Este grupo pertenece a la primera oleada pop madrileña. Liderado por la vocalista argentina María Teresa Campilongo (conocida como Rubí por ser pelirroja), en 1980 ficharon por Fonogram y en abril de 1981 apareció el single "Yo tenía un novio...", que fue un éxito total.
Entre 1982 y 1983 lanzaron dos discos plagados de buenas canciones, bailongas y festivas, pero con el toque vocal sugerente de Rubí, que las hacía diferentes al resto, por su ingenuidad y por su cualidad "fresh".
Rubí volvió en 1988 con otro gran disco, Hay amores que matan, pero ahí terminó toda la aventura. ¡Lástima!
En 2008 hubo un regreso extraño, en solitario, publicando un disco de versiones de una cantante francesa, denominado De la mano de Françoise Hardy.
viernes, 31 de enero de 2014
Pat Travers (Feelin´ Alright) - 1976
Guitarrista y vocalista canadiense.
Este tema pertenece a su primer y glorioso disco homónimo. Trabajo que ofrece una producción impecable y unas composiciones muy atractivas.
A destacar también Magnolia, el rockabilly Hot Rod Lincoln, y Medley, con potentes alardes de Mars Cowling al bajo.
Aunque tiene una extensa discografía, es un ejemplo de cómo en muchas ocasiones la fuerza inicial se va al garete en trabajos ulteriores.
Pero esta es una joya que merece rescatarse.
Este tema pertenece a su primer y glorioso disco homónimo. Trabajo que ofrece una producción impecable y unas composiciones muy atractivas.
A destacar también Magnolia, el rockabilly Hot Rod Lincoln, y Medley, con potentes alardes de Mars Cowling al bajo.
Aunque tiene una extensa discografía, es un ejemplo de cómo en muchas ocasiones la fuerza inicial se va al garete en trabajos ulteriores.
Pero esta es una joya que merece rescatarse.
jueves, 30 de enero de 2014
69 Revoluciones (Para Morderte) - 2009
Origen: Madrid.
Periodo: 2003 - 2015.
Esta banda supura buen hacer por todos sus poros. Quizá aún no los conozcas, y si es así, ¡ya va siendo hora! Su rock and roll setentero e inmortal no se pliega a ninguna ventisca pasajera y sigue fiel la estela de los buenos tiempos, los tiempos que deben recordarse, esos de los que habla este blog precisamente. La música de esta magnífica banda no se pierde en tonterías, va al grano, buscando sin cesar ese feeling hiriente. Sus directos son apabullantes y pocas veces podemos disfrutar de una voz como la de Teo Fernández, un prodigio de vocalista que ya quisieran muchos para sí.
En 69 toca la guitarra y compone mi primo carnal, Gabriel Poza. Vivía en mi misma casa de solo seis vecinos, en el piso de arriba, con lo cual tuvimos mucho contacto. Me siento parcialmente responsable de haberle metido en el cuerpo el gusanillo del rock, sobre todo cuando le pasé ciertos discos que me consta que le impactaron: Love it to death (Alice Cooper), Mama Said (Lenny Kravitz), o "la naranja mecánica" de GodFathers.
Respecto a la música de su grupo, al que apoyé, como es lógico, siempre fui sincero: desde mi punto de vista le falta un punto de locura, de menos seriedad en sus letras, acaparadas en su mayor parte por el cantante, Teo, un tío fenomenal, con unas vocales de escándalo pero que escribe en clave demasiado poética. De hecho, es un filósofo a su manera. Pero ahondar en profundidades está reñido con el rock, pues este estilo está inventado sólo para la diversión del personal.
Hacer poesía y ser rockero a un mismo tiempo está al alcance de muy pocos. Quizá solo del último Elvis. O quizá también en alguna otra cosa, pero es muy difícil. Un rockero sin potencia guitarrera o de watios no es tal, es, como he repetido muchas veces, un poeta con ganas de musicalidad. Otro ejemplo de esto podría ser Leonard Cohen o Joni Mitchell en sus comienzos. Por no citar a Dylan.
Dicho esto, 69 Revoluciones tiene a mi parecer un tema supremo, en el que hace rock de verdad, sin poesía, es un tema crudo, directo, sencillo pero potente, y sin ninguna otra aspiración más que la de divertir, como debe ser.
Periodo: 2003 - 2015.
Esta banda supura buen hacer por todos sus poros. Quizá aún no los conozcas, y si es así, ¡ya va siendo hora! Su rock and roll setentero e inmortal no se pliega a ninguna ventisca pasajera y sigue fiel la estela de los buenos tiempos, los tiempos que deben recordarse, esos de los que habla este blog precisamente. La música de esta magnífica banda no se pierde en tonterías, va al grano, buscando sin cesar ese feeling hiriente. Sus directos son apabullantes y pocas veces podemos disfrutar de una voz como la de Teo Fernández, un prodigio de vocalista que ya quisieran muchos para sí.
Solo dieron cuatro discos para la Historia, aun llevando mil años en la carretera, con diferentes formaciones.
En 69 toca la guitarra y compone mi primo carnal, Gabriel Poza. Vivía en mi misma casa de solo seis vecinos, en el piso de arriba, con lo cual tuvimos mucho contacto. Me siento parcialmente responsable de haberle metido en el cuerpo el gusanillo del rock, sobre todo cuando le pasé ciertos discos que me consta que le impactaron: Love it to death (Alice Cooper), Mama Said (Lenny Kravitz), o "la naranja mecánica" de GodFathers.
Respecto a la música de su grupo, al que apoyé, como es lógico, siempre fui sincero: desde mi punto de vista le falta un punto de locura, de menos seriedad en sus letras, acaparadas en su mayor parte por el cantante, Teo, un tío fenomenal, con unas vocales de escándalo pero que escribe en clave demasiado poética. De hecho, es un filósofo a su manera. Pero ahondar en profundidades está reñido con el rock, pues este estilo está inventado sólo para la diversión del personal.
Hacer poesía y ser rockero a un mismo tiempo está al alcance de muy pocos. Quizá solo del último Elvis. O quizá también en alguna otra cosa, pero es muy difícil. Un rockero sin potencia guitarrera o de watios no es tal, es, como he repetido muchas veces, un poeta con ganas de musicalidad. Otro ejemplo de esto podría ser Leonard Cohen o Joni Mitchell en sus comienzos. Por no citar a Dylan.
Dicho esto, 69 Revoluciones tiene a mi parecer un tema supremo, en el que hace rock de verdad, sin poesía, es un tema crudo, directo, sencillo pero potente, y sin ninguna otra aspiración más que la de divertir, como debe ser.
Corduroy (Money is) - 1992 / (Don´t wait for Monday / Mötorhead) - 1994 / (Fisherman´s wharf) - 1997
Otro increíble grupo festivo y vacilón, máximo exponente del acid jazz. Música de espías y de polis y cacos, al menos en sus dos primeros discos. La lástima es que solo tiene cinco en su haber.
En 1994 hicieron una versión del tema clásico de Mötorhead del que estoy bastante seguro que, cuando Lemmy lo escuchara por primera vez, hasta pasaría de naranja a blanco su combinado destornillador.
Tres álbumes perfectos, más uno diferente aún lleno de calidad (The New You, 1997), y un último (Clik) para el olvido.
Otro proyecto a destacar del lider (Ben Addison, batería y cantante) es "Fab Guiro!, de versiones de The Beatles en clave Corduroy. También muy recomendable.
En 1994 hicieron una versión del tema clásico de Mötorhead del que estoy bastante seguro que, cuando Lemmy lo escuchara por primera vez, hasta pasaría de naranja a blanco su combinado destornillador.
Tres álbumes perfectos, más uno diferente aún lleno de calidad (The New You, 1997), y un último (Clik) para el olvido.
