Jim Sullivan (Plain as your eyes can see) - (Sandman) - 1969 / (Lonesome picker) - 1972

Origen: San Diego - California (USA).

Periodo: 1969 - 1972.

Compositor, cantante y guitarrista, comenzó su andadura tocando en clubs de Los Angeles allá por 1965. Cada vez era más demandado en directo y allí hizo muchos amigos famosetes de Hollywood, sobre todo desde que era cabeza de cartel en el prestigioso club Raft de Malibú, codeándose con figuras como Lee Marvin y Harry Dean Stanton. 

En los últimos sesenta tuvo mucho éxito en sus puestas en vivo y contaba con numerosas amistades que le instaron a lanzar un disco con sus canciones. Pero no tenía dinero para ello. Se acercó a algunas discográficas, como Capitol, en la que trabajaba su mujer, pero le rechazaron alegando, como casi siempre, razones peregrinas. De modo que, en un alarde de buenas intenciones, sus amigos, que eran ya muchos y potentes, pusieron dinero para que Sullivan editara su primer disco. 

Para ello, con dos cojones, crearon entre todos una pequeña discográfica llamada Monnie (una afectación del término "Money", que era lo que Jim necesitaba). Contó con músicos de primer orden, como el baterista Earl Palmer (Sinatra, Phil Spector, Little Richard, Ray Charles, Sam Cooke, Eddie Cochran, The Beach Boys, Neil Young, The Byrds, Dizzie Gillespie, Elvis Costello y muchos otros, un figura estratosférico a las baquetas). También tuvo la suerte de contar con Jimmy Bond al bajo.

A su primer disco lo llamó UFO. Sullivan creía en las teorías sobre Roswell y en que extraños seres nos visitaban desde otros mundos o dimensiones.

Este primer trabajo fue maravilloso, pero le faltó difusión y tuvo muy poco eco, que es lo que ocurre cuando un buen producto, aún perfectamente diseñado, no encuentra canales para que se le conozca. Jim Sullivan, como miles antes y después de él, no entendió por qué su fantástico disco no se vendía. Y aunque otra discográfica -Century City Records- lo relanzó en 1970, no supo hacerlo bien y la cosa cayó de nuevo en saco roto.

Playboy (que entonces tenía también sello discográfico, Playboy Records) editó su segundo disco en 1972. De nuevo sin apenas repercusión. Lástima, pues era tan bueno como el primero.

Lo último que se sabe de Sullivan es que en 1975, con su matrimonio deshecho, viajó a Nashville en busca de una oportunidad. Se registró en el Mesa Motel de Santa Rosa, Nuevo Mexico, compró una botella de vodka y condujo hasta un rancho cercano al área 51. Dejó abandonado su coche con su guitarra y discos por vender en el maletero y se internó en el desierto. Nunca más se le vio ni fue encontrado su cadáver. Hoy sigue constando en las listas de personas desaparecidas.

Su música oscura y su disco UFO hicieron volar la imaginación de sus fans. Y hoy día muchos creen que fue abducido por esos extraños seres que, como él, vibraban en otra dimensión.

Silver Apples (Cosmic string) - 1998 / (Seagreen serenades) - 1968 / The Green (1969)

Origen: Nueva York.

Periodo: 1967 - 1970 (+1998), (+2016).

Pioneros de la música electrónica, dúo formado por Simeon Oliver Coxe III, actuando con un oscilador de su invención y el fenomenal baterista Danny Taylor, que utilizaba varias baterías de percusión. Hay que decir que su toque genial ha sido reivindicado recientemente por nuevos grupos de electrónica, pues era capaz de tocar como un fabuloso androide siendo humano. Sí, lo increíble y más reseñable en este grupo de electrónica es la capacidad de Taylor a los tambores.

Editaron dos álbumes de culto: su homónimo en 1968 y "Contact" en 1969.

Volvieron como locos en 1998, sacando a la luz tres proyectos por Whirlybird Records: "Beacon", "Decatur" (una sola pista de experimentación) y "The Garden". Oh, este disco es música aparte. Se trata de grabaciones demenciales de su primera época (1968-1969), con ritmos ídem y atractivo sublime. Está a años luz de lo que se hacía en esos años, incluído el kraut. Los ínclitos ensayaban en los sótanos del "Cafe Wha?", donde a veces bajaba Jimi Hendrix y alucinaba en colores. Es seguro que le inspiró alguna cosilla para su Band of Gypsys. 

Recomiendo la audición de "The Garden" al completo para los amantes del delirio baquerista, pues prácticamente todo él es crema, incluso la versión alocada de "Mustang Sally".

Su disco despedida es "Clinging for a dream" (1996), más convencional y por ello más accesible.

Inauguro con este grupo una revisión a fondo de la música electrónica, de la que soy consciente que no es apta para todos los oídos. Es más, detractores hay a miles de este estilo, sobre todo si es muy surrealista, como es el caso. 

Para entender profundamente el género me estoy empapando de las dos biblias de Javier Blánquez, que Reservoir Books ha editado (Loops 1, siglo XX) y Loops 2 (siglo XXI).

Ya existen en Sumudaba algunos exponentes: Jarre, Air, Fajerman, Oldfied, pero es necesario abundar en en este estilo hasta introducirnos en la médula de las mejores producciones. Comenzaremos por los pioneros, como es este dúo. E iremos intercalando artículos entre otros estilos, como siempre.

