgano Casio. Y yo les diría que no, que ni lo intenten. Tiene personalidad y mucho carácter, amén de contar con un bagaje interesante estilístico de base.
A todas luces, un dúo a recuperar.
A destacar:
> Las Vegas Man - Shadazz (1980).
> Wild in blue - Surrender (1988).
> Universe - Why be blue? (1992).
> Misery train - American mean ( 2002).
Origen: Washington D.C. (USA).
Periodo: 1975 - 1979 / 1999 - 2019.
Descubiertos en un club nocturno por Gene Simmons (Kiss) allá por por 1974. Simmons quedó fascinado por su buen hacer y por sus ropajes totalmente blancos y les enchufó en su disográfica (Casablanca) de inmediato, suponiendo un contrapunto angélico a Kiss, cuya apariencia era más bien demoníaca.
Al mando de la banda, el incombustible guitarrista Punky Meadows.
En su primera época de los ´70 editaron cinco discos de corrido. Destaca su clase y una base rítmica muy sólida. He de decir que me encanta el estilo de su baterista.
En 1999 volvieron con nuevo material, con solo su vocalista original. Y veinte años después lanzaron su último disco, bastante decente en general para los asiduos al sonido AOR, pero lo malo es que solo cuatro gatos recuerdan ya a esta gran banda. De hecho, diría que su "Risen" (2019) es de lo mejorcito que jamás hicieron.
A destacar:
> Broken dreams / Mariner / On & on (1975).
> Mirrors (1976).
> Telephone exchange (1977).
> Got love if you want it (1978).
> So i´ll say goodbye / Set me free (1999).
> Under the gun (2019).
Origen: UK y USA.
Período: 1988 - 1992.
Tin Machine fue un proyecto de David Bowie que, un poco harto de bailar el agua a la discográfica y viendo que las ventas de sus últimos discos iban a menos, quiso hacer algo genuino pasándose directamente al hard rock, y olvidando el pop de su Never let me down (1987).
Ojo, "Never let me down" a mí me parece casi un disco redondo, lo mejor de Bowie en años, con muchos temas atractivos, pero lo cierto es que no tuvo las ventas esperadas y esto propició que nuestro figura iniciara este proyecto.
Bowie, con Tin Machine, pone las cartas sobre la mesa, haciendo gala de su legendario espíritu camaleónico. Y lo cierto es que el experimento salió muy bien. Pero acabó pronto, después de dos discos Bowie retornó a su producción en solitario.
A destacar:
> If there is something (1990).
> Sorry (1990)
Origen: Escocia.
Periodo: 1968 - 2018.
Banda superlativa de hard rock en los ´70.
En determinados territorios no tuvo la difusión que merecían. España fue uno de ellos.
Su "Expect no mercy" (1977) es un alarde. Su sonido está por encima de lo que por entonces hacían AC/DC y KISS. No digo más...
En los ´80 y más allá fueron perdiendo fuelle.
Curiosidad: quizá fueron ellos los que inspiraron el famoso "Another one bites the dust" de Queen. Nos referimos a "Waiting for the man" (perteneciente a un disco llamado "Play´n´the game"). Curioso: Ese disco de Queen se titulaba "The Game" y su primer track "Play the game". ¿Casualidad?
Lo probable: Queen escuchó esto en 1978 y luego lo adaptó, cambiando ligeramente el tempo de la batería para 1980. En mi opinión, es clara la influencia de este tema de Nazareth en la composiciòn del famoso de Queen, solo un año más tarde.
A destacar:
> I Will Not Be Led (1972).
> Woke Up This Morning (1973).
> Beggar's Day- Hair of the Dog (1975).
> Vancouver Shakedown - Down Home Girl (1976).
> Gone dead train - Gimme what's mine - Kentucky fried blues - New York broken toy (1977)
> No Mean City (1978).
> Showdown at the Border - Fast Cars (1980).
> God Save The South (1998).
