Pablo Abraira 2 - (Si tú quisieras, Claudia) - 1979 / (Rezaré) - 1978 / (Muévete - Intentando reflejar un sentimiento) - 1981

Exploramos aquí la vertiente pop festiva de Pablo Abraira. Mucho más desconocida.

Hay que resaltar con sobresaliente la orquesta y los coros que le acompañan, impecables, también en las selecciones de la primera parte.

"Si tú quisieras, Claudia" me parece un tema magistral, no solo en composición y coros maravillosos, sino también en su impecable producción, muy por delante de lo que se hacía en 1979. A mi entender, es de lo mejor del panorama en años. 

Pablo Abraira 1 (En el fondo de tu alma - Rodando - Quién tiene un duro de amor) - 1979 / (Pólvora mojada) - 1978

Origen: Madrid.

Periodo: 1977 - 2006.

Compositor y vocalista de melodías inolvidables, sobre todo en sus primeros discos. 

Con un estilo paralelo al de Camilo Sesto rivalizó con él en éxitos en los últimos años de la década de los años ´70. Tanto fue así, que el famoso "Jesucristo Superstar" (1975) fue replicado por Abraira diez años después, incluso con aportaciones de Camilo, pues ambos artistas tuvieron siempre buena sintonía y aprecio mutuo.

Los álbumes de Abraira deslumbraron en la parte final de los ´70, pero parece que después el gran público se olvidó muy injustamente de él, sin embargo siguió ofreciendo muy buenas canciones hasta el año 2000, último en el que nos deleitó con sus magníficas composiciones. Sigue hasta hoy en activo pero sin presentar nada original desde entonces.

Aquí quiero hacer una reflexión. ¿Por qué el olvido de este gran artista, cuando estaba libando las mismas mieles que Camilo Sesto? Bien, según yo lo veo, Abraira se despistó y se puso en la tumbona en los ´80 y ´90 a degustar de sus mieles con fruición en demasía. Y le pasó factura. Lástima. 

Pablo Abraira fue tan bueno que no solo tiene cuatro canciones para estar en este podio. Por eso he decidido hacer dos artículos. En éste exploramos sus mejores canciones melódicas. Son todas tristes y melancólicas, pero es lo que imperaba en ese periodo temporal. Camilo Sesto, Juan Pardo, Julio Iglesias y tantos otros adolecían del mismo virus en esta época, que transcurre entre 1977 y 1981.

 En el siguiente artículo exploraremos su faceta más alegre y moderna.

A destacar:

> 1977: María mi amor - O tú o nada.

> 1978: Eva sin nombre - Amor marinero - Ladrón de amor.

> 1979: Solo hay dos maneras - Seda - Al borde del abismo.

> 1981: Mil gracias por nacer.

> 1983: En esta ocasión - Cuarto creciente.

> 1986: Vuelve - Poema - Gracias.

> 2000: Pasito a pasito - En algún lugar del mundo.

Olivia Newton-John (If) - 1971 / (Amoureuse) - 1973 / (Hopelessly Devoted To You) - 1978 / (Xanadu) - (1980)

Origen: California.

Periodo: 1971 - 2016

Fue, mucho antes de su estrellato en Grease, cantante country, con nada menos que nueve discos publicados hasta que se la recordó por siempre en su actuación junto a Travolta en 1978.

Lo cierto es que su primer disco es bastante bueno (suele ocurrir así), pero luego su carrera se desinfla poco a poco.

Curiosamente, sus dos mejores temas se encuentran, no en su discografía personal, sino en dos grandes BSO en las que participó: la citada Grease y Xanadu, esta última con el inestimable apoyo de la Electric Light Orchestra.

No obstante, Olivia, tiene un buen número de pistas interesantes en su larga carrera, que detallamos a continuación.

A destacar:

> Me and Bobby McGee (1971).

> If Only We Had Love - Why Don't You Write? (1972).

> Outbreak (1973).

> Free the People - Only God Knows (1974).

> And in the Morning (1975).

> Don't Stop Believin' - Newborn Baby (1976).

> A Little More Love (1979).

> The Rumor - Tutta la vita (1988).

> Closer to Me (1998).

La Bionda (One for you, one for me) - 1978 / (Moonlight Palais) - 1979

Origen: Génova (Italia).

Periodo: 1972 - 1998.

La Bionda, traducido del italiano "La Rubia", fue un grupo genovés formado por los hermanos Carmelo La Bionda, considerados como pioneros en el estilo "disco" en Italia.