The Band (Rag mama rag) - (King Harvest, has Surely Come) - (Look Out Cleveland) - (Across The Great Divide) - 1969

Origen: Toronto (Canadá).

Periodo: 1968 - 1977.

Hablamos solo aquí del grupo original. Hubo reuniones posteriores desde 1983 hasta 1999 pero estas no intereresan para este podio.

Si tienes un equipo hifi de sonido, sube el volumen y comprenderás al instante la inmensidad de esta banda. Para disfrutar de sus gloriosos matices tendrías que hacerlo desde una copia de calidad, vinilo o CD.

En nuestros días es penoso como se degrada todo, pero en lo musical es muy notorio: hoy en general solo se escucha música comprimida en diferentes formatos, pero con la compresión se pierde mucho.

Con The Band se nota de manera apabullante. No tiene nada que ver escuchar un CD o un vinilo suyo que hacerlo desde Youtube. Hay veces que no importa demasiado, pero este no es el caso.    

The Band fue una conjunción de musicazos multiinstrumentalistas, que incluso en sus puestas en directo se intercambiaban pianos, guitarras y baterías como si tal cosa, sonando igual de bien. Esto, para los asistentes era un delirio, muy pocas veces visto en la historia musical.

En este sentido es totalmente lícito el nombre: pues realmente eran The Band, capaces de hacer lo que ningún otro.

Casi solamente se les conoce por "The weight", un tema sobrevalorado y demasiado piadoso, resulta ser casi un típico himno de iglesia. Una pena, pues The Band tiene temas fabulosos.

Curiosamente desplegaron todo su mejor hacer en su segundo álbum, denominado genéricamente "The Band", al que pertenecen estos cuatro cortes (séptimo álbum en Sumudaba que recoge las cuatro selecciones máximas de un mismo disco).

Posteriormente, supongo que porque el público que realmente entendía sus elaboradas evoluciones era escaso, transitaron en general hacia una música más sencilla, basada en muchos de sus temas en el rock and roll de los ´50. No solo fue una involución temporal, sino que este grupazo quedó lastrado de por vida. Pena. Desde mi punto de vista les faltó coraje para seguir por el maravilloso camino emprendido en 1969. 

No solamente el rock and roll estaba en recesión, sino que por esas fechas el rey indiscutible del género era Elvis -en esos precisos años, además, en su particular esplendor (1970-1973)-, coincidiendo con el intento de The Band de abrirse un hueco ahí. 

Fue batalla perdida. El Rey acaparaba el estilo con muchos más fundamentos y medios.

A destacar:

> We can talk (1968).

> The rumor (1970).

> 4% Pantomime (1971).

> (I don´t want to) hang up my rock and roll shoes (versión de Chuck Willis) (1972).

Los Mismos (Puente a Mallorca) - (Pon una cinta en el viejo roble) - 1969 / (Sing, sang, song) - 1970

Origen: Valladolid (España).
Periodo: 1968 - 1971.

Trío interesante de bastante éxito a comienzos de la década de los ´70.
Firmaron con Belter pero únicamente grabaron dos discos (1969 y 1970), por lo que hoy ya han quedado enterrados bajo las arenas del tiempo.

Quizá el mejor conjunto nacional que cultivó el estilo du duá (doo wop), siguiendo estela de Los Cinco Latinos, que venían a ser una fresca e incluso mejor versión de The Platters. Como en L5L, una diva canta apoyada por coros masculinos, exactamente igual que con Estela Raval y sus chicos.

La cantante, Helena Bianco, ha seguido en solitario muchos años pero sin grabar apenas material nuevo.

A destacar:
> Guarda tus besos para mi - El puente - No encontrarás otra tonta como yo.

The Rolling Stones (Too much blood) - 1983 / (Monkey man) - 1969 / (Rock and a hard place) - 1989

Origen: Londres.
Periodo: 1962 - hoy.

Después del estudio de casi seiscientos grupos (399 en Sumudaba) me decido por fin a publicar artículo sobre esta banda. Por muchos alzada a los más altos podios del rock pero que a mí personalmente siempre me ha dicho muy poco. De ahí esta "inusual" tardanza en acometer el estudio de los Rolling. Sinceramente, me daba bastante pereza.
Mick Jagger es buen músico y hace ya bastante tiempo que tiene aquí su podio en solitario, pero su grupo tiene para mi un defecto insalvable, que es la manera burda de tocar la guitarra que tiene Keith Richards, al menos durante toda su primera época.

The Rolling Stones, desde sus comienzos en 1962 hasta mediados de los ´70, no hacía más que intentar una y otra vez los blues de mecedora de negros gloriosos de antaño, replicando músicas y acordes gastados pero recubriéndolos de una pátina rockera muy oportunista pero además de baja calidad.

Siempre me pareció un despropósito la comparación entre Rolling y Beatles, porque los Beatles supuran creatividad, cosa que no ocurre al otro lado. Una estupidez repetida un millón de veces no deja de ser una estupidez. Los Rolling no eran estúpidos, pero su logro consiste en el mérito de haber hecho creer a millones de fans que su música es excelsa, cuando no es así.
Cualquiera que se tome la molestia (o el gusto) de comprobarlo puede constatar que grupos contemporáneos y paralelos como los citados Beatles, Deep Purple, Uriah Heep, Led Zeppelin, The Who, The Animals, Them, Pink Floyd... derrochan eventos musicales mucho más creativos que lo que proponían Rolling Stones, en su gran mayoría una suerte de interpretación rock de los blues de la música negra.
Bastante penoso, sobre todo porque Keith Richards no llegaba ni a la suela de aquellos grandes intérpretes de referencia.

