Gilbert O´ Sullivan (Alone again. Naturally) - 1972 / (We will) - 1971 / (No way) - 2015 / (At The Very Mention Of Your Name) - 1987

Origen: Waterford (Irlanda).

Periodo: 1967 - hoy.

Maravilloso y olvidado cantante, pianista y compositor. Con 6 temas como nº1 en su haber, fue, en muchas facetas, el músico más destacado a nivel mundial en 1972.

Entre los años 1971 y 1973 su desempeño fue absolutamente espectacular, época en que entregó un buen hatillo de buenísimas canciones.

A partir de 1975, las relaciones con su mánager se fueron al garete y le costó mucho retomar el vuelo, cosa que hizo brevemente en 1980 con el lanzamiento de la que es una de sus canciones más conocidas, incluso hoy día: "What´s in a kiss".

Su obra cumbre, sin embargo, es "Alone again (naturally)", pero existen algunos temas mucho más desconocidos que deben estar en este podio.

Ha seguido escribiendo canciones hasta hoy, casi todas de calidad, aunque sus conciertos sean desde hace décadas en salas pequeñas, pero en los que su hueste de fieles seguidores, muy maduritos, se lo pasan pipa, pues es todo un musicazo con todas las letras. Prueba de ello es el tema en selección "No way", firmado en 2015, que aún conserva todo el alma de sus inicios.

Su música es muy heredera del genial pianista y compositor de Supertramp, Rick Davies. No obstante, fue el batería en Rick´s Blues, la primera banda de Davies antes de formar su súper grupo. Pero también su música tiene muchas reminiscencias a Paul McCartney (aún superándolo ampliamente) y, aunque no se haya dicho, también a Jeff Lynne (ELO) en su alma, salvando obviamente distancias estilísticas y técnicas.

A destacar:

> Nothing rhymed (1970).

> Matrimony (1971). 

> I´m in love with you - I´m leaving - Ooh-Wakka-Doo-Wakka-Day (1972).

> Get down - A Friend Of Mine (1973)

> You are you - Happiness Is Me And You (1974).

> The Niceness Of It All - What´s in a kiss (1980).

> Bear With Me (1982).

> Stick In The Mud (1987).

> I'll Guess I'll Always Love You (2015).

Chase (II) (Cronus) - (Celebrate) - (Swanee river) - 1972

Segundo disco, llamado "Ennea" (1972), para el cual la crítica tuvo sus más y sus menos, porque no entendía que un debut pudiera tener una secuela tan buena, sobre todo porque los oídos ya no percibían la sorpresa. 

Pero lo cierto es que Chase continuó aquí haciendo lo mismo, pero mejor. El elemento inédito había ya ocurrido pero con el paso de los años este trabajo se constata como una absoluta joya.

A destacar:

> Woman of the dark.

Raspberries (Go all the way) - 1972 / (Hard to get over a heartbreak) - (I´m a rocker) - 1973 / (I don´t know what i want) - 1974

Origen: Cleveland (USA).

Periodo: 1972 -1974.

Primera banda de éxito de Eric Carmen (en Sumudaba ostenta el honor de ser el primer post, con su maravilloso "All by myself"). Aunque hay que decir que Carmen tuvo sus problemas en cuanto a derechos de autor, porque estaba claramente basado en el segundo movimiento para piano del compositor ruso Rachmaninoff, pieza construida allá por 1900. Después de litigios, Carmen hubo de ceder el 12% de lo que obtuviera por ventas de este tema. El piano de All by myself es un plagio de Rachmaninoff. Le salvó que estaba a punto de convertirse en arte de dominio público, que son 80 años. Solo le faltaron 5 añitos.

Respecto al grupo que nos ocupa, Raspberries es considerado un primigenio exponente del power pop. Intentaron una mezcla entre los recién extintos Beatles, Small Faces y Beach Boys, según declaraciones de la banda. Y es cierto, pero lastimosamente incidieron en esa faceta tan original muy poco. Solo pueden reseñarse cuatro temas de entre sus cuatro discos que estuvieran en onda power pop. Que son precisamente los que aquí traemos.

No en vano, el grupo se disolvió precisamente por esto: el batería y el bajista querían seguir esa línea más rockera y su líder, Eric Carmen, estaba por otras mieles. Ahí acabó Raspberries y comenzó Eric Carmen en solitario.

A destacar:

> On the beach - Ecstasy (1973).

> All thru the night (1974).

Jim Sullivan (Plain as your eyes can see) - (Sandman) - 1969 / (Lonesome picker) - 1972

Origen: San Diego - California (USA).

Periodo: 1969 - 1972.

Compositor, cantante y guitarrista, comenzó su andadura tocando en clubs de Los Angeles allá por 1965. Cada vez era más demandado en directo y allí hizo muchos amigos famosetes de Hollywood, sobre todo desde que era cabeza de cartel en el prestigioso club Raft de Malibú, codeándose con figuras como Lee Marvin y Harry Dean Stanton. 

En los últimos sesenta tuvo mucho éxito en sus puestas en vivo y contaba con numerosas amistades que le instaron a lanzar un disco con sus canciones. Pero no tenía dinero para ello. