Iniciada en el flamenco y en la copla andaluza por sus raíces, en los años 80 y 90 construyó algunas canciones melódicas para el recuerdo (la mayoría escritas por el gran compositor José Luis Perales). Perales tuvo sus más y sus menos como cantautor, pero como compositor era un astro. Una de sus muchas pruebas las encontramos en estos delicados temas hechos a medida para la Pantoja. Crema fina.
A destacar:
> Déjame (1985).
> Buenos días tristeza. - Déjame descansar en ti (1989).
Fue contratado como baterista con solo diecinueve años por la mítica banda Genesis. Ya por entonces hacía sus pinitos como actor, vertiente que continuó hasta completar una decena de películas, no siendo este, ni mucho menos, su fuerte.
En 1975 le llegó su gran momento, al convertirse en vocalista principal tras la partida de Peter Gabriel, hasta entonces, líder absoluto de Genesis. Anteriormente ya había sido la voz principal en dos temas de la etapa Gabriel: "For absent friends" (1971) y "More fool me" (1973).
Con Genesis inauguró una buena segunda etapa (hay post > Genesis 2), en la que, para mi gusto, no le va muy a la zaga a la inicial de Gabriel. Los primeros dos discos fueron tras el rebufo de Peter, pero a partir de 1978 fue cogiendo consistencia un estilo nuevo, que fue igualmente genuino hasta 1983, fecha a partir de la cual Genesis entró en recesión.
Collins se aventuró, aún inmerso en Genesis, a sacar su primer álbum en solitario en 1981. Le fue muy bien de cara a ventas, aunque su propuesta era claramente inferior. Y así fue su posterior devenir: gran éxito y composiciones que palidecían o enrojecían frente a las de Genesis.
Dicho esto y tras estudiar atentamente su discografía de ocho discos en solitario debo reconocer que no creía que iba a encontrar nada reseñable para estar aquí. Pero el genio de Collins no iba a desaparecer de la noche a la mañana, así que finalmente sí hay algo.
Hay que decir que estos dos temas en selección, aún habiendo hecho galones para estar aquí, no le llegan ni a la suela a lo que Phil Collins hizo en sus mejores composiciones con Genesis. Aunque también hay que reconocer que lo de Genesis en su esplendor es inusitado, pocas formaciones la igualan y, ninguna en su particular estilo durante todos los años ´70. ¿Decís Yes? Eso era otra cosa, pues, a pesar de estar enmarcados ambos grupos en el rock progresivo, no tenían nada que ver.
En los primeros ´80 los tres álbumes iniciales de Marillion, con Fish como frontman (hay post) continuaron la estela del mejor Genesis, pero nadie más, que yo sepa, ha podido medirse de tú a tú con ellos.
A destacar:
> Easy lover (1984) - Con Philip Bailey de EWF (compuesta por Bailey).
Grupo formado por Nacho García Vega (de ahí el nombre de Nacha), al que muy pronto se unió su primo carnal, Antonio.
Tuvieron suerte desde sus inicios, pues con "Chica de ayer" alcanzaron cimas de éxito apabullantes, tema del que se han hecho innumerables versiones.
No es una formación que me haga mucho tilín, sobre todo por el estilo vocal y compositivo de Antonio Vega, demasiado tristón. De hecho, nunca comprendí como esta clase de música tan depresiva llegara a tanta gente.
Nos gusta mucho más el espíritu festivo de Nacho, aunque tuvo un peso relativo en el grupo, eclipsado por esas famosas canciones de Antonio.
Nacha Pop se disolvió oficialmente en 1988.
La carrera en solitario de Nacho García es muy interesante, aunque solamente cuente con dos discos hasta hoy. La abordaremos en el siguiente artículo.
En 2007 se reúnen de nuevo, girando por el país. Y en 2009 comienzan a componer nuevo material, pero el proyecto se trunca con la muerte de Antonio Vega, lastrado por largos años de excesos.