Editaron ocho discos, pero por el que se les recuerda es el de 1978, su año insigne.

Podría decirse que La Bionda es grupo musicovocal de un solo tema, pero hay otro track, mucho más desconocido, que merece estar en este podio.

A destacar:

> Johnnie, don´t go away (1978).

> Will she or won´t she (1979).

> Deserts of Mars (1980).

Billy Joel (Honesty) - 1978 (Just The Way You Are) - 1977

Origen: Nueva York.

Periodo: 1970 - 1993.

Pianista y cantante. De enorme éxito en algunos temas puntuales que recordamos ahora y con un lapso temporal ceñido entre 1977 y 1978. En esos dos años fue el "súper héroe" Piano Man.

A destacar:

> Movin' Out (Anthony's Song) - 1977.

> My Life - 1978.

Can (Give me no roses - November) - 1978 / (Animal waves) - 1977 / (Vernal equinox) - 1975

Origen: Colonia (Alemania).

Periodo: 1968 - 1979 (+1989).

Exponente máximo del krautrock. Lo importante a recordar en esta banda extinta: Su baterista, Jzaki Liebezeit, llamado en argot "el metrónomo" por su singular precisión matemática a los tambores.

Comencé el estudio de esta banda hacia atrás. Creo que los años dorados de la creatividad en general se apiñan entre 1974 y 1979. Y esta es una de las formaciones que se adhieren a este fantástico periodo.

Can asusta en sus inicios, es música demasiado psicodélica. Por mucho que la amparen los puristas, el grupo no consiguió más que solo tres temas atractivos: Ethnological 36 (1968), Gommorha (1971) y Oh Yeah (1971).

En 1976, con su álbum "Flow Motion" redescubren el reagge, entonces muy en boga.

Empiezan a construir gran material a partir de su "Saw delight" (1977). Aquí hay un tema, "Animal waves", que es muy probable que sirviera de inspiración para el álbum Zoolook de Jarre.

En mi opinión, los álbumes atractivos (para oídos de hoy) son los tres últimos que lanzaron antes de su disolución: Saw delight (77), Out of reach (78) e Inner space (1979).  Volvieron en 1989 con "Rite time", el último. Para el olvido.

A destacar:

> Ethnological 36 (1968).

> Oh yeah - Gommorha (1971).

> She brings the rain - I´m so green - Belair (part2) (1973).

> Seven days awake - Serpentine (1978).

Blondie - Atomic (1980) / One way or another (1978) / Maria (1999)

Origen: New York.

Periodo: 1976 - 2017.

Grupo new wave y pop rock. Siempre a los mandos de su icónica cantante, Debbie Harry.

Lograron algunos hits durante su primer periodo, algunos muy desgastados como "Call me", pero siguieron en la brecha hasta 1982, editando cinco discos irregulares hasta su extinción.

En 1980, poco antes de separarse y de sacar al mercado su último fiasco de 1982, inventaron una fantasía de época: "Here´s loooking at you".

Contra todo pronóstico, volvieron en 1999, casi veinte años después, además con energía y alucinante desparpajo, con unas vocales distintas en Debbie, más maduras.

De hecho, creo que Harry empezó a cantar de verdad, con verdadero estilo, a su vuelta. Antes era una voz muy por desarrollar, eso no quita que también tuviera su atractivo ni vamos aquí a postular por la señora Harry. No. La Debbie joven también fue genuina al 100%. Los hechos lo demuestran, sobre todo al escuchar "Atomic".

En 2011 aparece nuevo disco, sin mayores consecuencias, pero en 2014 lanzan un nuevo trabajo bastante sorprendente (Ghosts of Download), esta vez en onda completamente pop.

 En 2017, vuelven con "Pollinator", con la intención de retomar su sonido inicial, incluyendo presentar de nuevo a Debbie como una chica boom. Es penoso verla en sus últimos clips; por supuesto, alterados, pues nadie puede creerse esa presencia sexy en una señora que contaba 72 años entonces.

A destacar:

> Heart of glass - Picture this (1978).

> Here´s loooking at you (1982).

> Rave - A rose by any name (2011).

> Make a way 2 (2014).

Meco (Medley Star Wars) - 1977 / (The Empire strikes back) - (The force theme) - 1978

Origen: EEUU 

Periodo: 1974 - 1985. 

Domenico Monardo, productor discográfico friki que tuvo la genial idea de procesar grandes BSO hacia el estilo funk. 

Fueron muy sonadas sus particulares interpretaciones de la saga Star Wars. 

¡A BAILAR!