Otro proyecto a destacar del lider (Ben Addison, batería y cantante) es "Fab Guiro!, de versiones de The Beatles en clave Corduroy. También muy recomendable.
domingo, 26 de enero de 2014
Talk Talk (Living in another world) - 1986 / (Happiness is easy) - 1986
Poca gente queda como Mark Hollis, cantante, teclista y compositor de este otrora efímero grupo. Un personaje, que en cuanto tuvo la sartén por el mango (a raíz de los exitazos que consiguió entre 1984 y 1986) se dedicó a hacer lo que le vino en gana con su música, reconvirtiéndola en minimalista a tope y consiguiendo que su discográfica (EMI) se tirara de los pelos por sus temas pocos comerciales. Hubo juicio y toda la pesca, y a raíz de entonces las discográficas incluyen cláusulas para que la música de sus protegidos no les desvirtúen las arcas en demasía.
Si eres un poco talludito, quizá te suene su "Living in another world", con Mark Hollis melena al viento. Este corte pertenece al mejor disco de la banda, Colour of Spring, pero hoy no se acuerda ni Blas de ese grandioso single. Y merece una recuperación.
A partir de aquí, Talk Talk sacó dos únicos discos posteriores, y como digo, enfureció a las discográficas porque, aun siendo valorados bien por la crítica más "estupenda", en mi opinión son experimentos de sonido demasiado intimistas, que pueden agradar a un 0,01% de la población, con lo que volvemos al debate de lo que es una obra de arte. Los estudiosos de esta epistemología sostienen que, para que una producción creativa pueda aspirar a este título, no lo debe marcar una minoría, sino todo lo contrario. O sea, que para que una obra de arte sea tal debe haber suficientes almas al que se les conmuevan las entrañas al contacto con la misma. En la mayoría de los casos el tiempo debe hacer su lenta labor para una correcta y expansiva difusión.
En este caso - ya ha llovido lo suficiente- la música de Talk Talk en sus postrimerías es apta para muy pocos, por lo tanto poco recomendable.
Mark Hollis sacó a la luz en 1998 su único disco en solitario, en donde se le fue la olla definitivamente (hay más silencios que música). Está claro que el sonido Perfecto es el del silencio -en eso estamos contigo querido Mark-, pero para eso es mejor hacerse monje budista. Y, claro, debido a ya los inexistentes aplausos se retiró de la música por siempre jamás.
En fin, perdón por la digresión, pero era necesaria porque es aplicable a cualquier otra entrada de este blog.
Y, sin duda, los dos temas seleccionados merecen estar aquí. Una lástima que no haya muchos más. Seguro que a Mark Hollis no le dio la real gana. Un caso muy curioso de un genio travestido por decisión propia y consciente de lo contrario. A sopesar...
Para el segundo corte - que nunca apareció como single- recomiendo una subida de volumen porque la maravillosa percusión lo merece.
Si eres un poco talludito, quizá te suene su "Living in another world", con Mark Hollis melena al viento. Este corte pertenece al mejor disco de la banda, Colour of Spring, pero hoy no se acuerda ni Blas de ese grandioso single. Y merece una recuperación.
A partir de aquí, Talk Talk sacó dos únicos discos posteriores, y como digo, enfureció a las discográficas porque, aun siendo valorados bien por la crítica más "estupenda", en mi opinión son experimentos de sonido demasiado intimistas, que pueden agradar a un 0,01% de la población, con lo que volvemos al debate de lo que es una obra de arte. Los estudiosos de esta epistemología sostienen que, para que una producción creativa pueda aspirar a este título, no lo debe marcar una minoría, sino todo lo contrario. O sea, que para que una obra de arte sea tal debe haber suficientes almas al que se les conmuevan las entrañas al contacto con la misma. En la mayoría de los casos el tiempo debe hacer su lenta labor para una correcta y expansiva difusión.
En este caso - ya ha llovido lo suficiente- la música de Talk Talk en sus postrimerías es apta para muy pocos, por lo tanto poco recomendable.
Mark Hollis sacó a la luz en 1998 su único disco en solitario, en donde se le fue la olla definitivamente (hay más silencios que música). Está claro que el sonido Perfecto es el del silencio -en eso estamos contigo querido Mark-, pero para eso es mejor hacerse monje budista. Y, claro, debido a ya los inexistentes aplausos se retiró de la música por siempre jamás.
En fin, perdón por la digresión, pero era necesaria porque es aplicable a cualquier otra entrada de este blog.
Y, sin duda, los dos temas seleccionados merecen estar aquí. Una lástima que no haya muchos más. Seguro que a Mark Hollis no le dio la real gana. Un caso muy curioso de un genio travestido por decisión propia y consciente de lo contrario. A sopesar...
Para el segundo corte - que nunca apareció como single- recomiendo una subida de volumen porque la maravillosa percusión lo merece.
sábado, 25 de enero de 2014
Marta Sánchez (Quiero más de ti / Estrellas de fuego) - 1998 / (Soy yo) - 2002 - (Te imagino) - 2007
Una de las mejores voces de nuestro panorama.
Su cuarto trabajo en solitario (Desconocida, 1998) es, sencillamente, una obra maestra.
La mayoría de sus canciones tocan techo.
"Te imagino", impresionante y único tema compuesto por el gran Manuel Alejandro, compositor que ha escrito para los más grandes: Julio Iglesias, Raphael, Rocío Jurado, Isabel Pantoja, Emmanuel y Jeanette, entre otros.
Su cuarto trabajo en solitario (Desconocida, 1998) es, sencillamente, una obra maestra.
La mayoría de sus canciones tocan techo.
"Te imagino", impresionante y único tema compuesto por el gran Manuel Alejandro, compositor que ha escrito para los más grandes: Julio Iglesias, Raphael, Rocío Jurado, Isabel Pantoja, Emmanuel y Jeanette, entre otros.
Los Ronaldos (El Gurú) - 1988 / (Sé dónde estás) - 1987 / (Rompe el suelo) - 1994 / (Saca la lengua) - 1988
Origen: Madrid.
Periodo: 1987 - 1994 + 2007.
Los Ronaldos fue un grupo de rock que tuvo un éxito masivo en sus comienzos. Sus mejores letras están a caballo de la metáfora y de un cuidado surrealismo, y la particular voz de Coque Malla junto a la inmensa guitarra de Luis Martín conforman un estilo muy especial, y a nadie con buen gusto se le escapará la tremenda altura que consiguieron.
En 1992 editaron Cero, un disco diferente, poco entendido por crítica y público pero que a mi me parece excelente.
En 1994 lanzaron su último LP, Idiota, de nuevo poco comprendido por los fans, pues Ronaldos evolucionaba a una velocidad que dejaba atrás en la estela a sus seguidores. Por ejemplo, en este último trabajo incursionan en estilos nuevos. "Rompe el suelo" es un funky soul del que el mismísimo Sly Stone estaría complacido.
Hubo una breve reunión del grupo en 2007 que se saldó con presentación de un EP denominado 4 Canciones, entre las que se incluye el excelente track "No puedo vivir sin ti", que curiosamente con los años se ha convertido en una de sus composiciones más escuchadas.
Todos sus trabajos, menos el tercero (Sabor salado) contienen temas interesantes, pero de entre toda su discografía existe uno (El Guru) que brilla por encima, y no es de los más conocidos.
A destacar:
> Si os vais - Eres fresca - Ana y Choni (1987).
> Lagarto (1988).
> Esperando un milagro - La fábrica del amor (1992).
> Yo detrás - ¿Quién anda ahí? - Idiota . Volveré (1994).
> No puedo vivir sin ti (2007).
Periodo: 1987 - 1994 + 2007.
Los Ronaldos fue un grupo de rock que tuvo un éxito masivo en sus comienzos. Sus mejores letras están a caballo de la metáfora y de un cuidado surrealismo, y la particular voz de Coque Malla junto a la inmensa guitarra de Luis Martín conforman un estilo muy especial, y a nadie con buen gusto se le escapará la tremenda altura que consiguieron.