Luego está el asunto de sus millonarios y "míticos" conciertos, que no son más que una bien engrasada maquinaria de hacer dinero. Seguro que conoces a alguien que ha ido a verlos. Yo también. Pero luego les preguntabas por sus gustos musicales y eran cochambrosos.
Yo creo que a los Rolling va o ha ido a verlos a) todo aquel que no tiene mucha idea de música y quizá su discoteca se componga de una docena de discos, y b) los que se dejan seducir por los cantos de sirena de los mass media -que han sido por otro lado bien untados por los mecanismos publicitarios made in Stones-. Hay mucha gente que década tras década ha ido entrando en su juego y después gusta del alarde. "He ido a ver a los Rolling y me ha costado casi 300 euros la entrada, pero ha sido una pasada" (para la mente de ese ciudadano sería imposible que no lo hubiera sido, sobre todo después del desfalco que ha sufrido su bolsillo). La bola ha ido corriendo y creciendo con los años, cogiendo el grupo cada vez más caché y arrastrando a más pijos pastosos descerebrados.

Por todo ello aquí solo encontraréis algunos dispersos temas en los que por fin los Rolling se decidieron a inventar algo nuevo.
Es muy probable que cualquier fanático alegue que esto no son los auténticos Stones, que no son temas representativos. Y seguro que tienen razón, pero es que sus famosas canciones tienen un valor tangencial. Aquí decide la coherencia, como explico en la introducción.

The Velvet Underground (Rock & roll) - (Who loves the sun) - 1970 / (She´s my best friend) - 1969 / (Sunday morning) - 1967

Origen: Nueva York.
Periodo: 1967 - 1973.

Banda apadrinada por Andy Warhol.
Velvet no tuvo demasiada suerte en lo relativo a ventas.
Es menester olvidarse de todo lo que los críticos han machacado durante décadas, a saber, que su álbum debut era una perla. A mi no me lo parece, no está mal, pero solo eso. La aportación vocal de la modelo alemana Nico da hoy más bien repelús. Es una discoteca que ha envejecido mucho.

En su segundo trabajo encontramos más de lo mismo, buenas letras pero poca chicha. Otra obra alabada por la crítica que tiene decente poco más que su tema homónimo.
Existe detrás de una razón de peso para estos despropósitos: la crítica especializada está especializada en señalar lo que no vale y descartar lo que sí vale, son especialistas en ello.
Esto sirve, por cierto, también para los críticos de cine, siempre empeñados en resaltar el drama y vilipendiar la comedia. Comedias brutales, por ejemplo, como "Dos tontos muy tontos" o como "Amazonas en La Luna" son siempre defenestradas en favor de dramas insípidos, como por ejemplo "Titanic", un icono representativo, en el que solo es potable la primera parte.
Pues bien, con la música ocurre exactamente igual: No es bueno lo que diga la crítica, es bueno lo que por derecho debe serlo.

El sonido de su tercer disco gana enteros por momentos, sobre todo en "That´s the story of my life".
Hemos contado para el estudio con el álbum lanzado en 1985, llamado "VU" con grabaciones inéditas de John Cale, la mayoría compuestas en 1969.
Pero cuando ya estaban hartos de incomprensión y a punto de hacer el petate, es cuando por fin luce su mejor música. A veces pasa.
Su "Rock & roll" es el mejor rocanrol (publicado con ese nombre) y más auténtico que jamás escuché. Exactamente un año después, Zeppelin lanzó su propio "Rock and roll", que queda en mantillas al lado del de la Velvet.
Hablamos de "Loaded" (1970), un muy buen disco.

A destacar:

> Femme fatale - I'm waiting for the man - Venus in furs (1967).

> White light, white heat (1968).

> Beginning to see the light. Candy says - What's going on - Foggy notion - One of these days (1969).

> Calm down - Train on the curve - Satellite of love (1970).

María del Mar Bonet (Dóna'm sa mà) - (Fora d'es sembrat) - 1969 / (Nocturna) - 1979 / (Viure sense tu) - 1985

Origen: Palma de Mallorca (España).
Periodo: 1969 - hoy.

Importante intérprete y estudiosa de la música popular de las islas Baleares.

Comenzó genial en su primer disco, en el que podemos apreciar unas modulaciones de voz muy interesantes y con clase.
A pesar de cantar en un dialecto minoritario como es el mallorquín, durante su primer tercio de carrera tuvo gran aceptación nacional.
Es lamentable que esta gran intérprete no hiciera ningún disco en castellano. De hecho no podremos encontrar ni un solo tema en castellano (ni siquiera en inglés), tal era su amor por la cultura balear.
Y hablamos de una amplia discografía de más de una treintena de discos.

Ni siquiera existe -que yo sepa- ninguna entrevista en el idioma oficial de su país. Esto es, obviamente, subversivo.
Podríamos decir sencillamente que su larga carrera y sus éxitos son un aval, pero aquí nunca hablamos en esos términos tan vulgares. Esos parámetros -larga carrera y éxitos- no significan nada. De hecho, hay muchos que se han quedado sin podio. Aquí perseguimos algo que no está a priori en paralelo con el éxito ni con una vida artística extensa. Puede que sí, pero puede que no. No hay correlación.