 

Wings - Bridge on the river suite - 1976 / I´ve had enough - 1978

Origen: Inglaterra.
Periodo: 1971 - 1981.

Grupo ideado por Paul McCartney junto a Linda, su mujer, un año después de abandonar The Beatles.
Apreciamos rápidamente que este ex-beatle valía mucho menos sin sus antiguos compañeros. O había perdido la inspiración. O, como le ocurrió a Lennon, su compañera femenina tuvo nefasta influencia.

Un tema instrumental es casi lo mejor que produjeron.

A reseñar:

- Ram (1971).
- Bluebird (1973).
- Get on the right thing - The Mess (1974).
- Bewere my love (1976).

The Kinks (Stormy sky) - (Full moon) - 1977 / (Black Messiah) - 1978

Origen: Londres.
Periodo: 1963 - 1993.

Este grupo genera reacciones encontradas. O lo amas o lo odias.

¿Qué son The Kinks? ¿Un grupo rockero? Pues algo sí, pero yo no los definiría como rockeros, habida cuenta de la voz de membrillo de Ray. ¿Entonces pop? Pues en general tampoco (aunque entre 1983 y 1986 sí lograron hacer algunos buenos temas pop). Demasiada guitarra y demasiado afán por ser rock sin serlo. Yo lo llamaría rock pasteler, y ahora mismo no se me ocurre ninguna otra banda que les pueda acompañar. ¿Quizá rock sensible al entorno, ya que son excelentes cronistas sociales? Ya, ¿pero eso qué coño es? ¿Rock gay? Bueno, bueno, quedemos en que es rock sensible. Estos sufridos músicos -dos hermanos siempre a la gresca- hablan de nostalgias del celuloide y de actitudes londinenses sarcásticas y afiladas.

Hay que decir que para su testamento musical, su último álbum, Phobia (1993) sí consiguen por fin construir un disco rock en las expectativas de Dave Davies, por décadas frustradas por su hermano que no le emocionaba la potencia. Pero ¡oh!, lástima, con pobres resultados a todos los niveles.

Una cosa siempre me rechina: El pajarito Davies canta como ofreciendo misa en demasiadas ocasiones, me sugiere la imagen de una nena espantada porque un niño impertinente le ha levantado la falda. Me recuerda, salvando las distancias, a lo que pasaba con Marc Knopfler en Dire Straits. Ambos, Ray y Marc debieron buscar un cantante más competente para sus respectivas formaciones.

Veintitrés discos de estudio es bagaje suficiente para tomarse este grupo en serio, no obstante lo dicho.
Pues The Kinks son buenos en su tibieza, grandes en su mensaje, discutibles como rockeros. You really got me estuvo bien. Aunque años después Van Halen demostró lo que vale un peine con una explosiva versión que a) dejaba la original para los restos ó b) la amplificaba. Según se mire.

The Kinks tiene luces (bastantes temas destacables) y muchas sombras (muy pocos excelsos) y no es una banda que esté capacitada para sobrevolar el tiempo, de hecho ya está cuasi olvidada. En dos generaciones pocos la recordarán.
Pero aquí se han ganado un podio por un pequeño hatillo de canciones realmente sobresalientes y bastante desconocidas. Por cierto, concentradas entre 1977 y 1978, en mi opinión su momento más dulce.


A destacar:

> You Still Want Me -  I Don't Need You Any More - You really got me (1964).
> Everybody's Gonna Be Happy - Who'll Be the Next in Line (1965).
> Holiday In Waikiki - You're Lookin' Fine (1966).
> Sitting by the Riverside (1968).
> Here Comes Yet Another Day (1972).
> There`s A Change In The Weather (1973).
> Introduction To Solution - He's Evil - Mirror Of Love - Artificial Man (1974).
> Schooldays (1975).
> The Poseur (1977).
> Hay Fever - Live Life (1978).
> Moving Pictures (1979).
> State of confusion - Come dancing - Heart of gold (1983).
> Too hot (1984).
> Working at the factory (1986).

Manfred Mann (Trouble and tea) - 1967 / (Mighty Quinn) - 1968 / (California) - 1978 / (Lies) -1980

Origen: Johannesburgo (Sudáfrica).
Periodo: 1962 - 2004.

Nombre real: Manfred Lubowitz.
Curioso teclista, inicialmente interesado por el jazz. Compaginó esos primeros años con un currículum de profesor y escribidor de artículos ingeniosos.

