Energético. Con un estilo muy muy paralelo al de James Brown. Vocal y musicalmente. También coincidieron más o menos en el tiempo.
Hay docenas y docenas de versiones de "Hey Joe" de Hendrix. Aunque hay que decir que esta canción no es original de Jimi. Aún conservo un recopilatorio de versiones de este tema y efectivamente la de Pickett es una de las mejores.
Sus canciones supuran fuerza a tutiplén. Un espejo de lo bueno y una corriente electrizante, como ocurría con JB, pero quizá un pequeño peldaño por debajo. Y aunque fuera así, era muy grande, teniendo en cuenta la figura colosal que supuso JB.
Respecto a "Stagger Lee", es una antigua canción, cuyos sus inicios se remontan a 1897. Aunque hay covers a cargo de Ike & Tina Turner, James Brown y Tommy Roe, es recordada sobre todo por esta versión de Wilson.
"Mustang Sally" es un icono en la producción de Pickett, versión muy mejorada hecha en 1966 a partir de la que un año antes lanzó Mack Rice.
Y terminamos el recorrido con un tema original de Wilson: "I found a true love" (1968).
Fue también gran compositor. Escribió canciones nada menos que para Led Zeppelin, Rolling Stones, Genesis, The Jam, Aerosmith...
Muy poco conocido, para mí supone todo un descubrimiento como cantante barítono tope gama.
En mi opinion "La voz" (Sinatra) queda en mantillas ante este portento. Y esto que voy a decir sé que es anatema y una barbaridad y coincido con vosotros castigo, laceración y torturas, pero en ciertos temas de su repertorio Neil supera a Elvis. Vale, ya lo he dicho, podéis flagelarme por impío. Pero antes de morir, por favor escuchad a Fred Neil en todo su esplendor.
La historia de Neil es peculiar: después de sus exitos en Capitol, se desvivió por trabajar junto a los delfines, en una apuesta ecológica radical, dejó atrás la música y se consagró hasta su muerte a estos inteligentes cetáceos. Alejado de los focos, su última presentación en vivo fue en 1976, en un evento delfinario reivindicativo, que tuvo entre sus amigos de cartel a nuestra querida Joni Mitchell.
A destacar:
> Weary blues - Morning dew - Wild child in a world of trouble (1965).
> Yonder comes the blues - Handful of gimme (1965).
Nombre real: Manfred Lubowitz.
Curioso teclista, inicialmente interesado por el jazz. Compaginó esos primeros años con un currículum de profesor y escribidor de artículos ingeniosos.
Cambios de nombre:
Decide hacer finalmente su propia música pero el nombre del proyecto es muy inestable. Pocas formaciones han vivido tanta indecisión: pasa de llamarse Mann Hugh Blues Brothers en 1962 a Manfred Mann a secas en 1963. En 1969 el grupo gira hacia el jazz experimental y ponen tercera etiqueta: Manfred Mann Chapter Three.
No contento con ello (y no me extraña, porque el nombre era una pena) el ínclito presenta en 1971 nueva nomenclatura, esta vez definitiva: Manfred Mann´'s Earth Band.
Sus fans estaban hasta los huevos de estar hasta los huevos. Normal. Pero sobre todo porque la cosa había derivado en muy poco tiempo de un estilo serio cercano a The Animals a ser un artefacto rock progresivo. Cuando en realidad, a partir de 1972, se reconvierte en una buena banda vendida al mejor postor sonoro, sea rock, sea pop o sea lo que sea.
Veinticinco trabajos de estudio anegados en su mayor parte por falta de criterio.
Pero sobrevive, por supuesto, algo tangencialmente bueno en estas selecciones y destacables.
Es hora de disfrutar Manfred Mann en estado puro: Una suerte de destilado que, ciertamente, es tan bonito de escuchar como lo es deglutir una hamburguesa especial con huevo en Tony Roma´s.
En el primer vídeo me deja fascinado el énfasis energético del cantante principal, Chris Thompson, pero es que hay tres más poniendo voces, el propio Manfred, el fantástico Trevor Rabin (que aquí aparece como un lastimoso granjero con peto vaquero), una tipa sin voz ninguna y un émulo de Toulouse-Lautrec.
A destacar:
> Come tomorrow / Sticks and stones (1964).