El disco por fin ve la luz en 2017, treinta años después de su último trabajo de estudio. El tema con el que abre, "Cerrado por dentro" es de lo mejor que hizo nunca Nacha Pop.
A destacar:
> Vidas agridulces - Agárrate a mi (1983).
> Déjate ver ya - No me olvido - Nuevo plan - Con tal de regresar (1985).
Hablamos del elfo Ronnie James Dio.
Desde sus inicios fue siempre genial, sus discos en ELF en los 70 lo demuestran.
No en vano, Ritchie Blackmore, guitarra y lider de Deep Purple lo reclutó para su proyecto Rainbow. Proyecto en que presta su arte vocal en los tres primeros discos de la banda.
¿Por qué no continuó Dio en Rainbow?
Ah, queridos, no fue Sabbath el que le atrajo como piensan muchos, aún no. Entonces Dio estaba pletórico en Rainbow pero Blackmore, un ya conocido perfeccionista, quería que el grupo tomara un estilo diferente en linea a lo que hacía por entonces Journey o Foreigner. Pero Dio no estaba por seguir esa labor y se despidió.
Blackmore es un guitarrista estupendo pero nunca tuvo la osadía de sobrevolar los tiempos, esa es la cruda verdad. En eso era muy conservador. Por ello se quedó sin Dio y sin tantos otros artistas que estuvieron a su vera. Los cambiaba como cromos porque como líder pocas veces tuvo visión de futuro, enrolado hasta la saciedad en su batalla sin fin contra las nuevas hegemonías.
En realidad, Blackmore en sus comienzos (muy al principio) iba por delante de sus competidores, pero más tarde siempre fue por detrás.
Luego tenemos a otro elemento en liza, Ozzy Osbourne. No dejó Sabbath como también casi todo el mundo cree, no, fue despedido por Iommi. Se pasaba con las drogas, cosa que también hacían los demás pero no al nivel tan estratosférico de Ozzy.
Entró en depresión, pero tuvo la inmensa suerte de tener un caballo blanco, Sharon Arden, hija del propietario de Jet Records, que le convenció para iniciar su carrera en solitario y a la postre se convirtió en su mujer.
Ronnie James formó a su vez parte contratante de Black Sabbath. Construyó con ellos un álbum para la Historia, "Heaven & Hell" (1980), del que ya hemos hablado en repetidas ocasiones por ser un monumento al heavy rock. (ver post Heaven and Hell).
En 1983 Dio decide seguir en solitario.
Comenzó muy fuerte con su álbum debut, Holy Diver y con el siguiente, The last in line. A la guitarra un joven Vivian Campbell, que más tarde se convirtió en pieza fundamental de Def Leppard.
Nos regaló diez discos de estudio, el último en 2004.
A destacar:
> Stand up and shout - Don't talk to strangers - Gypsy (1983).
> Evil eyes - Egypt (the chains are on) - Mystery (1984).
Mucha Sade radiada tuvo que tragarse el personal entre finales de los 80 y principios de los 90.
Al parecer, el culmen del buen gusto que a todo el mundo encandilaba.
Vendió millones de discos con su voz susurrante y se tiró poco después a la tumbona. De hecho, su producción solo consta de cuatro trabajos entre 1984 y 1992. Hizo bien en dejarnos en paz. Y seguro que si yo hubiera estado en su piel hubiera hecho lo mismo. Pues estas decisiones son loables, uno debe andar con mesura cuando ha ganado mucho vendiendo "tulipanes" (al igual que aquella Tulip Fever acaecida en los Paises Bajos del s. XVII).
Ocho años después hizo otro disco, y diez años más tarde, en 2010, el último. Ambos para olvidar.
Bueno, en realidad es casi todo para olvidar, porque Sade no es más que una señorita que cantaba en susurros con voz cascada. Eso sí, su presentación era muy efectiva: una bella mulata que vestía como una princesa y se hacía acompañar de buena instrumentación.