Cambios de nombre:
Decide hacer finalmente su propia música pero el nombre del proyecto es muy inestable. Pocas formaciones han vivido tanta indecisión: pasa de llamarse Mann Hugh Blues Brothers en 1962 a Manfred Mann a secas en 1963. En 1969 el grupo gira hacia el jazz experimental y ponen tercera etiqueta: Manfred Mann Chapter Three.

No contento con ello (y no me extraña, porque el nombre era una pena) el ínclito presenta en 1971 nueva nomenclatura, esta vez definitiva: Manfred Mann´'s Earth Band.
Sus fans estaban hasta los huevos de estar hasta los huevos. Normal. Pero sobre todo porque la cosa había derivado en muy poco tiempo de un estilo serio cercano a The Animals a ser un artefacto rock progresivo. Cuando en realidad, a partir de 1972, se reconvierte en una buena banda vendida al mejor postor sonoro, sea rock, sea pop o sea lo que sea.

Veinticinco trabajos de estudio anegados en su mayor parte por falta de criterio.
Pero sobrevive, por supuesto, algo tangencialmente bueno en estas selecciones y destacables.
Es hora de disfrutar Manfred Mann en estado puro: Una suerte de destilado que, ciertamente, es tan bonito de escuchar como lo es deglutir una hamburguesa especial con huevo en Tony Roma´s.

En el primer vídeo me deja fascinado el énfasis energético del cantante principal, Chris Thompson, pero es que hay tres más poniendo voces, el propio Manfred, el fantástico Trevor Rabin (que aquí aparece como un lastimoso granjero con peto vaquero), una tipa sin voz ninguna y un émulo de Toulouse-Lautrec.

A destacar:
> Come tomorrow / Sticks and stones (1964).
> Let´s go stoned / Since I Don't Have You (1965).
> Living without you (1972).

Nina Hagen (TV-glotzer -white punks on dope-) - 1978 / My Sensation - Zarah - New York, NY (1983)

Origen: Berlín (Alemania).
Periodo: 1978 - 2011.

Nina fue niña prodigio interpretando ópera en su tierna juventud.

Subversiva, como sus padres, intentó con su banda explorar el universo punk durante los últimos años gloriosos setenteros. Pero no fue este su medio natural. A Hagen le tiraba más la creciente new wave, que llegó a reinterpretar magistralmente en su disco Angstlos (1983). Aquí se encuentra lo mejor de Nina. Un trabajo pletórico, radical, que redimensiona su música. No es punk, no es new wave, no es ópera y no es rock, pero el resultado es una muy curiosa y personal amalgama de todo ello. Sin duda, un disco "major" que en su momento no fue del todo bien entendido pero que ha cogido peso con el transcurrir del tiempo.

Hay que decir que "Zarah" es un espléndido cover de un tema antiguo de Zarah Leander, antigua espía alemana-suiza, pero que en época de Hitler fue una actriz y cantante ensalzada por la Alemania nazi.

Nina lo siguió intentando con una docena más de trabajos. Pero según pasaba el tiempo, menos esperanzas existían. Hasta finalmente casi rozar el ridículo. De cualquier modo, se merece aquí un podio sin ninguna duda.

A destacar:

> Ich bin da gar nicht pingelig (1978).
> Fall in love mit mir reinhören (1979).
> Cosma Shiva (1982).
> Lorelei (1983).

Genesis (2) (Down and Out) - 1978 - (Abacab) 1981 - (Behind the lines) - 1980 / (Home by the Sea) - 1983

Origen: Surrey (UK)
Periodo: 1976 - 1997.

Segunda parte. Periodo con Phil Collins como vocalista.

"Down and Out" pertenece al primer disco ya como trío y el logro es que aun manteniendo su rock primigenio consigue hacerlo más moderno y más potente, aparte de que la percusión de Phil Collins alcanza cotas de apoteosis; ritmo machacón pero muy original, que ofrece también "Abacab", un tema que plantea un puente perfecto y acertado, exento de cualquier etiqueta.
En And then there where three... (1978) casi todo es destacable. Yo diría que es el mejor disco de Collins, aunque el siguiente, Duke (1980) no le va muy a la zaga.

Abacab (1981) es un álbum más flojo, exceptuando el tema homónimo (en selección) y un par destacables.

En 1983 lanzan Genesis, a secas, con el mensaje de ser un grupo renacido, fresco, ya pop rock, pero de muchísimo peso, muy lejos de las banalidades que se hacían en el género por esa misma época.
Es de hecho el último gran trabajo de la banda. Aparte de "Home by the sea" y su secuela incluye temas deliciosos como "Silver rainbow" o "It´s gonna get better".