> Let´s go stoned / Since I Don't Have You (1965).
> Living without you (1972).
Banda apadrinada por Andy Warhol.
Velvet no tuvo demasiada suerte en lo relativo a ventas.
Es menester olvidarse de todo lo que los críticos han machacado durante décadas, a saber, que su álbum debut era una perla. A mi no me lo parece, no está mal, pero solo eso. La aportación vocal de la modelo alemana Nico da hoy más bien repelús. Es una discoteca que ha envejecido mucho.
En su segundo trabajo encontramos más de lo mismo, buenas letras pero poca chicha. Otra obra alabada por la crítica que tiene decente poco más que su tema homónimo.
Existe detrás de una razón de peso para estos despropósitos: la crítica especializada está especializada en señalar lo que no vale y descartar lo que sí vale, son especialistas en ello.
Esto sirve, por cierto, también para los críticos de cine, siempre empeñados en resaltar el drama y vilipendiar la comedia. Comedias brutales, por ejemplo, como "Dos tontos muy tontos" o como "Amazonas en La Luna" son siempre defenestradas en favor de dramas insípidos, como por ejemplo "Titanic", un icono representativo, en el que solo es potable la primera parte.
Pues bien, con la música ocurre exactamente igual: No es bueno lo que diga la crítica, es bueno lo que por derecho debe serlo.
El sonido de su tercer disco gana enteros por momentos, sobre todo en "That´s the story of my life".
Hemos contado para el estudio con el álbum lanzado en 1985, llamado "VU" con grabaciones inéditas de John Cale, la mayoría compuestas en 1969.
Pero cuando ya estaban hartos de incomprensión y a punto de hacer el petate, es cuando por fin luce su mejor música. A veces pasa.
Su "Rock & roll" es el mejor rocanrol (publicado con ese nombre) y más auténtico que jamás escuché. Exactamente un año después, Zeppelin lanzó su propio "Rock and roll", que queda en mantillas al lado del de la Velvet.
Hablamos de "Loaded" (1970), un muy buen disco.
A destacar:
> Femme fatale - I'm waiting for the man - Venus in furs (1967).
> White light, white heat (1968).
> Beginning to see the light. Candy says - What's going on - Foggy notion - One of these days (1969).
> Calm down - Train on the curve - Satellite of love (1970).
Hablamos de la banda original, por supuesto. Sucedáneos se cuentan por decenas.
Tenemos que citar el nombre de Buck Ram, un productor y mánager avispado, que convirtió en pocos meses a un grupo más doo wop en un portento musicovocal R&B, llevándolos al más absoluto estrellato.
Puso todo su afán en que la voz cuasi tenor de Tony Williams se convirtiera en lider, aderezada con la presencia femenina de Zola Taylor y arropando todo el caramelo en un envoltorio que enseguida comenzó a hacer historia. No en vano The Platters es una de las bandas más lucrativas y recordadas. Su "Only you" se sigue y seguirá escuchando por eones.
Pero aquí no estamos para audicionar de nuevo Only you (aunque cualquier neófito debería hacerlo sin dilación).
Este amor de morenos trae bajo el brazo otras perlas menos conocidas pero igualmente sublimes.
Power trio de blues rock, proyecto intermedio de mano lenta (Eric Clapton), que por cierto, de mano lenta, nada. El apodo le viene de cuando rompía alguna cuerda de guitarra, algo bastante habitual porque las utilizaba muy finas. Y se ponía a cambiarla en mitad de un concierto con la mayor parsimonia.
Desde mi punto de vista son más interesantes las siguientes empresas del susodicho: Derek & the Dominos y Blind Faith (existen ambos artículos). La mayoría de la producción de Cream suena hoy a huevo pasado por agua.
No obstante, algo bueno se puede extraer de esta vaca lechera.
Cremitas a destacar:
> I feel free (1966).
> Tales Of Brave Ulysses - Outside Woman Blues (1967).
> Deserted Cities Of The Heart (1968).
Grupo ecléctico beat. Sus miembros eran cada uno de un punto distinto geográfico:
Antonio Martínez (guitarra) de Madrid; Manolo Fernández (teclados); Miguel Vicens (bajo) de El Ferrol y Pablo Sanllehí de Barcelona.