Las dos primeras selecciones son de su primer disco. Muy buen disco. El enlace youtube contiene el LP al completo (merece la pena su escucha). Para ir a "Fora d'es sembrat" es fácil, pues es el primer tema y para audicionar "Dóna'm sa mà" hay que situarse en el minuto 22.30.

A destacar:

> No trobaràs la mar - Enamorat i al·lota (1969).
> Em dius que el nostre amor - Cançó del bon amor (1971).
> Vigila el mar (1974).
> Les Illes - Allenar (1977).
> Cada dia tinc manies - Jim (1979).
> El cant de la Sibil·la (1979).
> Bir demet yasemen - Carta a un amic (1985).
> Ja n'hi a prou - Epigrama (1989).
> Nit màgica - nikta magika (1993).
> Leylim Ley (1995).

The Doors (Easy ride - Touch me) - 1969 / (Strange days - Alabama song) - 1967

Origen: Los Angeles (USA).
Periodo: 1965 - 1973.

Estamos todos de acuerdo en que este grupo tenía un alma llamado Jim Morrison, que acaparaba la mayor parte de la esencia de lo que fueron The Doors.
Pero como todos conocemos, la historia terminó con la muerte anunciada de su líder (al igual que ocurrió con Amy Winehouse, por ejemplo). Y a raíz de ese funesto acontecimiento las discográficas se han empeñado en hacernos múltiples e interminables "Greatest Hits" que contienen la faceta amarga y oscura de Morrison.
Dentro de esta categoría encontramos los consabidos clásicos ¨The end", "Break on through" e incluso el quemadísimo "Light my fire", entre otros.

Estuvo muy oportuno en tiempos incidir en esa faceta, dadas la circunstancias. Pero esta actitud se ha replicado como un virus: The Doors es un grupo oscuro y maldito, cuasi depresivo. Eso vende, así que se ha continuado durante décadas con esta estrategia comercial.

Pues bien, no es cierto. Quien se moleste en estudiar la discografía del grupo constata que esa faceta oscura existe, sí, pero no es la norma. Pues lo mejor de The Doors está en sus temas "ligeros" o cuando Morrison se soltaba a gusto. Entonces vemos otra versión del grupo, mucho más divertida y luminosa, aún dentro de su humor negro. Pero desde mi punto de vista, el humor negro es el más inteligente e incluso el más gracioso en muchos casos.

A Morrison lo que realmente le gustaba era hacer cositas circenses, cositas surrealistas y muy poco serias, aunque aparentemente no lo parezcan. En el fondo era un payasete de tomo y lomo, en el mejor de los sentidos: Un Chaplin de la música. Y creo que en esta onda sí nos legó un buen hatillo de serenatas de calidad. En todo caso Morrison fue un personaje más luminoso de lo que nos han vendido, al menos hasta 1970.

Bienvenidos a los otros Doors. Los que de verdad molan, los diver, con sarcasmo y mala leche.

A destacar:
> Light my fire - Break on through (1967).
> You´re lost little girl - Love me two times (1967).
> Do it - The soft parade (1969).
> You make me real - Peace frog - Roadhouse blues (1970).
> Riders on the storm (1971).

The Stooges (I wanna be your dog) - 1969 / (Search and destroy) - 1973 / (Loose) - 1970

Origen: Detroit (USA).
Periodos: (1967-1974) y (2003-2016).

Liderados por James Newell Osterberg, conocido como Iggy Pop.

Grupo garage protopunk absolutamente salvaje pero importante por la cantidad de influencia que ha supuesto, no solo musical sino sobretodo como innovador y rompedor de esquemas. Fue la expresión hippie más transgresora que existió, no ya rayando en la demencia, que también, sino pululando en lo completamente insano y pervertido. A sus directos asistían lo más granado decadente que podamos imaginar. Pero así fueron efectivamente una parte de aquellos tiempos y la condensación de muchos de los que los vivieron más al limite. The Stooges es una tesis de cómo andaba cierto personal por aquella época: medio sonados, drogados y asilvestrados. Aunque musicalmente son infinitos por momentos, todo hay que decirlo, y por eso están aquí.

Un observador de Elektra Records les fichó para la compañía. En esta discográfica grabaron sus dos primeros discos (The Stooges, 1969) y (Fun house, 1970).
Iggy inauguró el comportamiento errático y loco en sus conciertos en vivo, untándose crema de cacahuete en el cuerpo, mostrando sus partes pudendas sin ningún problema y tirándose al público cual palomilla. Hecho este que ha sido imitado desde entonces en conciertos a los que no se debe acudir, más que nada porque puedes salir con hernia cervical.

Pero todo el grupo estaba metido en una dinámica tan brutal de drogas (Iggy liderando) que Elektra rompió el contrato.
Iggy se hizo amiguete de David Bowie (y algo más) y este consiguió que firmaran por Columbia Records. Con este sello grabaron Raw Power en 1973. Pero por las mismas razones ya sabidas el recorrido del grupo acabó muy poco después.

Iggy Pop inició una exitosa carrera en solitario que comenzó en 1977. Dimos cuenta de ella en un post anterior (Octubre de 2015).

Treinta años después volvieron a reunirse y lograron editar dos nuevos discos de estudio para la galería.