A destacar:
> Dance on a volcano (1976).
> Snowbound - Burning rope - Scenes from a night´s dream - Say it´s alright Joe - The lady lies - Follow you, follow me. (1978).
> Heathaze - Please don´t ask - Misunderstanding - Duke´s travels, Duke´s end. (1980).
> No reply at all (1981).
> Second home by the sea - Silver rainbow - It´s gonna get better. (1983).

Ace Frehley (Speedin´ back to my baby) - (New York groove) - 1978 / (Into the void) - 1997 / (Past the milky way) - 2014

Origen: New York.
Periodo: 1978 - 2025.

Guitarra de la mítica banda americana Kiss en su época gloriosa de los ´70.
De nombre real Paul Daniel Frehley, siempre fue un personaje muy querido por los amantes de la legendaria formación. Quizá el más mediático en su momento (1974 - 1981).

En los últimos tiempos con la banda estuvo muy desenfrenado, protagonizando persecuciones policiales a bordo de su Delorean. Historietas alucinantes dignas de cómic Crumb.

Para 1980, en sus postrimerías con Kiss, se hizo construir en su mansión un estudio de grabación digno de la NASA. Allí se recluía con un arsenal de ginebra y grabó multitud de pistas para el proyecto The Elder (1981), la mayoría de las cuales fueron desechadas por Simmons y Stanley. Esto le provocó un cabreo cenital, que unido a eso de dormir en cunetas (estrellaba su coche como si fuera gratis) propició que él mismo se despidiera de Kiss. Ojo. No fue despedido, lo hizo él solito.

En realidad quería dedicar más tiempo a su pequeña hija Monique, aunque la ginebra siempre estuvo ahí, no iba a abandonarla así de repente porque a Simmons le hubiera dado la pataleta, por supuesto que no. Además el grupo no le permitía degustar el agua de fuego con toda la dedicación que Ace deseaba.
Pero dejemos estos asuntillos y hablemos de su carrera en solitario, carrera que en realidad comienza en 1978, cuando todos los miembros de Kiss editan a la vez el mismo día su disco personal (única banda que ha tenido esta ocurrencia). El plástico de Ace fue muy aclamado y el más popular de los cuatro, con certificado platino -más de un millón de copias vendidas-. No en vano Frehley se volcó a conciencia, tocando todos los instrumentos menos la batería, que estuvo a cargo de Anton Fig.
Seleccionamos de este disco dos tracks muy buenos.

En 1987 por fin lanza su proyecto Frehley´s Comet, con secuela al año siguiente. Pero ambos pasaron sin pena ni gloria.
Para 1989 ya había abandonado dicho proyecto y construye un LP totalmente Frehley llamado Trouble Walkin´, preludio del AOR. Lo mejor en muchos años de Ace, pero editado por Megaforce Worldwide, una pequeña división de Atlantic que lo privó de la difusión que merecía.
Es este un disco muy divertido, que explora a gusto esa vena cool desenfadada que tiene nuestro héroe. Pues precisamente lo que hace de Frehley un personaje tan querido es el humor que destila cada una de sus composiciones, y su manera de cantar, siempre con un toque vacilón relleno de sarcasmo, casi siempre humorístico, un estilo único y muy personal, que tiene sus mejores imitadores -a nivel solo guitarra- en la saga Kulick (ver post) pero también en su reemplazo (Tommy Thayer), que le ha robado su indumentaria y maquillaje de spaceman, sin ser capaz, eso sí, de imitar el fino humor de Ace Frehley. Solo hay que ver el clip de la promo de su "Anomaly" para darse cuenta. Ese sonido de marsupial en celo que emite montado en una chopper lo dice todo (pondremos este vídeo al final de las selecciones).

Por cierto, hubieron de transcurrir nada menos que veinte años para que viera la luz su siguiente disco: Ese Anomaly (2009) al que acabamos de hacer referencia y que es seguramente su mejor trabajo en solitario. Pero de nuevo editado por una pequeña compañía (Bronx Born Records) que no hizo demasiado por llevar esta gran obra a todos los lugares que sin duda merece.

¿Pero a qué se dedicó Ace en todo ese tiempo? Bueno, suponemos que a su hija, a cold gins y a toda la vida contemplativa que podía ofrecerle el colchón millonario que acumuló con Kiss.