En 1992 editaron Cero, un disco diferente, poco entendido por crítica y público pero que a mi me parece excelente.
En 1994 lanzaron su último LP, Idiota, de nuevo poco comprendido por los fans, pues Ronaldos evolucionaba a una velocidad que dejaba atrás en la estela a sus seguidores. Por ejemplo, en este último trabajo incursionan en estilos nuevos. "Rompe el suelo" es un funky soul del que el mismísimo Sly Stone estaría complacido.
Hubo una breve reunión del grupo en 2007 que se saldó con presentación de un EP denominado 4 Canciones, entre las que se incluye el excelente track "No puedo vivir sin ti", que curiosamente con los años se ha convertido en una de sus composiciones más escuchadas.
Todos sus trabajos, menos el tercero (Sabor salado) contienen temas interesantes, pero de entre toda su discografía existe uno (El Guru) que brilla por encima, y no es de los más conocidos.
A destacar:
> Si os vais - Eres fresca - Ana y Choni (1987).
> Lagarto (1988).
> Esperando un milagro - La fábrica del amor (1992).
> Yo detrás - ¿Quién anda ahí? - Idiota . Volveré (1994).
> No puedo vivir sin ti (2007).
Ilegales (La casa del misterio) - 1982 / (Drogas duras llenan sepulturas) - 1992 / Dos ruedas y un motor (1995) / Las rosas trepadoras asesinas (2015)
Origen: Gijón (España).
Periodo: 1980 - hoy.
Jorge, aparte, es un tío leído, con unos valores imperturbables que no han cambiado ni un ápice en sus cuarenta años de carrera. Coleccionista de guitarras y de soldaditos de plomo.
Recuerdo cuando me lo encontré en una fiesta vip en un piso de Madrid, allá por 2005. Le dije que en nuestro paronama nacional para mi gusto solo le hizo sombra Carlos Michelini en el primer e inefable de Ramón (1978). Estuvo de acuerdo.
En 1992 lanzaron un trabajo redondo, Regreso al sexo químicamente puro, que no tuvo la aceptación comercial de los anteriores y que inauguró la etapa final de su trayectoria, mucho menos conocida entre el gran público, pero igualmente fantástica. De esa época me quedo sin duda con El Apóstol de la Lujuria, disco igualmente impecable.
Jorge reconvertió su proyecto musical en Jorge y los Magníficos, una suerte de homenaje a las grandes orquestas de baile del pasado, en un intento de recuperar su calidad (hoy defenestrada).
En 2015 volvieron con su proyecto original (atacando de nuevo con Ilegales), firmando un disco que toca todas sus mejores vertientes y en el que destaca cual luminaria en la noche, "Las rosas trepadoras asesinas". Joyita de tomo y lomo.
En 1992 lanzaron un trabajo redondo, Regreso al sexo químicamente puro, que no tuvo la aceptación comercial de los anteriores y que inauguró la etapa final de su trayectoria, mucho menos conocida entre el gran público, pero igualmente fantástica. De esa época me quedo sin duda con El Apóstol de la Lujuria, disco igualmente impecable.
Jorge reconvertió su proyecto musical en Jorge y los Magníficos, una suerte de homenaje a las grandes orquestas de baile del pasado, en un intento de recuperar su calidad (hoy defenestrada).
En 2015 volvieron con su proyecto original (atacando de nuevo con Ilegales), firmando un disco que toca todas sus mejores vertientes y en el que destaca cual luminaria en la noche, "Las rosas trepadoras asesinas". Joyita de tomo y lomo.
En su tercera etapa han sacado hasta la fecha cuatro discazos descomunales: "La vida es fuego" (2015), "Mi vida entre las hormigas" (2017) -un docu con sorpresa, "Rebelíón" (2018) y "La lucha por la vida" (2022), en la que hace duetos con lo más granado de nuestra esfera: Luz Casal, Coque Malla, Loquillo, La Polla Récords, Josele Santiago, Vetusta Morla, M-Clan, Bunbury...
Grande Jorge. Y por siempre.
jueves, 23 de enero de 2014
Ramoncín (Ponte las gafas) - 1978 / (Cheli, regue y rocanrol) - 1979 / (Dos vidas) - 1988 / (En el ojo de un dios) - 1998
Los que desconocéis la historia primigenia del personaje, tenéis que saber que este chalao (porque lo estaba en los ´70, sin duda) era un portento de iniciativa y descaro, a la par que buen hacer. Fue el primero que arrasó con la estética de pintarrajo, basada en los Kiss, New York Dolls, The Adicts, y vete tú a saber cuántas otras influencias maléficas. Fue el primero que se atrevió a dar lo torcido por elegante. ¡Y vaya si lo consiguió con su primer plástico!: "Ramoncín y WC".
La discografía de Ramón consiste en lo siguiente: Un mundo paralelo, podrido y flamante que engloba su álbum debut - al que pertenece "Ponte las Gafas"- (y otros grandísimos temas como El Rey del Pollo Frito, Cómete una Paragüaya, Paga a tu Hombre...) y, luego, aparte, su discografía posterior, mucho más terrenal. Las vocales rasgadas, los gritos vacilones solamente existen en este debut. Solo aquí. Nada más que aquí. Es en este aquiliquá donde Ramoncín es total, único, efervescente, explosivo y auténtico. Y Carlos Michelini a la guitarra esculpe una leyenda.
Más tarde llegarían los éxitos pop-rock, algunos grandes, pero sin llegar nunca a la atmósfera de este maravilloso Sindios.
Aún con todo lo dicho, Raimon tiene destellos posteriores muy interesantes...
Destaco un tema de su segundo trabajo (79), aún con Carlos Michelini a la guitarra (la última colaboración con el grupo de este fantástico guitarrista) y dos temas más de su discografía posterior. Loables.
Ramoncín compone y escribe todas sus canciones, por lo que es músico de porosidad 100%.
Incluyo como colofón un interesante documental de TVE, dirigido por Miguel de Los Santos (1980). Se os pasará en un suspiro. Ramón estaba en plena efervescencia, y se nota.
La discografía de Ramón consiste en lo siguiente: Un mundo paralelo, podrido y flamante que engloba su álbum debut - al que pertenece "Ponte las Gafas"- (y otros grandísimos temas como El Rey del Pollo Frito, Cómete una Paragüaya, Paga a tu Hombre...) y, luego, aparte, su discografía posterior, mucho más terrenal. Las vocales rasgadas, los gritos vacilones solamente existen en este debut. Solo aquí. Nada más que aquí. Es en este aquiliquá donde Ramoncín es total, único, efervescente, explosivo y auténtico. Y Carlos Michelini a la guitarra esculpe una leyenda.
Más tarde llegarían los éxitos pop-rock, algunos grandes, pero sin llegar nunca a la atmósfera de este maravilloso Sindios.
Aún con todo lo dicho, Raimon tiene destellos posteriores muy interesantes...
Destaco un tema de su segundo trabajo (79), aún con Carlos Michelini a la guitarra (la última colaboración con el grupo de este fantástico guitarrista) y dos temas más de su discografía posterior. Loables.
Ramoncín compone y escribe todas sus canciones, por lo que es músico de porosidad 100%.
Incluyo como colofón un interesante documental de TVE, dirigido por Miguel de Los Santos (1980). Se os pasará en un suspiro. Ramón estaba en plena efervescencia, y se nota.
miércoles, 22 de enero de 2014
The B-52´s (Vision of a kiss) - 1992 / (Detour throu your mind) - 1986 / (Queen of Las Vegas) - 1983 / (Channel Z) - 1989
Un grupo sin igual, para la fantasía. Música sofisticada para oídos con desparpajo.
Esta formación de bailables y alegría comenzó su andadura en 1977. Las vocalistas Kate Pierson y Cindy Wilson se unen con la particular voz de Fred Schneider en un experimento explosivo.