A destacar:
> No fun - Not right (1969)
> Hard to beat - Penetration (1973).

Víctor Manuel (La sirena) - 1981 / (El cobarde) - 1969 / (Pablo y Juana) - 1978 / Cada uno es como uno es (1999)

Víctor Manuel San José Sanchez, cantautor asturiano nacido en 1947.
Diecinueve días han transcurrido desde el último post. Y es que el estudio de este artista merecía un repaso detallado, que ha llevado su tiempo pues son nada menos que treinta discos los que ha producido (sin contar directos y colaboraciones).

De ideas de siempre de izquierdas, supuso un hito en la lucha por la libertad en España en los tiempos del dictador Franco. Uno entre muchos que impulsaron dicha fuerza desde el ámbito de la canción. En la lucha fue uno más, musicalmente destacó por encima de casi todos ellos.
En 1970, cuando el festival de la canción europea (Eurovision) tenía peso significante, Víctor Manuel estuvo, no voy a decir nominado, pues tal penoso término no existía, pero si fue un serio candidato a representar a España. No pudo ser. Vive Dios que lo hubiera hecho de lujo, pero las autoridades del regimen ya le tenían calado y delegaron su actuación en alguien políticamante más correcto.

A partir de 1972 une fuerzas con su compañera Ana Belén, actriz y también cantante en ciernes. Se casaron por lo civil en grandísima armonía pero con gran deceso de arreboles y tirajo de arroces.
Hicieron las cosas bien.

Una pequeña digresión: En las primeras películas de Ana Belén, esta chica podía haber optado a Miss Mundo si acaso los íncubos hubieran inspirado tal dislate (por ejemplo, visiónase su participación en "Cuando la hormona se viste de seda", 1970), un pequeño ejemplo del hado que envolvía a esta figura, mujer-niña-no-te acerques-que quema.
Luego la descubrimos en pelis de los ochenta en los que muestra una dentadura caballuna muy sorprendente. ¿Qué pasó? Joder. El cambio es muy fuerte, que alguien me lo explique. Para mí Ana Belén es una Sex Symbol entre 1967 y 1975. No quiero ni deseo saber qué pudo ocurrir para que en solo cuatro añitos después luciera esa dentadura de Mustang.

Digresión superada.

En lo que concierne respecto a este estudio, diremos sin temor que este artista concentra su mejor producción en sus primeros trabajos de los ´70.
Desde mi punto de vista Víctor Manuel alcanzó su cenit creativo con la publicación de "Cómicos" en 1975. Un álbum fresco y lleno de desparpajo. Fantástico, aunque muy olvidado.

En 1989 lanzó "Tiempo de cerezas". Versiones de sus grandes composiciones pasadas por el tamiz de la modernidad de aquél entonces. Se puede desechar sin peligro al igual que se deshoja una margarita.

A partir de 1999 encontramos un resurgir del genio de Manuel. Por fin, después de mucho tiempo un trabajo interesante en conjunto, en el que destaca por encima del resto el tema homónimo, Cada uno es como es. Siguió en esta buena senda con "El hijo del Ferroviario" (2001). Se nota aquí la influencia de Sabina en alguno de los temas en los que incluso colabora activamente. Las letras se tornan más ácidas y aparentemente banales.

A destacar:

> Un cura de la aldea - El abuelo Víctor (1969)
> María Coraje (1970)
> Dame la mano (1971)
> No ha carretera sin barro (1973)
> Quiero tener la sombra de tu cuerpo (1974)
> Ya se que no es cristiano - Como ponerse un guante - Soy el que vende más barato -
Cómo torturar un gato (1975)
> El niño que volaba (1978)
> Quien puso más - Mi gato nunca estudió - Luna (1980)
> Desde el Pirulí se ve un país (1983)
> Soledad y el rata (1988)
> Los amantes de Avila (1990)
> El hijo del ferroviario - A la mar fui por naranjas - Por mi culpa (2001)

Fred van Zegveld (Dynamite) - (I wanna be your man) - 1969

Esta es la historia minúscula de un loco obseso holandés del organo Hammond que en 1969 se coló en una sesión de estudio a grabar este disco, su único disco.
Los que habían alquilado el estudio no se presentaron y Fred aprovechó esa hora para grabar este desfase. Energético y brutal. Una pieza de coleccionista que debe estar aquí aunque solamente sea por la increíble fuerza que irradia.
Efectivamente es dinamita. Y así lo tituló.
Mezcolanza de jazz progresivo y soul con tonalidades funk.
Nueva joya a recuperar.

Isaac Hayes (Walk on by) - 1969 / (Help me love) - (Something) - 1970

Hayes fue un compositor de Tennessee (1942-2008), cantante y pianista. Dio una vuelta de tuerca al soul, convirtiéndolo en sinfónico en sus primeros trabajos.

También fue una figura inagural en el llamado blaxploitation, un tipo de cine afromericano peculiar, lleno de persecuciones de coches con BSO predominantemente funk. Género que exploró en un montón de películas también como actor. La más famosa de ellas, "Shaft" (1971), con banda sonora al completo. Siempre será recordado por el tema central de esta cinta.

Vocalmente sigue la estela de Barry White (o al revés, son contemporáneos), aun divergiendo en estilo pero con patrón similar. No obstante Hayes logra imprimir una hondura y feeling superior.