Pero, sorpresa, en 1997 fue reclutado de nuevo por Simmons y Stanley, junto a su compi de correrías nocturnas, Peter Criss, para una espectacular reunión del Kiss original. Todo aquello acabó con la edición de Psycho Circus (1998) y una gira mundial multimillonaria. En este disco se salva un único tema, "Into the void", que fue curiosamente el único compuesto, tocado y cantado por Frehley. Lo vamos a incluir en selección por su relevancia y porque es 100% Frehley.
Después, Ace decidió dejar Kiss y seguir con lo suyo.

Curiosidad: Cuatro de sus seis discos de estudio acaban con un tema instrumental que ha ido evolucionando a través del tiempo:
- Fractured mirror (1978).
- Fractured too (1987).
- Fractured III (1989).
- Fractured quantum (2009).

En 2014 pone en el mercado un nuevo trabajo llamado "Space invader". El arte del disco es muy retro, con una nave espacial de las dibujadas en la época dorada de la sci-fi (Astounding Stories), apareciendo él mismo con uno de los primigenios trajes spaceman que lució en Kiss. En su interior se encuentra una joya llamada Past the milky way.

En 2016 y 2020 lanzó los Volúmenes "Origins", dos discos en los que versionea canciones de los grupos que más le gustan.

Entremedias sacó a la luz "Spaceman" (2018).

Su último trabajo fue "10.000 volts" (2024), antes de morir un año después a causa de una hemorragia cerebral producida por una caída en las escaleras del estudio de grabación de su casa.

RIP Ace.

A destacar:

> I´m in need of love - Rip it out - Wiped out (1978).
> Love me right (1987).
> 2 young 2 die - Five card stud - Lost in Limbo - Fractured III (1989).
> Fox on the run - Outer space - Too many faces (2009).

Sex Pistols (God save the Queen) - (No fun) - 1977 / (My way) - 1978

Origen: Londres.
Periodo: 1975 - 1978.

Susto mediático del establishment británico de fines de los ´70. No en vano su buque insignia (God save the Queen) fue prohibido en todas las emisoras UK.
Tuvieron una sorprendente resonancia si tenemos en cuenta su producción: algunos sencillos y un único LP, "Never mind the Bollocks".
Sid Vicious (John Simon Ritchie) murió poco después de la disolución de Sex Pistols. Pero le dio tiempo a hacer alguna cosita en solitario. La versión de My way de Sinatra es muy recordada y la incluiremos aquí.

Idea loca:
Michael Landon hizo un capítulo ficticio para su serie Autopista hacia el Cielo en que se transportaba como angel a 1978 y le daba a nuestro héroe tres o quince consejos para que la cosa no acabara como el rosario de la aurora. Lástima que no se le ocurriera ese guión, hubiera estado bien.

El famoso ladrillo de Robert Dimery, "1001 Discos que hay que escuchar antes de morir" tiene nada menos que a Sid Vicious en su portada. Por algo será.
Tras su muerte se transfiguró, y su imagen ha sido estampada en millones de camisetas. Aunque fuera un mal bajista y un ser que llevó su inmadurez a límites prohibidos por la naturaleza, se merece que conozcamos sucintamente su historia.
Haremos siete paradas rápidas:

1. Sid era un fan declarado de David Bowie. Dato muy curioso que avisa que en sus comienzos aún le funcionaba el sonajero.
2. Johnnie Rotten -el cantante- (de nombre real John Lydon) fue amigo de Ritchie desde jovencito, compartían piso y el nombre de Sid Vicious se lo puso Rotten cuando su hamster (Sid) mordió a su amigo. Fue él el que le introdujo en Sex Pistols.
3. No fue su primera incursión musical, antes ya había cantado y tocado la batería. Sin embargo fue contratado como bajista, aunque por error, pues la mánager quería que fuera la voz del grupo debido a su actitud rebelde y polémica, con una hoja policial que le sirvió de currículum incontestable.
4. Sid no tenía mucha idea de tocar el bajo, aunque lo intentaba. La mayoría de lo grabado en "Never mind the Bollocks" no está tocado por el sino por el bajista Steve Jones.
5. Comenzó una relación con una groupie, Nancy Spungen, una chica destructiva y heroinómana. Su obsesión era palmarla puesta hasta el culo, pero quería llevarse a Sid con ella en el pack. Parece que establecieron unos lazos muy fuertes, y parece que no solo consiguió su objetivo sino que también se llevó su corazón.
6. Spungen murió finalmente de una cuchillada en el abdomen en una habitación de hotel que compartía con Sid. No está claro qué es lo que ocurrió. Aunque el ínclito fue arrestado por su muerte nadie de su círculo se creyó que el fuera el autor del crimen. (Hay otro personaje oscuro en esta historia, que aquí no viene al caso). Fue liberado a los cuatro meses. Virgin Records pagó la fianza y Mick Jagger (de incógnito) pagó su abogado. El 1 de febrero de 1979 su madre le organizó una fiesta para celebrarlo. Estaba limpio de drogas, sin embargo se inyectó una sobredosis de heroína que lo llevó a la tumba. Tenía solo ventiún años.
7. Días después se encontró una nota suya que decía: "Hicimos un pacto de muerte, yo tengo que cumplir mi parte".