Su carismático cantante era un alemán de Berlín, Michael Volker Kogel Sumaya, llamado Mike Kennedy a partir de su separación de Los Bravos en 1969.
Fue sustituido por Robert Wright, y luego por Ari Seur, al que podéis apreciar en "Down" (selección).
Tuvieron un fulgurante éxito internacional en 1966 con Back is black.
Sin embargo, sus mejores temas no están en el imaginario popular. Pero son muy buenos.
A destacar:
> Quiero gritar- La moto - Back is black - Stop that girl - Baby, believe me (1966).
> Sympathy (1967).
> Dirty streets - Live girl - Love and sympathy - I´m feeling (1969).
Estamos todos de acuerdo en que este grupo tenía un alma llamado Jim Morrison, que acaparaba la mayor parte de la esencia de lo que fueron The Doors.
Pero como todos conocemos, la historia terminó con la muerte anunciada de su líder (al igual que ocurrió con Amy Winehouse, por ejemplo). Y a raíz de ese funesto acontecimiento las discográficas se han empeñado en hacernos múltiples e interminables "Greatest Hits" que contienen la faceta amarga y oscura de Morrison.
Dentro de esta categoría encontramos los consabidos clásicos ¨The end", "Break on through" e incluso el quemadísimo "Light my fire", entre otros.
Estuvo muy oportuno en tiempos incidir en esa faceta, dadas la circunstancias. Pero esta actitud se ha replicado como un virus: The Doors es un grupo oscuro y maldito, cuasi depresivo. Eso vende, así que se ha continuado durante décadas con esta estrategia comercial.
Pues bien, no es cierto. Quien se moleste en estudiar la discografía del grupo constata que esa faceta oscura existe, sí, pero no es la norma. Pues lo mejor de The Doors está en sus temas "ligeros" o cuando Morrison se soltaba a gusto. Entonces vemos otra versión del grupo, mucho más divertida y luminosa, aún dentro de su humor negro. Pero desde mi punto de vista, el humor negro es el más inteligente e incluso el más gracioso en muchos casos.
A Morrison lo que realmente le gustaba era hacer cositas circenses, cositas surrealistas y muy poco serias, aunque aparentemente no lo parezcan. En el fondo era un payasete de tomo y lomo, en el mejor de los sentidos: Un Chaplin de la música. Y creo que en esta onda sí nos legó un buen hatillo de serenatas de calidad. En todo caso Morrison fue un personaje más luminoso de lo que nos han vendido, al menos hasta 1970.
Bienvenidos a los otros Doors. Los que de verdad molan, los diver, con sarcasmo y mala leche.
A destacar:
> Light my fire - Break on through (1967).
> You´re lost little girl - Love me two times (1967).
> Do it - The soft parade (1969).
> You make me real - Peace frog - Roadhouse blues (1970).
> Riders on the storm (1971).
Absolutamente subversivo en su época, hoy suena muy pasado de fecha.
Considerado por muchos como un dios de la guitarra.
Hendrix en su momento (1967-1970) tenía un dominio muy interesante de su guitarra, ¿pero qué es lo que aportó como novedad? Sin entrar en detalles técnicos, como su uso del pedal wha:
a) Fue el primero de los guitarristas rock "en solitario". Es decir, fue el primero que llegó al gran público, no por sus canciones o por su banda sino más bien por los riffs de su guitarra. Pero este dato debería ser solo anécdota, al igual, por ejemplo, que la empresa que registró el primer dominio .com. Es solo un dato histórico, nada más.
b) Esos riffs no suponían una evolución en sonido, lo nuevo era la forma en que él los hacía. Una manera de tocar distinta pero con el mismo sonido existente.
Esta forma de tocar tiene un legado, que en tiempos recientes podemos ver a veces en Prince y mucho más descarada en Red Hot Chili Peppers, por hablar de dos grupos por todos conocidos.
Quiero decir con ello que el sonido de Hendrix no supuso realmente ningún salto, sino que fue una variante.
El éxito y el mito de Hendrix también se explica así:
a) Por sus reivindicaciones sociopolíticas le convirtieron ipso facto en un altavoz muy importante de derechos y libertades. Hay muchas lagunas en torno a su temprana desaparición. Legiones hoy reivindican su muerte a manos de la "inteligencia" política porque se estaba convirtiendo en un personaje muy molesto. Quien tenga interés, que tire del hilo. Hilo largo y enmarañado, eso sí.
b) Su muerte le convirtió instantáneamente en mártir. Aunque no en el sentido que aludimos, sino en uno más prosaico: Discográficas y medios se las arreglaron para encumbrarle a cotas de semidiós.