Toda la producción de Isaac Hayes mantiene una calidad estable, pero en muy muy pocas ocasiones se desmarca con algo realmente genial. Además, hay que tener en cuenta que gran parte de su trabajo consiste es versiones de otros artistas.

Aquí ensalzamos versiones solamente cuando sobrepasan netamente al original. Esto sucede con un impresionante cover de Something de The Beatles, por ejemplo.
La versión de Hayes la supera. Por varias razones:
En primer lugar, en ejecución, pues Hayes imprime una orquestación magnífica, con coros maravillosos; y lo mejor, dota al tema de una profundidad y sensibilidad que solo estaba esbozada. Un tema de tres minutos Isaac Hayes lo reconvierte en una obra estratosférica y sensual de doce minutos. Comparad  y juzgad vosotros mismos.
Solo por ello este artista es de podio.

Sin atisbo de duda, el año pletórico de Isaac Hayes fue 1971, en el que produjo material fantástico amén de lanzar la BSO de Shaft, su tema de más éxito.


A destacar:
> Never gonna give you up (1971)
> Feels like the first time - You never cross my mind - You needed me (1971)
> Theme  from Shaft - BSO (1971)
> Blue´s crib - End theme - Drinking (1974)
> Three times a lady (1981)
> She´s gat a way (1988)
> Branded (1995)

Screamin´ Jay Hawkins (Constipation blues)- 1969 / (Little demon) - (I put a spell on you) - 1956

Uno de los más importantes chalados que ha dado el espectro musical. Nacido en Cleveland en 1929 y fallecido en 2000.

Durante los años cincuenta exploró el rock and roll naciente y el blues.
Se le recuerda sobre todo por sus puestas en escena, muchas veces tribales y macabras y por su superhit de 1957, I put a spell on you, de inmensa resonancia.

Sus vestimentas en concierto eran estravagantes como ninguna de la época, tentando al límite lo aceptado en aquellos años americanos tan conservadores y puritanos.
Fueron un alarde y desafío sus pieles de leopardo, sus sombreros de brujo, su cuero bermellón y sus maneras de hechicero loco. Lo vais a comprobar enseguida.

Jalacy Hawkins (su nombre real) tenía una voz gutural y profunda que parecía salida del mismo averno. Eran también característicos los ruidos y sonidos que hacía con la boca, un divertimento más hacia su público, que tenía la suerte de presenciar un teatro macabro de blues y rock, muy entretenido para almas sin complejos.
Fue y ha sido único, una personalidad musical muy curiosa.

A destacar:

> Because of you.
> Listen.
> I feel alright.
> Ain´t nobody business.
> Fourteen wives.
> Whistling past the graveyard.
> Sherilyn Fenn.

The Beach Boys (I) - (The nearest faraway place) - 1969 / (It´s about time) - 1970 / (Forever) - 1970 (Talk to me) - 1976

Probablemente uno de los grupos más desconocidos después de sus éxitos primerizos. Y una de las mejores bandas estadounidenses entre 1964 y 1970.
Pero a partir de 1968 The Beach Boys puede ser un gran descubrimento para cualquiera.

Es necesario dividir el estudio del grupo en dos partes bien definidas: a) su época marcadamente "surf", la más conocida por el público -la única, me atrevería decir-, y b) a partir de 1968, en que comenzaron a construir un estilo basado en sus parámetros anteriores pero muy diferente en cuanto a sonoridad, producción y temática. Esta segunda etapa casi inédita a los oídos populares europeos (incluso nada de ello se suele compilar en sus discos de refrito) es, a mi parecer, de superior calidad. No tanto en composición, pero sí en cualquier otro aspecto musical que podamos contemplar. Lo veréis enseguida. Porque de hecho quiero resaltar esta segunda época en primer lugar.

Fueron muy populares a mediados de los ´60.
Han dejado su influencia en grandes como ABBA, Queen, Elton John o The Ramones.

Su estilo melódico y coral, producto de una interesante fusión de rock y R&B-doo wop, que aplicaron a historias de playa y surf, fue su sello durante los ´60.

En el momento de escribir este artículo se cumplen 55 años del grupo. Ahí queda eso.

Con el tiempo fueron capaces de acumular mucha experiencia, pero su obra maestra (Sunflower, 1970) fue eclipsada por el tirón de The Beatles y el nacimiento de nuevos estilos, como el funk, la psicodelia rock, el punk y el metal.
Curiosamente quisieron explicitar dicha madurez en la portada de Sunflower, en la que los miembros de la banda se retratan con sus hijos. Y no solo eso, hay un mensaje implícito de cuidadosa atención a sus retoños. Fijaos en la portada. ¿Curioso? Alguno pensará que estoy desvariando. No. La madurez es un estado que solamente se alcanza con plenitud al contemplar y cuidar con mimo a tu descendencia.

Lo que no es de recibo es que una formación genial como esta sólo la hayamos conocido en sus éxitos más mediáticos.
Escuchemos sin más dilación cómo se las gastaban The Beach Boys en plena madurez.

A destacar a partir de 1969:

> Cool cool water (1970)
> Got to know the woman (1970)
> Tears in the morning (1970)
> Good Timin´(1979)
> Hot fun in the summertime (1992)
> Summer of love (1992)

Led Zeppelin (Good times bad times) - 1968 / (Ramble on) - 1969 / (Since i've been loving you) - 1970 / (I´m gonna crawl) - 1979

Origen: Londres.
Periodo: 1968 - 1980.