Ejemplo ejemplar de lo que ocurre cuando las palomillas de la sesera están dramáticamente desajustadas.

Ted Nugent (Stranglehold) - (Snakeskin cowboys) - (Motor city madhouse) - 1975 / (Tight spots) -1978

Origen: Detroit (USA).
Periodo: 1975 - hoy.

Lo único cierto y verificable es que Nugent fue un virtuoso de gran talento, primero al frente de Amboy Dukes (hay post) y luego en solitario durante al menos la segunda mitad de los ´70.

Su disco debut de 1975 es una joya del hard rock. Un año, por cierto, en el que se firmaron una y otra vez (en todos los estilos) grandísimos trabajos.

A continuación llegaron, de corrido, "Free for all" (1976) y "Cat scratch fever" (1977), igualmente alabados por la crítica. Son buenos, pero no están a la altura de su debut. Ello es debido en parte porque Ted canta en estos subsiguientes discos. No era mal cantante, pero Holmes lo hace mejor en su primer plástico.
En 1978 lanzó "Weekend Warriors", completamente al mando, su mejor disco como vocalista, en el que tuvo el control absoluto sobre unos resultados, a la postre, excelentes. El arte de esta portada se queda grabada en la retina: la guitarra convertida en arma de fuego.
Una reivindicación muy suya, además, porque las armas le excitan, algo que siempre ha defendido en sus encendidos discursos políticos. Al parecer, solo come carne cazada por el mismo y sus tesis a favor de la tenencia de armas no son tan estúpidas como muchos puedan creer, no son tan sencillas de desmontar. Ted no es ningún idiota, aunque pueda parecerlo. Uno se queda solamente con sus titulares y le cataloga como cenutrio, pero aquí es necesario ahondar más en sus razonamientos para opinar con criterio sobre el personaje.

Volvamos a lo que interesa: No hizo nada musicalmente glorioso más allá de Weekend Warriors. En 1984 lo intentó con "Penetrator" contratando nuevo vocalista, pero no resultó. Luego volvió el mismo a hacerse cargo de todo, pero los siguientes trabajos quedan en el limbo de lo que no pudo ser.

Hay una anécdota graciosa respecto al festival Monsters of Rock de 1985.  Fue tal su obsesión por volver a la palestra y sonar muy muy potente que en esa puesta en vivo contó con dos bajistas y dos guitarras más, además de la suya. Llevó una columna de Marshall ciclópea con potencia suficiente para salir todos volando. Eso, unido a su conocida afición de pegarse a los amplificadores, supuso que a mitad de concierto se quedara sordo y tuvo que retirarse, teniente total.

A destacar:
> Hey baby - Stormtroopin´- You Make Me Feel Right At Home - Queen Of The Forest (1975).
> Free for all (1976).
> Cat Scratch Fever (1977).
> Need You Bad - I Got The Feelin' (1978).
> Alone (1979).
> Never Stop Believing (Blues) (2014).

Dead Boys (Son of Sam) - 1978

Origen: Cleveland (USA).
Periodo: 1976- 1979.

Primer grupo punk liderado por el inefable guitarra y vocalista Stiv Bators (más tarde en The Lords of the New Church y The Wanderers).

En este tema parece que de nuevo escuchamos a la primerísima banda de Alice Cooper. Podría encajar muy bien en su Love it to death (1970) que, por cierto, en nuestra opinión es uno de los discos más atractivos de rock jamás construidos. No solo las vocales de Stiv Bators recuerdan aquí a las de Alice, todo el tema en sí es un revival. Juzgad por vosotros mismos.
Merece la pena esta reseña, pues Dead Boys no es muy conocido. Editaron únicamente dos discos de corrido en 1977 y 1978.

A destacar:
> Ain´t nothing to do (1977).

Giorgio Moroder (Baby blue) - 1979 / (Midnight Express theme) - 1978 / (Tempted) - 2015

Origen: Ortisei (Italia)
Periodo: (1969 - 2015)

Moroder es un compositor, cantante y productor que supuso un ingrediente básico en la música disco de los ´70 y más tarde en la llamada "techno".