La supuesta diva tituló su cuarto álbum "Love Deluxe".
¿Qué narices puede significar?
A lo mejor quiere decir que el amor es un lujo.
Pero eso es imposible de facto. Hay millones de tortolitos por ahí en su mundo de enamorados (ver post de Céline Dion).
Pienso que ese "Love Deluxe" significa otra cosa. ¿Música idónea para prostíbulos de lujo? Podría ser. Aunque yo más bien creo que Sade intenta decir que su música es algo superior, música para élites.
Los elitistas suelen ser fanfarrones, como Sade. Y un fanfarrón es alguien que dice mucho cuando en realidad no dice nada. Todo ese pretendido lujo se queda en agua de borrajas cuando se analiza su cantar: falto de chispa, plano y aburrido (perfecto para una siesta).
Algunos señalados tracks de Sade estaban bien construidos, pero el logro no es vocal.
Traemos aquí dos temas instrumentales muy buenos y únicamente uno en el que canta Sade, quizá su mejor presencia, y además no hace falta más pues con este War of the Hearts queda dicho ya todo en cuanto a su estilo como vocalista.
A la mayoría se la coló bien colada. Es otro ejemplo de cómo las endiabladas malas artes de una discográfica pueden hacer milagros, llevando en volandas un producto "de envoltorio".
Origen: Palma de Mallorca (España).
Periodo: 1969 - hoy.
Importante intérprete y estudiosa de la música popular de las islas Baleares.
Comenzó genial en su primer disco, en el que podemos apreciar unas modulaciones de voz muy interesantes y con clase.
A pesar de cantar en un dialecto minoritario como es el mallorquín, durante su primer tercio de carrera tuvo gran aceptación nacional.
Es lamentable que esta gran intérprete no hiciera ningún disco en castellano. De hecho no podremos encontrar ni un solo tema en castellano (ni siquiera en inglés), tal era su amor por la cultura balear.
Y hablamos de una amplia discografía de más de una treintena de discos.
Ni siquiera existe -que yo sepa- ninguna entrevista en el idioma oficial de su país. Esto es, obviamente, subversivo.
Podríamos decir sencillamente que su larga carrera y sus éxitos son un aval, pero aquí nunca hablamos en esos términos tan vulgares. Esos parámetros -larga carrera y éxitos- no significan nada. De hecho, hay muchos que se han quedado sin podio. Aquí perseguimos algo que no está a priori en paralelo con el éxito ni con una vida artística extensa. Puede que sí, pero puede que no. No hay correlación.
Las dos primeras selecciones son de su primer disco. Muy buen disco. El enlace youtube contiene el LP al completo (merece la pena su escucha). Para ir a "Fora d'es sembrat" es fácil, pues es el primer tema y para audicionar "Dóna'm sa mà" hay que situarse en el minuto 22.30.
A destacar:
> No trobaràs la mar - Enamorat i al·lota (1969).
> Em dius que el nostre amor - Cançó del bon amor (1971).
> Vigila el mar (1974).
> Les Illes - Allenar (1977).
> Cada dia tinc manies - Jim (1979).
> El cant de la Sibil·la (1979).
> Bir demet yasemen - Carta a un amic (1985).
> Ja n'hi a prou - Epigrama (1989).
> Nit màgica - nikta magika (1993).
> Leylim Ley (1995).
Phenomena fue una banda bastante desconocida, que resultó una síntesis de lo que en tiempos hizo Asia, pero llevando un poco más allá los esquemas, con aderezos y mezcolanzas rock progresivo y AOR.
No en vano entre sus miembros se encuentran músicos tan ilustres como Mel Galley, John Wetton. Glenn Hughes, Scott Gorham, Brian May y Cozy Powell.
Ahí es nada. Y de hecho, a nuestro parecer, Phenomena tiene todos los tintes de una superbanda en sus comienzos.