Para los fanáticos de este sonido la mala noticia es que son absolutamente únicos, pero al menos nos han legado unos discos increíbles, todos ellos; destacando sobre el resto "Bouncing off the Satellites" (1986), "Cosmic Thing" (1989) y "Good Stuff" (1992).
Después de 16 años volvieron con "Funplex" (2008), con gran resultado.
Su repertorio está plagado de maravillas monstruosas y divertidas.
Esta formación de bailables y alegría comenzó su andadura en 1977. Las vocalistas Kate Pierson y Cindy Wilson se unen con la particular voz de Fred Schneider en un experimento explosivo.
Para los fanáticos de este sonido la mala noticia es que son absolutamente únicos, pero al menos nos han legado unos discos increíbles, todos ellos; destacando sobre el resto "Bouncing off the Satellites" (1986), "Cosmic Thing" (1989) y "Good Stuff" (1992).
Después de 16 años volvieron con "Funplex" (2008), con gran resultado.
Su repertorio está plagado de maravillas monstruosas y divertidas.
Derek and The Dominos (Jam) - 1970
Derek and The Dominos fue un supergrupo de blues rock formado en la primavera de 1970 por el guitarrista y cantante Eric Clapton, el teclista Bobby Whitlock, el bajista Carl Radle y el batería Jim Gordon, que habían participado junto a Clapton en Delaney, Bonnie & Friends.
La banda lanzó tan solo un álbum de estudio, Layla and Other Assorted Love Songs, que contó con el guitarrista Duane Allman de The Allman Brothers Band como invitado. El disco fue extremadamente bien recibido por la crítica, pero las ventas y la radiodifusión fueron más bien escasas. Tanto la crítica como muchos de los seguidores de Clapton sitúan esta época como el momento más álgido de su carrera. No en vano, este disco está considerado como uno de los mejores de la historia del rock.
El disco incluyó aparte una serie de Jams. Tres de ellas son brutales, aquí tenéis una excelente muestra.
La banda lanzó tan solo un álbum de estudio, Layla and Other Assorted Love Songs, que contó con el guitarrista Duane Allman de The Allman Brothers Band como invitado. El disco fue extremadamente bien recibido por la crítica, pero las ventas y la radiodifusión fueron más bien escasas. Tanto la crítica como muchos de los seguidores de Clapton sitúan esta época como el momento más álgido de su carrera. No en vano, este disco está considerado como uno de los mejores de la historia del rock.
El disco incluyó aparte una serie de Jams. Tres de ellas son brutales, aquí tenéis una excelente muestra.
domingo, 19 de enero de 2014
James Brown (Bewildered) - 1972 / (Today) - 1983 / (Hot pants) - 1971 / (Funky president) - 1974
Padrino del soul y del funky. Lo intentó también en el rap con regulares resultados, pero está claro que es uno de los grandes con mayúsculas. Es el "Soul Brother Number One", "Mr. Dynamite", "The Hardest-Working Man in Show Business", "Minister of The New Super-Heavy Funk", y otros tantos apodos por los que se le conoce.
El tema soul "Bewildered" llevaba años en su repertorio, pero tuvo que ser en el directo de Augusta (1972), en el que hizo historia con su Sex Machine, donde supo sacarle definitivamente todo el jugo a esta canción. Entonces quizá quedó eclipsada ante lo mayúsculo del hilo principal, el susodicho Sex Machine, pero quiero recuperarla aquí a toda costa.
El segundo track que he seleccionado es muchiiiiisimo más raro. Nos plantamos ya en el año 1983, en donde nuestro querido amigo estaba en plan experimental a tope. En ese año lanzó un disco curioso cuando menos: "Bring it On", en el que interpretó algunas versiones memorables y un tema instrumental de factura propia a los teclados: "Today", en donde sentó cátedra con este instrumento. Nunca le fue reconocida esta habilidad, pero yo lo quiero hacer sin más dilación.
El reciente film "I feel good" explora toda su trayectoria vital. Un film a degustar, pues el protagonista se pone en el pellejo de James de una manera creíble y muy bien orquestada a todos los niveles. Muy recomendable.
El tema soul "Bewildered" llevaba años en su repertorio, pero tuvo que ser en el directo de Augusta (1972), en el que hizo historia con su Sex Machine, donde supo sacarle definitivamente todo el jugo a esta canción. Entonces quizá quedó eclipsada ante lo mayúsculo del hilo principal, el susodicho Sex Machine, pero quiero recuperarla aquí a toda costa.
El segundo track que he seleccionado es muchiiiiisimo más raro. Nos plantamos ya en el año 1983, en donde nuestro querido amigo estaba en plan experimental a tope. En ese año lanzó un disco curioso cuando menos: "Bring it On", en el que interpretó algunas versiones memorables y un tema instrumental de factura propia a los teclados: "Today", en donde sentó cátedra con este instrumento. Nunca le fue reconocida esta habilidad, pero yo lo quiero hacer sin más dilación.
El reciente film "I feel good" explora toda su trayectoria vital. Un film a degustar, pues el protagonista se pone en el pellejo de James de una manera creíble y muy bien orquestada a todos los niveles. Muy recomendable.
Cousteau (Wish you were here) - 1999
Benditos Cousteau, homenajeando al querido comandante de los fondos marinos... ¡Qué lástima que fueran tan fugaces! El grupo al mando de Liam McKahey merecía más longevidad.
No hay suficientes apelativos para encumbrar a este cantante, que en el siglo XXI siguió la estela -quizá sin conocerlos- de los vocalistas David Byron y John Lawton del Uriah Heep de los ´70.
A pesar de su corta vida (solo 3 discos, 1999-2005) acuñaron una página dorada en la música de estilo... rock?, pop? No. Cousteau es algo más, algo de mucha altura que cabalga entre esas dos maneras de entender la música pero que muy muy pocos han logrado. Imaginemos lo mejor de ambos mundos, hagamos un híbrido, rebajémoslo con mucha clase y démosle un toque de máximo feeling de los maestros Ken Hensley y Brett Anderson (Suede), a la par. Esos son Cousteau.
No hay suficientes apelativos para encumbrar a este cantante, que en el siglo XXI siguió la estela -quizá sin conocerlos- de los vocalistas David Byron y John Lawton del Uriah Heep de los ´70.
A pesar de su corta vida (solo 3 discos, 1999-2005) acuñaron una página dorada en la música de estilo... rock?, pop? No. Cousteau es algo más, algo de mucha altura que cabalga entre esas dos maneras de entender la música pero que muy muy pocos han logrado. Imaginemos lo mejor de ambos mundos, hagamos un híbrido, rebajémoslo con mucha clase y démosle un toque de máximo feeling de los maestros Ken Hensley y Brett Anderson (Suede), a la par. Esos son Cousteau.
Gilbert Montagné (The Fool) - 1971
El gran Gilbert en su superhit del 71. Un exitazo entonces. Pero nunca fue capaz de repetirlo. Un ejemplo de cómo el tiempo se lleva una buena canción, por buena que sea.
Este blog trata justamente de eso, de reivindicar grandes canciones olvidadas. Este es un buen ejemplo.
Este blog trata justamente de eso, de reivindicar grandes canciones olvidadas. Este es un buen ejemplo.
viernes, 17 de enero de 2014
Def Leppard (1) (Let it go) - 1981 / (Stay with me) - 2006 / (Action) - (1993) / Take What You Want (2022)
Origen: UK.
Periodo: 1977 - hoy.
"Hysteria" (1987), inauguró lo que entre los fanáticos llamamos el sonido "NASA", por su perfección adelantada a su tiempo (no en vano se dejaron la piel en su producción durante un montón de meses), pero antes de eso ya habían hecho buena mella con su segundo trabajo (High´n´Dry, 1981).
Este disco, bastante desconocido a nivel general, contiene un sonido rock limpio, sencillo pero muy potente, exento en todas las producciones posteriores. Un álbum a reconsiderar por cualquier amante del primer hard rock moderno.
Luego llegó la apotesis, los coros sin fin, la leyenda... Que volvió a repetirse en el ´99 con "Euphoria".