Es una figura clave en estos estilos, que ha tenido muchísima influencia en el devenir de la música de baile de calidad, sobre todo en Europa.

Ha editado 16 álbumes de estudio, los diez primeros cubriendo toda la década setentera, que es donde se condensa lo mejor de su producción.

Paralelamente ha construido bandas sonoras de películas, nada menos que una veintena, entre las que se encuentran BSO tan conocidas como:
Midnight Express (1978), American Gigolo (1978), Battlestar Galactica (1978), Cat People (1982), Flashdance (1983), Superman III (1983), Metropolis (1984), La historia interminable II (1990). amén de hacerse cargo de la música de los Juegos Olímpicos de Seúl (1988), y del Mundial de Fútbol de Italia en 1990.

En Baby Blue, el mismo Paquito (Francisco Franco), incluso con un solo huevo, no hubiera llegado a ese nivel de "castrati". Todo un logro.
Aviso: Cuidado con este tema, se te agarra a la mente y no la suelta ni después de un sueño reparador. El antídoto es escuchar "Oh mamy blue" (es broma, ¿eh?).

A destacar:

> Knights in white satin (1976).
> First Hand Experience in Second Hand Love (1977).

Ronnie Montrose (Town without Pity) - (Heads up) - 1978 / (Outer marker inbound) - 1990

Guitarrista nacido en San Francisco en 1947.

Formó su propia banda, Montrose en 1973 (ver post). Y en 1978 vio la luz su primer disco en solitario, "Open Fire".
Todos los trabajos que editó bajo su nombre (ocho en total, el último en 1999) son instrumentales y firmando un rock progresivo espacial muy técnico y por delante de su época.
Open Fire es uno de los más interesantes y completos.

A pesar de que tuvo el respaldo de una discográfica gigante como la Warner, solamente el primer disco de su banda original "Montrose" tuvo repercusión en ventas. Ni los esfuerzos del grupo posteriores ni sus discos en solitario (incluyendo su proyecto paralelo, "Gamma") tuvieron la suerte que se merecían.

El 3 de marzo de 2012 se suicidó con un disparo en la cabeza. Tenía solamente 64 años. No dejó ninguna nota, pero poco antes a su mujer le había confesado que sentía un vacío creativo total. En un principio la familia ocultó este hecho y aunque estaba luchando contra un cáncer de próstata diagnosticado en 2007, más tarde salió a la luz que aquello no fue la causa de su muerte.


A destacar:
> Open fire - Mandolinia (1978)
> Catscan - Odd man out (1986)
> Telstar (1990)
> Primary function (1994)

Barbra Streisand (Prisoner. Eyes of Laura Mars) - 1978 / (The Way We Were) -1973 / (Superman) - 1977

La gran Barbra, la grandísima Streisand. Qué stress. Desde jovencísima, cantante de éxito, con poco más de veinte años una estrella con su propio espacio en televisión. Tertuliana medio chalada que siempre tuvo un objetivo claro: destacar por delante de sus contemporáneos. Incluso fue capaz de sobrepasar a The Beatles en ventas cuando la banda de Liverpool era una apisonadora. Nadie más puede decir lo mismo.

Compositora, actriz y directora de cine, fue la primera mujer que con "Yentl" (1983) consiguió el hito de ser protagonista, coguionista y directora a la vez. Y también la primera mujer en ganar un premio Oscar como compositora. Fue en 1977 con "Evergreen" de la película "Ha nacido una estrella". Antes de eso, en 1969, ya había ganado otro Oscar, esta vez como actriz protagonista en Funny girl.

En fin, para datos apabullantes y premios tenéis wikipedia.
Personalmente creo que su cénit, tanto cinematográfico como musical, se encuentra en la cinta de Sydney Pollack, "Tal como éramos" (1973), compartiendo papel protagonista con un Robert Redford también en plenitud de facultades. La BSO será probablemente recordada por eones.

Cinco años después, otra maravilla, "Los ojos de Laura Mars" (1978). Y es que Barbra compuso varias veces los temas principales de sus películas.

Un año antes editó "Superman", un álbum bastante olvidado con las únicas canciones pop rock de esta diva, de resultado irregular pero del que hay que destacar su tema homónimo.

En definitiva, una larguísima lista de álbumes publicados (más de treinta), buscando siempre la excelencia, y lográndolo en no pocas ocasiones. Ave, diosa.