Pero también es cierto que no podemos traer aquí nada más allá de su primer trabajo.
Esta primera descarga conlleva un par de temas que es necesario recuperar.
Tras sus dos primeros discos experimentales, en 1974 lanzaron Phenomenon, para el que contaron con la joven promesa alemana Michael Schenker, procedente de los aún desconocidos Scorpions.
Con el grabaron sus mejores trabajos, destacando como una luz en la noche Force it (1975).
Tanto Phenomenon como Force it cuentan con portadas a cargo del prestigioso estudio Hipgnosis.
Como curiosidad, siempre consideré el arte de la portada de Phenomenon como una de las mejores de la historia, de hecho realicé una ampliación en vinilo de 1.25×1.25 metros que aún conservo con deleite. Ese color saturado y la composición tan extraña lo merecían.
Después de un pequeño bache editaron Lights out en 1977, disco igualmente inmenso. Probablemente su tema homónimo es lo más energético hard rock que hizo UFO. Una maravilla desde donde se mire.
Pero como suele ocurrir, lo bueno dura poco, y UFO entró en la típica dinámica de pelea de egos entre el vocalista e indiscutible líder y la ya consagrada estrella a la guitarra.
Schenker grabó un disco de estudio más (Obsession, 1978) y tuvo el acierto de aparecer, ya fuera oficialmente del grupo -de hecho volvió por esas fechas a Scorpions para grabar Lovedrive-, en el directo Strangers in the night (1979) considerado como uno de los discos en vivo más importantes de la historia del rock.
Poco después, Michael Schenker formó su propia banda, MSG.
Aprovechando la tesitura, comentaré de corrido para los fans del blog nuestro particular ranking de los diez mejores directos hard rock de los setenta o aledaños, a saber:
- AC/DC: If you want blood, you´ve got it (1978). Algo sobrenatural e insuperable.
- DEEP PURPLE: Made in Japan (1972). Clásico imprescindible.
- JUDAS PRIEST: Unleashed in the East (1979). Tan perfecto en su sonido que hubo hasta voces que denunciaron que no había podido ser grabado en vivo.
- WHITESNAKE: Live... in the heart of the city (1980).
- KISS: Alive II (1978).
- UFO: Strangers in the night (1979).
- MÖTORHEAD: No sleep til´Hammersmith (1981).
- MSG: One night of Budokan (1982).
- OZZY OSBOURNE: Speak of the devil (1982-83). Interpretando magistralmente temas de su etapa en Black Sabbath.
- SCORPIONS: Tokyo Tapes (1978). A la guitarra aún el carismático y especial elemento Uli Roth.
Estas grabaciones están aquí porque supusieron un plus, una interpretación de los temas de estudio que dejó a todos ellos a un nivel superior.
Podeis apreciar que quedan fuera muchísimos directos de los ´70 de bandas míticas como Black Sabbath, Alice Cooper, Led Zeppelin, The Who, Ramones, y tantísimos otros. En vivo no consiguieron grabar ningún disco que estuviera al menos a la par en calidad que sus trabajos de estudio.
Después de este paréntesis, volvemos a UFO, del que poco hay que decir más allá de lo que ya hemos contado.
Solamente destacar el buen LP Misdemeanor de 1985 (con magnífica portada, por cierto, otra de mis favoritas).
En 1995 Phil Mogg consiguió reunir por momentos a la crema de la formación original, incluido Michael Schenker, pero sin glorias destacables, y no duró demasiado.
El grupo sigue en activo hoy día, siendo Phil Mogg el único miembro original que permanece incólume.
A destacar:
> Lipstick traces - Too young to know (1974).
> Shoot, shoot - Let it roll (1975).
> Highway lady (1976).
> Too hot to handle - Love to love (1977).
> Only you can rock me (1978).
> Gone in the night (1980).
> Blue - Wreckless - Night run (1985).
Dúo formado por Curt Smith y Roland Orzabal.