Más tarde lanzaron un álbum muy destacable de versiones de clásicos (Yeah, 2006), en el que incluyo aquí un cover de The Faces (Rod Stewart), cantada además no por Joe Elliot (voz oficial) sino por uno de los guitarristas (Phil Collen), que tuvo que destrozarse previamente la voz para poder emular la de Rod a base de triquiñuelas de la abuela.
En octubre de 2015 aparece "Def Leppard", en el que exploran de nuevo su característico sonido iniciado en Pyromanía y completado en Hysteria. Joe Elliot declara que el disco se titula como el grupo porque suena simplemente a Def Leppard. Y es cierto.
Más tarde lanzaron un álbum muy destacable de versiones de clásicos (Yeah, 2006), en el que incluyo aquí un cover de The Faces (Rod Stewart), cantada además no por Joe Elliot (voz oficial) sino por uno de los guitarristas (Phil Collen), que tuvo que destrozarse previamente la voz para poder emular la de Rod a base de triquiñuelas de la abuela.
En octubre de 2015 aparece "Def Leppard", en el que exploran de nuevo su característico sonido iniciado en Pyromanía y completado en Hysteria. Joe Elliot declara que el disco se titula como el grupo porque suena simplemente a Def Leppard. Y es cierto.
Siete años después lanzan su duodécima joya, "Diamond star halos", sin defraudar. Porque esta banda nunca lo hace, ese es su valor. De ninguna otra puede decirse lo mismo, después de nada menos que 42 años de carretera.
Exploraremos en una segunda parte lo que ha sido esta banda en cuanto a baladas rock, en las que también fueron inimitables.
Supreme Being Of Leisure (Ghetto) - (Calamity Jane) - 2002
SBL es un grupo de música electrónica / lounge, con solo dos exponentes: la cantante y compositora Geri Soriano-Lightwood y el multinstrumentalista y programador Ramin Sakurai. Entre 2000 y 2002 sacaron dos discos para la historia, sobre todo el segundo, llamado "Divine Operating System", en el que prácticamente todo es de calidad máxima.
En 2008 volvieron con "11i", muy inferior.
vv
En 2008 volvieron con "11i", muy inferior.
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Fine Young Cannibals - FYC (I´m not the man i used to be) - 1988
Fantástico grupo de la segunda mitad de los 80, pero que fue visto y no visto.
Dos únicos discos y dos núneros uno, She drives me crazy y Good thing, pertenecientes al álbum "The raw and the cooked".
Mi selección no es ninguno de ellos. Esta es para mí su máxima maravilla.
Dos únicos discos y dos núneros uno, She drives me crazy y Good thing, pertenecientes al álbum "The raw and the cooked".
Mi selección no es ninguno de ellos. Esta es para mí su máxima maravilla.
Nikka Costa (Can´t please everybody) - 2008 / (On and On) - 2005 / (Chase the thrill) - Nylons in a rip (2011)
Ay, ay, ay, ¿Qué fue de ese "On my own" que le dio el éxito cuando era una niñita cantando junto a su padre?
Apadrinada nada menos que por Frank Sinatra, a finales de los 90 encontró su camino sirviéndose de su depurada modulación de registros de voz.
En los últimos años es un magnífico exponente de la moderna y mejor música soul.
Un lujo y un privilegio verla en directo. Hoy por hoy, para disfrutar de Nikka en vivo (algo impagable) existe un solo DVD (Live in the Roxy, 2005) por el que los coleccionistas se pegan de tortas porque se hicieron muy pocas copias -1000 solamente- (por supuesto, yo tengo una de esas copias originales, ¿qué os pensábais?) y la experiencia es brutal.
En el primer tema "On&On", escrito por Lenny Kravitz podemos deleitarnos a placer de una Nikka que emula por momentos a Janis Joplin... pero que su puesta en escena dejaría lívida a la diva del rock. Y a muchas otras divas y no divas. Nikka se sale en estas selecciones. Madre, madre, madre mía!! Que dios nos coja confesaos!
Atención al segundo tema ¨Can´t please everybody¨, (perteneciente a su Peabble to a Pearl, 2008).
Si la memoria no me falla, pudiera ser lo mejor en este estilo en al menos 20 años. Y no estoy exagerando. ¡¡Una delicia!!
En 2011 lanzó un trabajo para descubrirse, las dos últimas selecciones son de este "Pro Whoa".
Apadrinada nada menos que por Frank Sinatra, a finales de los 90 encontró su camino sirviéndose de su depurada modulación de registros de voz.
En los últimos años es un magnífico exponente de la moderna y mejor música soul.
Un lujo y un privilegio verla en directo. Hoy por hoy, para disfrutar de Nikka en vivo (algo impagable) existe un solo DVD (Live in the Roxy, 2005) por el que los coleccionistas se pegan de tortas porque se hicieron muy pocas copias -1000 solamente- (por supuesto, yo tengo una de esas copias originales, ¿qué os pensábais?) y la experiencia es brutal.
En el primer tema "On&On", escrito por Lenny Kravitz podemos deleitarnos a placer de una Nikka que emula por momentos a Janis Joplin... pero que su puesta en escena dejaría lívida a la diva del rock. Y a muchas otras divas y no divas. Nikka se sale en estas selecciones. Madre, madre, madre mía!! Que dios nos coja confesaos!
Atención al segundo tema ¨Can´t please everybody¨, (perteneciente a su Peabble to a Pearl, 2008).
Si la memoria no me falla, pudiera ser lo mejor en este estilo en al menos 20 años. Y no estoy exagerando. ¡¡Una delicia!!
En 2011 lanzó un trabajo para descubrirse, las dos últimas selecciones son de este "Pro Whoa".
jueves, 9 de enero de 2014
Kiss (Is that you, Naked City) - 1980 / (Rocket Ride) - 1977 / (Not for the innocent) - 1983
En los 70 construyeron la leyenda del rock´n´roll potente junto a AC/DC y entre 1974 y 1978 cosecharon seis discos apabullantes. Luego vino su apotéosico Alive II y después un disco experimental, "Dinasty", en el 79.
En 1980 dieron a luz "Unmasked". Los fans acérrimos al sonido Kiss clásico no lo entendieron muy bien puesto que se trataba de un álbum pop. El imprescindible disco poprock para cualquier amante del género, el único del grupo de esta guisa. Pero hay algo importante en este disco (del que el extracto es solo un ejemplo, porque todo él es magnífico): el sonido, la producción de este Unmasked llevada a cabo por Vini Poncia. "Sonido Unmasked", lo llamo, con un tinte de disgusto, porque sigo buscándolo en cualquier otro disco sin encontrarlo. Unicamente como "precuela" existe en el corte que abre el primer trabajo de Gene Simmons en solitario (1978): "Radioactive".
Dentro de su segundo disco directo (Alive II - 1977) incluyeron 5 temazos de estudio - todo un EP-. Una maravilla que habitualmente queda desapercibida para fans y críticos. Bien es cierto que en cuatro de los cinco es Bob Kulick la guitarra solista aunque no apareciera en los créditos (ya por entonces Ace Frehley tenía serios problemas con el alcohol). Pero a pesar de todo, selecciono el único tema de estudio de esos cinco, firmado, compuesto, tocado y cantado por Frehley. Fantástico aún en su vorágine alcohólica.
Después del Alive II el grupo fabricó algunas otras joyas, como el olvidado y extraño álbum conceptual "The Elder" (1981), en el que Frehley firmó sólo un tema (Dark Light). Más allá de eso desapareció de Kiss, aunque figurara fantasmalmente en todos los créditos del siguiente disco (Creatures of the Night, 1982).
Cuando sobrevino la reuníón de los miembros originales en 1996, a colación del esperado "Psycho Circus", Ace sentenció su último y único gran tema en Kiss (Into the Void). Lo mejor del disco, por cierto.