Cuando la cosa no era, ni mucho menos, para tanto. Al menos en su aspecto estricto musical.
Fue un animal -salvaje- circunscrito a 1967-1970, con un sonido cerrado en esta época.
Y, como siempre, en contraposición quedan en el olvido guitarristas que sí merecieron el calificativo de genios, pero no solo por su estilo sino porque de verdad supusieron un paso hacia adelante en el tiempo.
Escuchad, por ejemplo, a Trevor Rabin en sus inicios en 1975. Son solo 4-5 años de diferencia temporal, pero Rabin está ya muy muy lejos de Hendrix. (Ver post).
Dicho todo lo anterior, me rindo ante la magia de Hey Joe, sin duda un tema inmortal. Recuerdo hace muchos años en que hicimos un CD en nuestra factoría musical con las dieciséis mejores versiones. Aún lo escucho de vez en cuando con deleite.
A destacar:
> Foxy lady - The wind cries Mary - May this be love - Purple Haze (1967).
> Bold as love (1967).
> All along the watchtower (1968).
Después de algunos singles, en 1967 editaron su primer largo, que supone un destello importante.
A nuestro parecer, los temas en selección definen lo curioso y especial de esta gran banda. En ellos existe un aura beat muy original.
Lástima que perdiera completamente el norte a partir de 1968.
Después de su alucinante debut editaron otros cuatro trabajos, dando por finalizado el proyecto en 1969.
Aunque su tema más posicionado en los ránkings de la época fue "Get me to the world on time", lo vamos a dejar solo como destacado.
En 2001, más de treinta años después, volvieron con nuevo material. Y han repetido, en 2004, 2006 y 2014. Algunas de sus nuevas canciones no están nada mal, aunque queda muy poco de los integrantes originales.
Disfrutemos de las curiosas composiciones en su pequeña etapa de gloria.
A destacar:
> Get me to the world on time - About a quarter to nine (1967)
Primer proyecto del todopoderoso Steve Winwood (Birmingham, 1967 - 1974).
Aunque los estudiosos esnob, barbudos y hippies, de siempre ensalzaron a este grupo, yo no lo tengo nada claro. Me refiero a que muy pocos se atreverán a decir que este fue un grupo "protegido", es decir, de esos en los que cualquier crítica está mal vista.
No obstante, canciones malas tiene muchas, regulares, un montón. De Winwood puede escribirse que es uno de los mayores genios que ha dado la música, pero cuando comenzó en Traffic la cosa no eran trompetas y hordas con brazos en alto.
Para mi Traffic se resume y concentra en un solo tema absolutamente glorioso, este que está aquí. Como pasa en Twin Peaks, es un asunto jodido. Peter Gabriel tomó nota, eso es seguro.
El archiconocido "Feelin´Alright" fue una canción base, pero siempre quedó mejor en el elenco futurible. Lo cito, y ahí queda todo.
Ojalá y siempre ojalá nunca jamás El Hado permita que nos visite ese ser oscuro como la pez, grillo carnoso, alado, con patas delanteras de insecto y ancas traseras de rana. El conjuro para todo mal se escribe así.
Escuchemos.
Grupo británico, formado en 1967, año en el que editaron su único gran éxito, "A whiter shade of pale".
Su tema estrella permanece cual hálito divino y magnífico, y permanecerá era tras era...
Esta es una buena ocasión para detenernos un momento.
Dilucidemos: ¿Esta canción es buena por su letra o por su música? Un asunto para nada baladí que me ha planteado más de uno.
Veamos los hechos. La melodía es impecable, sin embargo su letra es absurda, cuasi rozando la memez. Supuestamente es la historia de chico-deja-chica en clave muy surreal, según contó en su momento el artífice, Keith Reid, compositor que escribió casi todas las canciones de Procol Harum.
¿Y qué es lo que en este podio de maravillas ensalzamos, la música o la letra? Y respondemos ipso facto:
Definitivamente: la música, sin importar cualquier otro parámetro.