Tears for Fears ¿Qué significado tiene este nombre? La banda lo eligió en honor de un libro de autoayuda, escrito por el psicólogo americano Arthur Janov, en concreto por un capítulo llamado Prisioneros del dolor.
Se iniciaron en la new wave, firmando un tema tan importante como "Shout", su mayor éxito.
Editaron seis discos de estudio, el último en 2004.
En mi opinión "Cold" es lo mejor que jamás construyó este grupo -por delante incluso de "Shout"-. Como suele ocurrir, no es muy conocido.
Curiosamente y por primera vez en el blog, este grupo tiene varias selecciones dispersas entre su producción cubriendo el cupo de los 4 temas máximos, aunque no podemos destacar nada más. Sin embargo esto significa que Tears for Fears colocó en casi cada uno de sus trabajos una joya. Muchos no pueden decir ni la mitad de la mitad.
Grupo británico liderado por Annie Lennox y Dave A. Stewart.
Nacieron en 1980 de las cenizas de The Catch y de The Tourists. Con esta última formación editaron tres discos interesantes.
Editaron ocho disco de estudio entre 1981 y 1989, más uno diez años después cuando Lennox ya llevaba tiempo en soliario.
Annie Lennox es un portento en cuanto a los premios que atesora, estudiaremos su carrera en solitario en el próximo post. Una mujer muy interesante, domina varios instrumentos: teclado, guitarra, acordeón y el mediaval salterio, precursor del clavicordio; aunque es claro que su voz contralto es su mejor tesoro.
El disco más completo de Eurythmics es Be yourself tonight (1985), en el que se encuentra su más preciada perla, "There must be an angel", una canción que ha resistido el transcurrir del tiempo y que se sigue y seguirá radiándose. Pero este trabajo también contiene otras muy buenas composiciones.
A destacar:
> She´s invisible now - Your time will come (1981)
> Would i lie to you - Sisters are doin´it for themselves (1985)
> You hurt me (and i hate you) - Sylvia (1989)
> Anything but strong (1999)
Una banda soñada por los Hados.
Originarios de Escocia, Simple Minds nacíó en 1977 en Glasgow.
La mayoría de su producción busca el éxito comercial y se han perdido en innumerables ocasiones por derroteros que no expresan de verdad el meollo de lo que son. Porque el intento final de este grupo es la inefable búsqueda de un aura especial, que lograron en algunas pocas ocasiones y solo por ello se merecen un podio en esta singular tribuna.
El gran legado de Simple Minds se condensa en esas pocas composiciones que realmente alcanzaron ese objetivo supremo: poner la piel de gallina, y hacerlo de manera muy elegante, con un sonido marcadamente moderno, utilizando su impecable producción y técnica en algunos deslumbres para los que solo se me ocurre el adjetivo de maravilla.
U2 nos dio a conocer ese particular aura, junto con INXS y Def Leppard, entre otros. ¿Y qué es el aura? -preguntaréis. Algo que siempre persiguió esta formación con mayor o menor fortuna. Pero es un hecho que lo logró. Para conocerlo, solo dale al play.
Comencemos por el instrumental de 1981, Theme for great cities, en el que ya están presentes los ingredientes mágicos.
A destacar:
> Film theme (1979)
> Room (1980)
> Somebody up there likes you (1983)
> Ghost dancing (1985)
> Real life - See the lights (1991)
> Hypnotised - Night music - Great leap forward (1995)
> War babies - Superman V Supersoul (1998)
> Face in the sun (2002)
> Jeweller (2005)
> This is it (2009)
> Imagination (2014)
The Style Council fue un experimento de Paul Weller, lider del prestigioso grupo mod, The Jam.
Weller, atávico y moderno a la par, decidió con excelente criterio (como el que siempre ha tenido) dar por zanjada su etapa en The Jam y abrir, junto al teclista Mick Talbot, una nueva página musical que estuvo funcionando entre 1983 y 1989.