En 1980 dieron a luz "Unmasked". Los fans acérrimos al sonido Kiss clásico no lo entendieron muy bien puesto que se trataba de un álbum pop. El imprescindible disco poprock para cualquier amante del género, el único del grupo de esta guisa. Pero hay algo importante en este disco (del que el extracto es solo un ejemplo, porque todo él es magnífico): el sonido, la producción de este Unmasked llevada a cabo por Vini Poncia. "Sonido Unmasked", lo llamo, con un tinte de disgusto, porque sigo buscándolo en cualquier otro disco sin encontrarlo. Unicamente como "precuela" existe en el corte que abre el primer trabajo de Gene Simmons en solitario (1978): "Radioactive".
Dentro de su segundo disco directo (Alive II - 1977) incluyeron 5 temazos de estudio - todo un EP-. Una maravilla que habitualmente queda desapercibida para fans y críticos. Bien es cierto que en cuatro de los cinco es Bob Kulick la guitarra solista aunque no apareciera en los créditos (ya por entonces Ace Frehley tenía serios problemas con el alcohol). Pero a pesar de todo, selecciono el único tema de estudio de esos cinco, firmado, compuesto, tocado y cantado por Frehley. Fantástico aún en su vorágine alcohólica.
Después del Alive II el grupo fabricó algunas otras joyas, como el olvidado y extraño álbum conceptual "The Elder" (1981), en el que Frehley firmó sólo un tema (Dark Light). Más allá de eso desapareció de Kiss, aunque figurara fantasmalmente en todos los créditos del siguiente disco (Creatures of the Night, 1982).
Cuando sobrevino la reuníón de los miembros originales en 1996, a colación del esperado "Psycho Circus", Ace sentenció su último y único gran tema en Kiss (Into the Void). Lo mejor del disco, por cierto.
Doro Pesch (Hoffnung) / (Chained) - 2002 / Only You (2004)
Grande entre las grandes, la cantante alemana, líder de Warlock, tiene muchas perlas diseminadas a lo largo de su ya extensa carrera. Sigue en la brecha y hay que agradecérselo porque su trayectoria nos salpica de un buen hacer constante.
El álbum FIGHT es una maravilla al completo.
En 2004 hizo este buenísimo cover del "Only you" de Kiss.
Lenny Kravitz (Dig in) - 2001 / (Everything) - 2011 / (Let love rule) - 1989 / (The Chamber) . 2015
Origen: USA.
Periodo: 1989 - hoy.
En el caso de "Dig in" lo logró perfectamente. Esa batería suena a los primeros y grandiosos Kiss, al Rock and roll all nite... pero Lenny consigue hacer suyo de nuevo ese sonido hard rock setentero.
Su album debut (1989) es impresionante: "Let love rule", "I build this garden for us", "Mr. Cab driver" y "Empty hands" auguran lo que estaba por venir, y ya solamente estos 4 temas primigenios pueden poner en el podio a este figura.
Luego llegó "Mama Said" (1991), otro disco redondo, en el que encontramos joyas como "Always on the run" y el aclamado "It ain´t over ´til it´s over". Una oda al mejor sonido ´70 (en sus varios estilos predominantes), una maravilla en la que no quiero incidir aquí, pues no en vano es el tema más reconocido de Lenny, y todos lo sabemos. Una joya absoluta.
En 2004 lanza "Flash", secuela del sonido de ese Kiss primigenio que tanto le gusta y tanto nos gusta.
En 2008 vemos un "Love Revolution", semilla del muy buen disco posterior, aunque muy desigual, del que destaca el homenaje autobiográfico y al funky de los ´70 "Black and White America". Aunque me quedo con "Everything", una salvajada estratosférica. Lo mejor de Lenny en escala hard rock.
De su trabajo de 2015 destaco "Sex", aparte de The Chamber, en selección.
Bryan Ferry (Let´s stick together) - 1976 / / Funny how time slips away (1974) / (Alphaville) - (No face, no name, no number (2010)
Siempre elegante y sugerente. El dandy del rock, por encima incluso de Bowie, y ya es decir.
Grande su álbum Let´s stick together, del que anoto su tema homónimo. Destacar también de este trabajo "Casanova", 100% Ferry.
De su Boys and Girls, (1985), el tema "Don´t stop the dance".
Para otro post queda su grupo Roxy Music, imprescindible en la década de los 70.
En 1974 se marcó un rocanrol muy particular, en selección.
De su Frantic (2002), hay que subrayar "Fool for Love".
Con su trabajo Olympia (2010) llega a una madurez muy interesante, sobre todo en los dos temas seleccionados.
Grande su álbum Let´s stick together, del que anoto su tema homónimo. Destacar también de este trabajo "Casanova", 100% Ferry.
De su Boys and Girls, (1985), el tema "Don´t stop the dance".
Para otro post queda su grupo Roxy Music, imprescindible en la década de los 70.
En 1974 se marcó un rocanrol muy particular, en selección.
De su Frantic (2002), hay que subrayar "Fool for Love".
Con su trabajo Olympia (2010) llega a una madurez muy interesante, sobre todo en los dos temas seleccionados.
Them (How long baby) - 1966 / If you and i could be as two - I Like It Like That - I´m gonna dress in black (1965)
Them... el grupo de Van Morrison antes de pasarse a lobo solitario. Con él sacaron solo dos discos, pero no deberían faltar en ninguna discoteca que se precie. Entonces Morrison irradiaba una energía que no logró mostrar en todo su esplendor con posterioridad.
Escuchar a Morrison en Them es un delirio, ya quisieran muchos grupos "del futuro" transmitir esa potencia vocal, esa locura contenida. Para mi, Them transmite más vibraciones potentes que muchos grupos "locos" de aquél más allá aún no escrito.
En equivalente nivel que sus contemporáneos The Animals... y ya es decir. Aunque si tuviera que elegir entre ambos...
Escuchar a Morrison en Them es un delirio, ya quisieran muchos grupos "del futuro" transmitir esa potencia vocal, esa locura contenida. Para mi, Them transmite más vibraciones potentes que muchos grupos "locos" de aquél más allá aún no escrito.
En equivalente nivel que sus contemporáneos The Animals... y ya es decir. Aunque si tuviera que elegir entre ambos...
Earth Wind & Fire (This world today) - 1971 / (That´s the way of the world) - 1974 / (Star) - 1979 / (In time) - 1980
Maurice White y Philip Bailey en su salsa. That´s the way of the world, el temazo de este grupo, la obra inmortal de una banda inconmensurable. En la selección, en vivo. Pero sin olvidar el medio tiempo original. Un placer para cualquier oído que se precie.
En el concierto en Oakland de 1980 puede apreciarse el desarrollo de sus directos de entonces, ¡¡Catorce negros haciendo música con mayúsculas!!
Pero atención a una de sus primeras composiciones (This world today, 1971), en donde ya dejaban instaurada su inmensa calidad.
En "Star" podemos valorar las increíbles vocales en falsete de Philip Bailey.
En 1980 editan "Faces", del que hay que destacar también "Take it to the sky". Pero a partir de aquí EWF volvieron la chaqueta hacia música construida por sintes, muy lucrativa a priori por lo que suponía de eliminación de activos musicales, pero que con el tiempo quedó demostrado ser una lacra, que lastró lastimosamente a toda una serie de grupazos orquestales, que dejaron de serlo por la irrupción de la tecnología digital.
En el concierto en Oakland de 1980 puede apreciarse el desarrollo de sus directos de entonces, ¡¡Catorce negros haciendo música con mayúsculas!!
Pero atención a una de sus primeras composiciones (This world today, 1971), en donde ya dejaban instaurada su inmensa calidad.
En "Star" podemos valorar las increíbles vocales en falsete de Philip Bailey.
En 1980 editan "Faces", del que hay que destacar también "Take it to the sky". Pero a partir de aquí EWF volvieron la chaqueta hacia música construida por sintes, muy lucrativa a priori por lo que suponía de eliminación de activos musicales, pero que con el tiempo quedó demostrado ser una lacra, que lastró lastimosamente a toda una serie de grupazos orquestales, que dejaron de serlo por la irrupción de la tecnología digital.