Oh Oh!! Led Zeppelin!

Banda británica fundada en 1968 (gran año, por cierto).
Hablamos de Jimmy Page (guitarra experimentaloide. Dicen los instruidos que en cierta ocasión se le vio trasteando con una zanfona), Robert Plant (voz en construcción que nunca acabó de construirse), John Bonham, un borrachín impenitente, hecho que le costó la vida, y de John Paul Jones (bajista y el único miembro quizá "normal").

Grupazo, sí, pero con luces y sombras. Pero con muchas luces y con muchas sombras. Veréis.

Antes de repasar sus discos, os diré que Jimmy Page (alma del grupo) se congratuló en comprar una de las casas más malditas que puedan existir, la de Alesteir Crowley, propiedad llamada "Boleskine House". Para entendernos, es casi como si hubiera adquirido una antigua residencia de Hitler por el mero hecho de vivir allí. Pero, en fin, para gustos los colores. ¿Sí o no?
Yo digo que no. Pero esto forma parte de lo extramusical.

Centrémonos en la música de estos tíos raros (que lo eran). Y bienvenidos sean los tíos raros.

Empezaron con mucha fuerza con su primer disco. Lo digo por su Good times bad times, no por nada más, que no hay nada más.
Pero su segundo disco (para mi gusto el más "Zeppelin") ya atesora varias joyas y puede pasar a la Historia simplemente por este despliegue: What is and what should never be y Thank you. (Certificado y sello, aparte del increíble Ramble on - en selección-).

En su tercer trabajo, otro de los más conseguidos en conjunto, encontramos un primer corte potente, Inmigrant song, uno de mis favoritos de adolescente, pero que hoy me parece desfondado y sin alma.
Mejores son Celebration day y Out on the tiles. Hoy tengo otros oídos, oídos que aúpan a Since i´ve been loving you como uno de los mayores logros del grupo, fusión de rock con soul, con blues y con el aura Zeppelin en su más alta expresión.

Y llegamos al laureado Led Zeppelin IV. ¿Pero qué tenemos en realidad aquí?  Os lo diré: Un álbum de rock and roll sencillo pero muy bien producido. Algo bien hecho pero sin aspavientos, sin sitio para maravillas maravillosas. ¿Y Stairway to heaven? Un mito, como lo de las sirenas. Este tema es un tostón en sus primeros seis minutos, luego viene el solo de Page, muy bueno, pero ya está. Y ni siquiera rellena esos dos minutos finales.
Destacar no obstante The battle of evermore. Tema bastante decente.

Pasemos página.
Houses of the Holy (1973). ¿Y esto qué es, me pregunto?
Yo lo considero un fiasco. Maravilloso arte de la carpeta, firmada por el inefable estudio Hipgnosis. Impactante. Bien. Pero dentro encontramos a un Plant absolutamente amariconado (¿nadie se atreve a decirlo, o qué?), con una producción muy mala, superlativizando los agudos. El resultado es un disco estridente. Se salva quizá The rain song.
The Grunge es un tema lamentable, un quiero y no puedo en ese intento de acercarse al funky, pero mal fusionado con dosis imposibles de étnica. Mala cosa.

En Physical Graffiti (1975) firman un trabajo irregular, relleno de cositas raras como In the light, de tontunas a la guitarra española, de títulos tan absurdos como Bron-Yr-Aur. Encontramos un ridículo encuentro con el country en Down by the seaside o en Ten years gone (aunque esta última no es para tirar a la basura, quizá se merezca una urna a pesar de todo).
Se salva Night Flight, aunque por los pelos. Un blues rock con carencias de autenticidad.
En Boogie with stu escuchamos un rockabilly antiguo. Muy poco Zeppelin.

Y llegamos a Presence (1976), un disco extraño, con producción de la época (muy de ese año), de nuevo con arte de Hipgnosis. Un disco relegado, como suele ocurrir cuando las cosas no marchan como deberían. Pero es aquí donde la banda vuelve a soltarse y logra ser de nuevo auténtica por momentos. Lo demuestran cortes como For you life y Royal Orleans, muy buenos aunque sin llegar a ser brillantes.

Nos situamos en 1978 con su magnífico "In trough the out door". Un trabajo de refinería, perfecto en su producción pero también en su ejecución.  ¿El culmen de Zeppelin? Algo así. Al menos atesora un buen puñado de temas muy atractivos, comenzando por In the Evening, All my love, y siguiendo por South Bound Saurez, que nos retrotrae genialmente al oeste más... oeste. Imagino que "En le llamaban Trinidad" o cualquier otra peli de Bud Spencer y Terence Hill se pegarían de tortas por esta tonadilla, nunca mejor dicho.
Carouselambra es... diferente, moderna y energética, de lo mejor que ha hecho el grupo, aunque sea un tema de lo más alejado de su estilo.
Con I´m gonna crawl no solamente consiguieron por fin la excelencia, sino que llegaron al cénit.