The Style Council consiste en la evolución "made in Weller" de las nuevas tendencias, no en vano
fueron precursores del acid jazz por nacer.
Los fans de The Jam no lo entendieron. Pero el grupo consiguió abrirse al gran público sin perder demasiado el norte en el proceso.
Ya como Paul Weller en solitario, está sin duda entre los más grandes (ver post), pero en el interludio The Style Council fue una mirada valiente y arriesgada a lo desconocido.
Existen dos momentos muy inspirados que merecen este podio. Solamente dos.
A destacar:
> Long hot summer (1983)
> You´re the best thing (1984)
Javier Andreu & Co.
Un proyecto basado en trasladar el pop nacional hacia el universo de pistoleros del oeste americano, sus trifulcas y sus idiosincrasias.
Estuvo bien, fue no solo atractivo sino inspirador, a la gente le gustó la propuesta.
Tuvieron un debut espectacular en 1985 con su disco homónimo. Y siguieron con su buena estela hasta 1991.
Desde mi punto de vista, La Frontera es incluso más interesante en general cuando se pone a hacer baladas, en las que Javier Andreu brilla como un compositor e intérprete excepcional.
Perdieron el norte después de 1991, recuperándolo brevemente en 2003 con Tu Revolución.
Pero La Frontera nunca volvió a ser lo mismo más allá de sus Palabras de Fuego (1991) que, por cierto, es el disco más maduro de la banda.
A destacar:
> La Frontera (1985)
> Cuatro rosas estación (1985)
> Mi destino (1987)
> El límite (1989)
> Lluvia (1989)
> La Verdad (1989)
> Tiempo para respirar (1991)
> La puerta de los sueños (1991)
> Tu revolución (2003)
> Una noche más (2003)
Compositor polaco (1932-2013) de exquisita sensibilidad.
Nos legó piezas de música clásica memorables, pero sobre todo será recordado por su sentido estilo a la hora de construir bandas sonoras de films (también casi todos a recordar).
Su fuerte siempre fue su minimalismo marcadamante romántico y de un feeling sobrenatural.
Muy notorias y premiadas fueron sus composiciones para directores de cine, figuras tan enormes como Kieslowski, Polanski, Wajda, Zanussi o Coppola.
Grande Ewa Malas en Godlewska-muzyka.
Si estáis por escuchar estas cuatro sublimes selecciones y sois de espíritu hipersensible, os aconsejo pañuelo a mano.
A destacar:
> Bilans kwartalny (1974)
> Szepty i izy (2000)
> Chateau Sant Martin (1999)
Banda de Nueva York, fundada en 1980 por el guitarrista Rudi Protrudi.
Siempre anonadados por lo macabro, los monstruos y el terror de serie B.
En sus mejores momentos recuerdan a un inusitado híbrido entre el primigenio Alice Cooper y The Doors.
Su sonido garage fue colmadamente sucio en sus inicios. Luego continuó siendo colmadamente sucio, pero un poco menos. Y así, enfangados hasta el cuello nos sobrevienen nada menos que sus seis primeros trabajos.
Obviando el inpirado She´s wicked de su álbum debut y estudiando con paciencia infinita su discografía, creí por un momento que todo el esfuerzo había sido inútil y que de The Fuzztones era imposible sonsacar casi nada en limpio. ¿Solo ese tema de 1985?
Pero, en fin, palada tras palada, cavando sin cesar en cementerios podridos, encontramos en su "Braindrops" (1991) el segundo hueso con carne. Pero, ¡oh! es una versión de The Music Machine (The people in me, 1967). Vaya.
Seguimos. Y por fin en 1992 un tema a destacar, aunque no lanzaremos fuegos fatuos por el momento. Se trata de Cellar dweller.
Y no es hasta 2004, después de otros tres discos, que ya podemos decir que The Fuzztones aprendieron a hacer música atractiva no solo para zombies. Impresionante evolución, y en ello tiene mucho que ver la incorporación de la teclista alemana Lana Loveland.