Bigelf (Another) Nervous Breakdown) - 2000 / (Falling bombs) - 2003 - (Change) - 2001 / / (Money, its pure evil) - 2008
Origen: Los Angeles (USA).
Periodo: 1991 - 2014.
Actualizando este post, a 2024 siguen sin publicar nada nuevo, por lo que lo doy por extinguido.
Damon Fox, frontman de la banda, consigue encumbrarse como un tenebroso mesías de su música, una mezcla que parecía imposible: unificar los sonidos de The Beatles y de Black Sabbath. Pero el resultado es épico.
Damon Fox, frontman de la banda, consigue encumbrarse como un tenebroso mesías de su música, una mezcla que parecía imposible: unificar los sonidos de The Beatles y de Black Sabbath. Pero el resultado es épico.
Banda de culto desde sus comienzos.
A destacar "Money Machine", "Side Effects" y "Mindhender" (2000).
También "In the void" (2001).
A destacar "Money Machine", "Side Effects" y "Mindhender" (2000).
También "In the void" (2001).
miércoles, 8 de enero de 2014
Lucifer´s Friend (Alpenrosen) - 1970 / (Foxy lady) - 1980 / (You touched me with your heart) - 1994 / (High Flying Lady) - 1974
Origen: Alemania.
Periodo: 1970 - 1981 (+1994).
Junto al magnífico vocalista inglés John Lawton, editaron discos para la Historia, como el mismo homónimo (1970), "Banquet" (1974), o "Snake Me In" (1980).
En 1994 tuvieron una fugaz reunión, cristalizada en el disco Sumogrip, que, como todos los demás, tiene un altísimo valor musical pero escasa aceptación comercial. Un ejemplo más de cómo se puede hacer música al más alto nivel y, al menos a día de hoy, ser solo música conocida por mucha menos gente de la que este impresionante grupo se merece.
Atención a "Alpenrosen" y a la maravilla "High Flying Lady". ¡Una embolia de placer!
lunes, 6 de enero de 2014
David Bowie (Life on Mars) - 1971 / (Zeroes) - 1987 / (I´m Deranged) - 1997 / Try some, buy some (2003)
"I´m Deranged" condensa uno de los Bowie que más me gusta: misterioso, moderno y supurando feeling. Curiosamente no pertenece a ninguno de sus discos sino que se trata de la banda sonora que hizo para la peli "Carretera Perdida" de David Lynch. Bowie acertó de pleno, ya que escuchando el tema mientras salen los créditos es la mejor manera de sumergirte en la atmósfera de la película.
En la década de los 70 Bowie hizo algunas maravillas, no demasiadas, según mi opinión, pero "Life on Mars" brilla por encima de todas. Además cuenta con un clip tan genial que es simplemente extraterreste. De lo mejor nunca visto.
En 1987 vio la luz "Never let me down", un disco con temas muy interesantes, como "Beat of your drum", "Glass spider" y "Too Dizzy", del que destaco un corte cuasi perfecto, Bowie 100%.
"Try Some, Buy Some", del álbum Reality (2003). Se trata de una muy buena versión de George Harrison (The Beatles), que la compuso originalmente en 1971.
En la década de los 70 Bowie hizo algunas maravillas, no demasiadas, según mi opinión, pero "Life on Mars" brilla por encima de todas. Además cuenta con un clip tan genial que es simplemente extraterreste. De lo mejor nunca visto.
En 1987 vio la luz "Never let me down", un disco con temas muy interesantes, como "Beat of your drum", "Glass spider" y "Too Dizzy", del que destaco un corte cuasi perfecto, Bowie 100%.
"Try Some, Buy Some", del álbum Reality (2003). Se trata de una muy buena versión de George Harrison (The Beatles), que la compuso originalmente en 1971.
Uriah Heep (Wonderworld) - 1974 / (Beautiful Dream) 1975 / (Firefly) - (1976) / (Chasing Shadows) - 1982)
El supergrupo Uriah Heep se encontraba en 1974 en sus postrimerías, casi al borde del abismo, o eso al menos decían los críticos. Nada más lejos. Ken Hensley, del que oiréis mucho más aquí, líder del grupo, compuso "Wonderworld", acallando cualquier rumor. Un par de años más tarde Uriah Heep quedó consolidado en el "top ten" de los grupos de rock de la década de los setenta.
Mucho antes de eso, debo destacar álbumes gloriosos como "Look at yourself" (1971), entre los que se encuentra la joya en la oscuridad What should be done y, por supuesto, los trabajos "Demons and Wizards" (1972), "The Magician´s Birthday (1972) y "Sweet Freedom" (1973), en los que todo es crema.
Su álbum "Return to Fantasy" (1975) es uno de mis discos predilectos, lo tiene todo, un sonido espectacular y unas canciones en apoteosis creativa. No obstante, antes de abandonar el barco, mi querido David Byron prestó sus vocales en su último gran disco con el grupo, "High and Mighty" (1976), del que destacaría el potente corte inicial One way or another, pero además Weep in silence, Midnight y Can´t stop singing.
Una vez que que Byron abandonara el grupo por error garrafal que le costó prácticamente su carrera (resumiendo mucho, modelo alemana + demasiado alcohol) ocupó su lugar John Lawton (Lucifer´s Friend), el cual instituyó tres buenísimos LPs clásicos, de los que quiero resaltar los temas Firefly (en selección, con vocales de Ken Hensley, ojo), Wise man (1976); y One more night y What´ya say (1978).
Después de una severa reestructuración, con nuevo frontman (Peter Goalby), en 1982 apareció "Abominog", con portada de infarto y un sonido tan moderno y pletórico que pareciera el trabajo de otro grupo. Disco enorme que relanzó de nuevo a los Uriah a una nueva juventud y éxito.
Espectacular On the Rebound (cover de Russ Ballard), Chasing Shadows (en selección), That´s the way that it is (cover de Paul Bliss) y Running all night with the lion (cover de Gary Farr). Es cierto que en el disco hay nada menos que cinco covers, pero eso no es óbice para restar su innegable atractivo.
Al año siguiente apareció "Head First" en la misma línea, del que subrayo The other side of midnight y Red Lights.
Desde 1986 se ha hecho con las vocales Bernie Shaw y han seguido sacando discos de buena calidad hasta la fecha, aunque está claro que desde la partida en 1980 del alma de la banda, el genio Ken Hensley, las composiciones nunca desde entonces han conseguido ese toque, sabor mágico y de increíble feeling de las que las dotaba el bueno de Hensley.
Mucho antes de eso, debo destacar álbumes gloriosos como "Look at yourself" (1971), entre los que se encuentra la joya en la oscuridad What should be done y, por supuesto, los trabajos "Demons and Wizards" (1972), "The Magician´s Birthday (1972) y "Sweet Freedom" (1973), en los que todo es crema.
Su álbum "Return to Fantasy" (1975) es uno de mis discos predilectos, lo tiene todo, un sonido espectacular y unas canciones en apoteosis creativa. No obstante, antes de abandonar el barco, mi querido David Byron prestó sus vocales en su último gran disco con el grupo, "High and Mighty" (1976), del que destacaría el potente corte inicial One way or another, pero además Weep in silence, Midnight y Can´t stop singing.
Una vez que que Byron abandonara el grupo por error garrafal que le costó prácticamente su carrera (resumiendo mucho, modelo alemana + demasiado alcohol) ocupó su lugar John Lawton (Lucifer´s Friend), el cual instituyó tres buenísimos LPs clásicos, de los que quiero resaltar los temas Firefly (en selección, con vocales de Ken Hensley, ojo), Wise man (1976); y One more night y What´ya say (1978).