Jethro Tull (We used to know) - 1969 / (Hymn 43) - 1971 / (Rover) - 1978 / (Dun Ringill) - 1979

Vamos a ver, vamos a ver... Jethro Tull es una banda compleja, que aún a día de hoy sigue siendo desconocida en sus mejores parámetros para el público general. El éxito les llegó en 1971 con el aclamado y superfamoso "Aqualung". Un disco asequible, potente, que tuvo un par de singles que llegaron al imaginario del mortal de a pie. Pero Aqualung no es la panacea de Jethro Tull, ni mucho menos. Esta formación dio bastante más de sí que aquél disco. Ojo, no estoy diciendo que sea malo, pero sí sobrevalorado en perspectiva.  ¿Y por qué digo todo esto? Pues porque, para empezar, el mejor álbum de la banda (Thick as a Brick, 1972) es muchísimo más desconocido ya que se trata de un espectacular trabajo conceptual en el que no hay cortes, todo él es un conjunto. De hecho, en su versión original en vinilo, la cara A sumaba 42 minutos y la cara B 22 minutos. Y si la tecnología de entonces lo hubiera permitido nos encontraríamos con que de principio a fin sumaría unos 65 minutos non stop de creatividad al más alto nivel. Pero las cosas como son, se trata de un metraje no apto para cualquiera. Y muy poco comercial. Ningún single pudo extraerse, con lo que permanece "en tierra ignota", popularmente hablando.

Dicho esto, antes del citado superéxito "Aqualung", existe "Stand Up" (1969), a mi parecer logrando una altura similar; y con él tenemos además la curiosidad de encontrarnos con el primer single de la Historia de la Música en estéreo (Witch´s Promise).
Personalmente (los fans me pueden degollar) "Aqualung" es un disco de fácil oido, pero que en mi opinión no dice lo que es Jethro Tull. No sólo por Thick as a Brick, sino también por destellos posteriores en trabajos como "A Passion Play" (1973) (de nuevo conceptual), "Songs from the Wood" (1977) y "Heavy Horses" (1978), los dos últimos con Ian Anderson en su pico vocal.

A pesar de lo dicho, en Aqualung encontramos "Hymn 43", un tema que me encanta. No es de los aclamados, pero para mí siempre será el mejor por su fiereza inusitada.

Blind Faith (Change of Address, Jam) - 1969

Blind Faith fue la conjunción a finales de los 60´ de los astros Eric Clapton y Steve Winwood, figuras que han dado con el tiempo multitud de alegrías para los amantes de la buena música. Aquí, con su enlace, consiguieron una banda para muchos mítica, aun contando con un solitario pero glorioso álbum. Ensalzado por crítica y público. La portada del disco tuvo sus problemas por mostrar las tetitas de una adolescente. Clapton protagonizó una de las historias de amor más famosas y de cine que ha dado la historia del rock (que tuvo su propia elegía, "Layla"). Os recomiendo profundizar en esta tremebunda historia, digna de telefilme. Hollywood lo hará, no me cabe duda.
En mi opinión y en lo que nos importa, Blind Faith, siendo un grupo tan creativo, sus mejores destellos los podemos encontrar en las jam, como ocurre en el otro experimento de Clapton, Los Derek & The Dominos (ver post).

Sly & The Family Stone (My brain - zigzag, instrumental) / (Somebody´s watching you) - 1969 / If This Room Could Talk (1967) / (Skin I´m in) - 1973

El gran Sly Stone (Sylvester Stewart), un genial personaje multinstrumentalista, a la altura de James Brown.
James Brown podrá ser el padrino del soul, pero en lo que respecta al funk, Sly se lleva la medalla de oro. JB la de plata.
Con su banda consiguieron ser apoteósicos entre 1967 y 1973.

Más allá de eso Sly revirtió en solitario y poco después comenzó a hacer mella en él su adicción a las drogas. No obstante, mantuvo el tipo durante bastantes años.

Actualmente, ya desfondado, vive en una simple caravana después de haber probado las más exclusivas mieles del éxito y del lujo. Una auténtica lástima.

Sly no supo gestionar adecuadamente su volcán, pero es sin duda una figura impertérrita que debemos aquí subrayar, pues, sinceramente, muy pocos lograron lo que consiguió.

En sus primeros discos encontramos no obstante algunas otras joyas supremas, a saber:
"Underdog"; "If this room could talk" y "Trip to your heart" (1967); "Pressure" (1968); "Stand!" (1969) y "(You caught me´) smilin´" (1971).

Elvis Presley (The Next Step is Love) - 1970 / (If I Can Dream) - 1968/ (Long Black Limousine) - (1969) - You Don't Have To Say You Love Me (1970)

Acomódense en sus butacas. Afloren puros, licores y banderolas multicolor.
Que nuestras rodillas acaricien la moqueta o un humilde suelo de linóleo, da igual. Por un fugaz momento vuelve Elvis. Llega el Rey.

Aunque los temas seleccionados tienen que ser más o menos conocidos a la fuerza, ninguno de ellos suele estar en el ranking de las diez mejores canciones de Elvis. ¡Pero sí deberían!

Después de pasarse casi al completo la década de los '60 centrado en el cine, Elvis volvió con mucha fuerza en 1968, y es a partir de aquí cuando su voz y sus directos resultan ser espectáculos de muchísimo calado. Una lástima que todo esto estuviera "recluido" en Las Vegas y que Elvis jamás cruzara el charco para mostrar su música a Europa.

Elvis fue un artista que siempre ganaba en directo, gracias a la increíble orquesta que le acompañaba, y me refiero, por supuesto, a los ´70.

Elvis es único y perfecto. Nadie puede ni siquiera soñar con igualar su mito. Los que van y vienen te saludan. ¡¡Ave!!