En su trabajo de 2011 encontramos otras dos joyas, pero no existen en youtube. Son Set me straight y Lust pavillion. Ya nadie se acuerda de estos desgraciados...pero deberían... no vaya a ser que salga Jay Hawkins (amigo y colaborador) de su tumba e importune con alguno de sus maléficos hechizos.
En 2020 lanzan "NYC", del que hay que destacar su primer corte, precisamente de nombre "New York, New York".
Esta segunda parte se ocupa de la etapa new wave de Keith Warren & Co.
Comprende los discos Smart Alex (1985) y Fifth Overture (1986). Periodo efímero pero digno de resaltarse.
Después de esta onda, se tomaron un descanso y reflexionaron volver a su sonido original punk-rock.
Desde 1992 hasta la actualidad han editado cinco álbumes intentando recuperar ese su gran momento de 1981, sin conseguirlo de manera tan fresca e interesante.
A destacar también de su Fifth Overture:
- Put yourself in my hands.
- She´s a rocker.
- Beauty sleep.
El artista que más discos ha vendido de todos los tiempos se merece un podio. Por supuesto.
Algunas buenas composiciones siempre serán recordadas: Quijote, Abrázame, Lo mejor de tu vida, De niña a mujer, Nathalie, Ni te tengo ni te olvido, Tropecé de nuevo con la misma piedra... y tantas otras.
Una curiosidad: el clip de Me olvidé de vivir acapara a día de hoy la importantísima cifra de veinte millones de visualizaciones, cuando la media de los vídeos de Julio están por debajo del millón.
Me quedo sin embargo con su última época, en la que, en base a sus crecientes medios, ha podido disfrutar de un equipo a todos los niveles que muy pocos pueden ni siquiera soñar.
Banda británica punk atípica, ya que supo incorporar a su repertorio muy diversos estilos, como el ska, el rockabilly, rock e incluso reagge.
The Clash nacieron en 1976 y se disolvieron en 1986. Diez años que dieron para siete discos de estudio, entre los cuales deslumbra su London Calling (1979), un disco de escucha imprescindible.
Cierto es que el grupo tiene tontunas infantiloides, como evidentemente tiene cualquier grupo punk.
El punk es encabritamiento, incombustible edad del pavo, incorformismo y nihilismo. El punk es todo esto, quizá, además, aderezado con dosis de buen hacer musical como es el caso, pero en su meollo es rebeldía sin complejos, vómito gutural. Una escupidera.
Punk son The Vibrators (ver post), son Sex Pistols, son The Adicts y también podrían ser Ramones, aunque menos. El punk escupe, Ramones consiente y aboga por la actitud, que no es lo mismo.
The Clash es punk politizado y de denuncia. Cuando se ponen, incluso lo hacen con mucha clase. ¿Y cómo se come eso? Con The Clash. Efectivamente una clase al respecto.
En cuanto a la selección de temas, este grupo es de esas raras excepciones en las que todo el mundo está de acuerdo. Así que aquí poco queda por descubrir o por reivindicar. Todo lo bueno hace mucho que ya fue vendido y bien vendido.
Había pensado obviar su tema London Calling porque es sobradamente conocido (y el blog no está para potenciar canciones así), pero se da la paradoja de que no puedo hacerlo. Este pedazo de canción es parte gestáltica de esta banda. Si un neófito futuro se acerca a The Clash debe y tiene que conocer este tema, pues en caso contrario se perdería uno de sus grandes puntales y la visión sería incompleta. Como suele ocurrir, las obras de verdad imponentes siempre se suelen contar con los dedos de una mano.
Me reservo una sola sorpresa, emplazada en su arrinconado último trabajo, Cut the Crap (1985). Este disco fue un corta/pega de sesiones, incorporando músicos de estudio, con la propia banda desintegrándose mientras se iban gestando piezas encajadas a la fuerza y de mala manera. De hecho Joe Strummer disolvió el grupo antes de que Cut the Crap viera la luz.