Después de una severa reestructuración, con nuevo frontman (Peter Goalby), en 1982 apareció "Abominog", con portada de infarto y un sonido tan moderno y pletórico que pareciera el trabajo de otro grupo. Disco enorme que relanzó de nuevo a los Uriah a una nueva juventud y éxito.
Espectacular On the Rebound (cover de Russ Ballard), Chasing Shadows (en selección), That´s the way that it is (cover de Paul Bliss) y Running all night with the lion (cover de Gary Farr). Es cierto que en el disco hay nada menos que cinco covers, pero eso no es óbice para restar su innegable atractivo.
Al año siguiente apareció "Head First" en la misma línea, del que subrayo The other side of midnight y Red Lights.
Desde 1986 se ha hecho con las vocales Bernie Shaw y han seguido sacando discos de buena calidad hasta la fecha, aunque está claro que desde la partida en 1980 del alma de la banda, el genio Ken Hensley, las composiciones nunca desde entonces han conseguido ese toque, sabor mágico y de increíble feeling de las que las dotaba el bueno de Hensley.
Boney M (Sunny) - 1976
Bobby Hebb escribió esta canción en 1963. El tema sonaba al más puro soul. Fue un éxito total en su tiempo. Tanto es así que todos los grandes del género se pelearon por hacerla suya.
En 1976, el grupo recién estrenado Boney M, sacó su propia versión estilo disco, y fue la locura. Rectifico: la relocura. Lo sigue siendo. Para mi entender una de las reinterpretaciones más geniales, si no la mejor; no sólo porque se trata de Boney M (palabras mayores) sino porque estoy absolutamente seguro de que nadie ha sabido reconvertir una melodía soul original -como era la de Bobby Hebb- en un temazo tan afortunadamente funky, dance, bailable y genial como este Sunny de Boney M en 1976. Ni siquiera el remix que hicieron en el 2000 pudo hacer sombra a esta maravilla entre maravillas del espacio musical.
order="0" height="315" src="//www.youtube.com/embed/dhudMc0jfsc" width="420">
En 1976, el grupo recién estrenado Boney M, sacó su propia versión estilo disco, y fue la locura. Rectifico: la relocura. Lo sigue siendo. Para mi entender una de las reinterpretaciones más geniales, si no la mejor; no sólo porque se trata de Boney M (palabras mayores) sino porque estoy absolutamente seguro de que nadie ha sabido reconvertir una melodía soul original -como era la de Bobby Hebb- en un temazo tan afortunadamente funky, dance, bailable y genial como este Sunny de Boney M en 1976. Ni siquiera el remix que hicieron en el 2000 pudo hacer sombra a esta maravilla entre maravillas del espacio musical.
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viernes, 3 de enero de 2014
Badfinger (Hold on) - 1981 / (I can´t take it) - 1970 / (I´m in love) - 1968 / (Sympathy) - 1979
Badfinger es la historia de un supergrupo y al mismo tiempo la historia de un drama.
La discográfica de The Beatles, Apple Records, les fichó a finales de los ´60. Eran el reemplazo ideal para Lennon y compañía. A principios de los ´70 sacaron varios álbumes perfectos, y cuando digo perfectos, es eso mismito. Pero su manager resultó ser un personaje deleznable que acabó con las esperanzas e ilusiones de esta magnífica banda, terminando a la postre con el suicidio por ahorcamiento de los dos principales líderes. Os recomiendo leer en wikipedia la historia negra de este fantástico grupo, que nos ha legado canciones impagables.
En 1968, cuando aún se llamaban The Yveys, lanzaron un muy buen disco, lleno de temas atractivos, del que selecciono "I´m in love", por el paralelismo mencionado con The Beatles. A destacar también "Dear Angie" y un tema curioso de guitarra prefunk: "Think about the good times".
En 1970 dieron a luz "No Dice", su obra maestra, del que podemos mencionar varios temas: los multiversioneados "Without you" y "No matter what", así como "Better Days", "Believe me" y "Mean mean Jemima".
Como veréis, ya sin su líder, tanto en 1979 como en su último disco del ´81, encontramos composiciones sobresalientes, prueba de que este grupo era una genialidad en su conjunto.
La discográfica de The Beatles, Apple Records, les fichó a finales de los ´60. Eran el reemplazo ideal para Lennon y compañía. A principios de los ´70 sacaron varios álbumes perfectos, y cuando digo perfectos, es eso mismito. Pero su manager resultó ser un personaje deleznable que acabó con las esperanzas e ilusiones de esta magnífica banda, terminando a la postre con el suicidio por ahorcamiento de los dos principales líderes. Os recomiendo leer en wikipedia la historia negra de este fantástico grupo, que nos ha legado canciones impagables.
En 1968, cuando aún se llamaban The Yveys, lanzaron un muy buen disco, lleno de temas atractivos, del que selecciono "I´m in love", por el paralelismo mencionado con The Beatles. A destacar también "Dear Angie" y un tema curioso de guitarra prefunk: "Think about the good times".
En 1970 dieron a luz "No Dice", su obra maestra, del que podemos mencionar varios temas: los multiversioneados "Without you" y "No matter what", así como "Better Days", "Believe me" y "Mean mean Jemima".
Como veréis, ya sin su líder, tanto en 1979 como en su último disco del ´81, encontramos composiciones sobresalientes, prueba de que este grupo era una genialidad en su conjunto.
jueves, 2 de enero de 2014
Eric Carmen (All by myself) - 1974 / Valeria Lynch (Olvídame) - 1977
Eric Carmen, líder de los Raspberries entre 1970 y 1974, lanzó su primer disco en solitario en 1975. En se incluía este single. El disco vendió más de un millón de copias y permaneció tres semanas en el segundo puesto de la lista Billboard.
En 1976, el cantante argentino Miguel Tottis hizo una versión cambiando completamente la letra y llamando al tema "Olvídame". En 1977, la también cantante argentina Valeria Lynch sacó al mercado su primer disco. En el incluyó una versión de la de Miguel Tottis, respetando más la música original de Eric Carmen, pero con su voz superó a la de Tottis.
El tema original de Eric Carmen también fue versioneado más adelante por Celine Dion, en inglés y en español ("Sola otra vez").
En 1976, el cantante argentino Miguel Tottis hizo una versión cambiando completamente la letra y llamando al tema "Olvídame". En 1977, la también cantante argentina Valeria Lynch sacó al mercado su primer disco. En el incluyó una versión de la de Miguel Tottis, respetando más la música original de Eric Carmen, pero con su voz superó a la de Tottis.
El tema original de Eric Carmen también fue versioneado más adelante por Celine Dion, en inglés y en español ("Sola otra vez").
miércoles, 1 de enero de 2014
Elton & John Lennon (Whatever Gets You Thru The Night) - 1974
"Whatever Gets You Thru The Night" fue la única canción de John Lennon que alcanzó el número uno en las listas de singles de Billboard durante la vida del músico ("(Just Like) Starting Over" llegaría a la misma posición en 1981 de una forma póstuma). Este suceso ocurrió por una única semana el 16 de noviembre de 1974.
Lennon fue el último ex-miembro de The Beatles en lograr un número uno en solitario en Estados Unidos.
Durante las sesiones en el estudio, Elton John apostó que el tema llegaría a lo más alto de las listas ante el escepticismo mostrado por Lennon, desafiándole a aparecer en un concierto si ganaba la apuesta. Cuando el sencillo consiguió el número uno, Lennon aparecería por última vez en el concierto de Elton John ofrecido en el Madison Square Garden el 28 de noviembre de 1974.
Lennon fue el último ex-miembro de The Beatles en lograr un número uno en solitario en Estados Unidos.
Durante las sesiones en el estudio, Elton John apostó que el tema llegaría a lo más alto de las listas ante el escepticismo mostrado por Lennon, desafiándole a aparecer en un concierto si ganaba la apuesta. Cuando el sencillo consiguió el número uno, Lennon aparecería por última vez en el concierto de Elton John ofrecido en el Madison Square Garden el 28 de noviembre de 1974.
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