En conclusión: la letra del temazo de Procol Harum es tontísima. Pero su música es altamente evocativa. A mi, por ejemplo, me habla de un desierto, un lugar sin alegría, aunque hay una mísera esperanza final. Y habla también sobre el amor, probablemente de un amor imposible, aunque sus protagonistas luchan por él, en desconocida pero épica batalla.
Dicho todo esto, la letra cuenta cuando cuenta de verdad. En caso contrario la música, cuando es suprema, absorbe y empapa como única lengua universal.
Después del post anterior en el que recuperábamos algo de su época más olvidada, llegan los discos de los ´60.
Intentaré dar testimonio de lo mejor y más desconocido, pero me temo que para la integibilidad completa de esta banda es imposible dejar fuera dos glorias mayúsculas de la época como California Girls y Good Vibrations.
En los dos temas restantes selecciono otras alternativas muy interesantes pero menos manidas.
A destacar:
> Surfin´safari (1962)
> Shut down - Honky tonk - Lana (1963)
> Little deuce coupe - I get around (1963)
> Fun fun fun (1964)
> All summer long (1964)
> Dance, dance, dance (1965)
> I know there´s an answer (1966)
> Wonderful (1967)
> Wild honey - I was made to love her - Aren´t you glad (1967)
El gran Milton. Post dedicado de nuevo a mi amigo Wences, fan absoluto de este espíritu puro. Y quiero darle las gracias desde aquí por la sugerencia de estudio.
No conocía a Milton. Pero ha sido un auténtico placer escuchar su extensa discografía.
Este compositor, cantante y guitarrista brasileño está cerca del aura chamán de Carlos Castaneda. Palabras mayores.
En algunas de sus composiciones más logradas logra un transporte salvífico y de auténtica comunión con su ser: alma comprometida con el más desfavorecido, pero que también sabe transmitir por momentos una alegría profunda y de esperanza para con nuestra especie.
Lo curioso de Milton es que su mejor germen, su poso y mensaje, ya se deja sentir en Travessia, magnífico tema de su primer disco. Lo que siguió son variaciones de esta estela, pero que ya estaba presente desde origen.
Impresionante y espectacular el sentido speech de Marcha final... (1982)
Exploró el falsete de una manera particular que acabó convirtiéndose en su firma.
Discografía complementaria (y necesaria):
> Nuvem cigana (1972)
> Tudo que você podia ser (1972)
> Um girassol da cor de seu cabelo (1972)
> Milagre dos peixes (1973)
> Miracle of the wishes (1974)
> Idolatrada (1975)
> Minas geraes (1976)
> A Chamada (1976)
> Ruas da cidade (1978)
> Maria, maria (1978)
> Nos bailes da vida (1981)
> Comunhao (1982)
> Marcha final de banzo e de esperanza (1982)
> Em nome de Deus (1982)
> Ladainha (1982)
> Louvacao a Mariama (1982)
> Pai grande (1982)
> Caso de amor (1985)
PALABRAS MAYORES.
Nacida como Jamesetta Hawkins en 1938 (Riverside - California) se convirtió al poco de su temprano buen hacer en un punto de mira de la música soul y R&B.
Una de las mejores voces femeninas en estos grandiosos estilos, si no la mejor. Juzgad por vosotros mismos.
Fue prodigiosa y legendaria, una personalidad clave de la historia de la Música.
Atención a las selecciones. Como todo gran artista de largo recorrido (estuvo en activo desde 1954 hasta su muerte, en 2012) ha sido muy difícil presentar un mero atisbo del genio de Etta. Pero creo que finalmente constituye un buen vislumbre de lo más eléctrico de esta genial artista.
Empezando por el rabioso Lovin´n you more everyday y acabando con un loco y magnífico duduá.
La versión de Woman elegida es posterior a la original de 1955.
El gran Sly Stone (Sylvester Stewart), un genial personaje multinstrumentalista, a la altura de James Brown.
James Brown podrá ser el padrino del soul, pero en lo que respecta al funk, Sly se lleva la medalla de oro. JB la de plata.
Con su banda consiguieron ser apoteósicos entre 1967 y 1973.
Más allá de eso Sly revirtió en solitario y poco después comenzó a hacer mella en él su adicción a las drogas. No obstante, mantuvo el tipo durante bastantes años.