A destacar:
- Janie Jones (1977)
- Police and thieves (1977)
- Gate of the west (1977)
- Spanish bombs (1979)
- The right profile (1979)
- Death or glory (1979)
- Clampdown (1979)
- Train in vain (1979)
- The magnificient seven (1980)
Banda legendaria y perdida, grupazo psicódélico de Rhode Island, con grandes músicos en su haber.
Liderada por un loco maravilloso llamado Eric Stumpo.
El grupo toma su nombre de la peli sci-fi de serie B. Y esto nos da una pista.
Tienen un florilegio de discos interesante desde que comenzaron en 1979. Un poco viejunos, nada menos que quince plásticos para ser exactos. Y plásticos son la mayoría de ellos, pues Plan 9 es de la vieja escuela y suelen publicar casi todo en vinilo.
Hay que tomarse en serio a estos tipos, aunque solo sea por su espectacular trabajo de 1985, llamado "Keep your cool and read the rules".
Por encima de cualquiera de sus anteriores y posteriores experimentos, aunque (Sea Hunt, 1987) es también interesante.
Hablamos de Gordon Matthew Thomas Sumner, llamado Sting porque de jovencito se puso una camiseta de rayas amarillas y negras para un concierto y alguien le dijo que se parecía a una abeja. Y desde entonces el ínclito adoptó el mote de Aguijón (Sting, en inglés).
Este personaje nunca fue santo de mi devoción, he de dejarlo claro. Me dan igual sus beatas intenciones pues de lo que aquí estamos hablando es de música, solo de música. Y musicalmente hablando, Sting tiene una voz particular, sí, pero con muchas carencias como ya dije en el post sobre The Police, su primer grupo antes de volar en solitario.
Sting es un músico que en general cae muy bien y entra a priori con buenas vibraciones. El tío es un cabalista en estas lides y está claro que su buen rollo consigue hacer magia en la gente.
Pero yo no soy la gente. A mí este sujeto no puede engañarme ni con su mejor embrujo ni con su mejor sonrisa... aunque no en vano tiene nada menos que la tercera posición en mi particular ránking de sonrisas magnéticas, detrás, claro, de la de nuestro querido Miguel Bosé, puntuado con 9 en la escala Nicholson. El primer lugar es, como podréis adivinar, para Jack, en honor del cual inauguré esta medición.
Sting es un felizonte de manual. ¿Y qué significa eso -os preguntaréis-? Bien hecho, porque la definición de felizonte no la podréis encontrar en ningún lado. El ente felizonte tiene muchas aplicaciones, pero en el caso musical que nos ocupa, se refiere al que hace huevos de oro por doquier, engatusando al personal con florituras varias, muchas de ellas de puro marketing e imagen, pero el resultado de fondo está claramente sobrevalorado.
Y me da igual el multipremio del aludido. Lo cierto es que Sting tiene muchos discos pero es difícil encontrar en ellos algo que valga la pena.
Si he dedicado un post a Sting es solamente porque atesora estas pequeñas selecciones, pero son un alarmante muy bajo porcentaje enfrentado a su amplísima producción en solitario (más de 20 LP´s).
A Sting le achaco falta de voz, falta de fuerza, composiciones demasiado intimistas en general, pero sobre todo un aura de creerse que ha descubierto América... cuando ese pescado había ya sido todo vendido con antelación. Y mucho antes de que él hiciera sus primeros pinitos.
En fin, algo bueno quedó, poquito, pero aquí está. Y dá para el completo, no obstante que nadie se engañe, poco más hay más allá. Eso sí, estos temas están aquí porque son muy buenos. Todo sea dicho. Entre todos ellos me quedo con If I Ever Lose My Faith In You (1993). Sting puro, ojalá que todo hubiera sido de este cariz...