Actualmente, ya desfondado, vive en una simple caravana después de haber probado las más exclusivas mieles del éxito y del lujo. Una auténtica lástima.
Sly no supo gestionar adecuadamente su volcán, pero es sin duda una figura impertérrita que debemos aquí subrayar, pues, sinceramente, muy pocos lograron lo que consiguió.
En sus primeros discos encontramos no obstante algunas otras joyas supremas, a saber:
"Underdog"; "If this room could talk" y "Trip to your heart" (1967); "Pressure" (1968); "Stand!" (1969) y "(You caught me´) smilin´" (1971).
¿Eran buenos? ¡Noooo!
Eran Dioses.
¿Eran superfluos?
¡Noooo!
Eran filosofía y creatividad pura convertida en rock.
¿Eran feos?
No lo sé brother. ¿En general o en particular?
Respondamos: Sí, Lennon era feillo, un cuatrojos. Paul estuvo bien en tiempos pero necesitó con los años una operación de mamellas, que nunca se hizo. Ringo, no obstante, fue líder en vestir, en lucir anillos y en hacer cine troglodita, un tío con barba que daba la facha. A George le fue un pelín peor, por cosas que está mal decir. Pero sobretodo a Lennon le faltó la fuerza, el instinto, la configuración de carácter para suponer la posibilidad de la visita de un perturbado como Mark David Chapman...
Digresión gratuita:
...O no. Chapman asegura que cuando le pidió el autógrafo, Lennon después de firmar le preguntó mirándole a los ojos si de verdad no quería nada más. Existe una posibilidad habida cuenta del descubrimiento de los diarios de Lennon. Se perdieron en el momento de su muerte pero han sido recuperados en fechas recientes. Hubo en tiempos (antes de la desaparición de los mismos) un investigador al que se le encargó dilucidar qué es lo que contenían y traducirlo a lenguaje comprensible. Pero se los robaron. Hace muy poco han sido recuperados y se está intentando desentrañar todo su contenido, al parecer nada desdeñable.
Lennon escribió estos diarios en una época de total anacoreta, que comprende sus cinco últimos años de vida (1975-1980). Vida en reclusión en la que poco quiso saber del mundo y se dedicó en cuerpo y alma a su hijo (esto me recuerda algo). En aquella etapa oscura se introdujo a fondo en la cábala y en la numerología, obsesionado con el número 9.
Chapman lo mató por la espalda a las puertas de su casa y se sentó tranquilamente a esperar. Podría haber intentado escapar pues tenía una boca de metro justo enfrente, pero no lo hizo. Esperó a la policía, a la que entregó un ejemplar de El guardián entre el centeno de Jerome David Salinger, como queriendo indicar que ahí estaba la explicación de lo sucedido.
Quien quiera tirar del hilo que lo haga, pues la historia es de película. Película que se hará más pronto que tarde.
Constato, después de riguroso estudio que en tres de los cuatro cortes es Paul McCartney el vocalista principal. Tengo que decir que es casualidad, ya que Lennon nunca le fue a la zaga en esto de cantar, pero así me ha salido y así queda...
The Beatles es, sin ninguna duda, el mejor grupo de la Historia musical moderna. El 90% de sus temas son una maravilla. Dicho esto, obviamente aquí no procede hacer selecciones, pues ocuparían al menos diez artículos, y no es plan. Intentaremos solamente elegir algunas canciones excelsas que no son tan reconocidas, como mandan los cánones del blog.
Sgt. Peepers (el increíble y corto reprise), para mí siempre mejor que el largo; Real Love, un tema de Lennon de 1977 pero reconstruido con las nuevas tecnologías en 1995 y vuelto a grabar con los miembros restantes, igual que ocurrió con el grandioso "Free as a bird". She´s a Woman, una cara B magnífica, con McCartney intentando las vocales de Little Richard; y Lady Madonna, una nueva locura de Paul, inspirada en el gran Fats Domino.
Es la primera vez que no voy a abrir una sección de "A destacar", sería demasiado. La práctica totalidad de los temas son destacables por no decir sencillamente geniales.
¿Y entonces a qué vienen esta selecciones?
Cuidado. Han sido escogidas con mucho mimo entre todo el repertorio. Recordad, esto es una exprimidora especial. En este caso particular funciona así: lo mejor de lo menos conocido.
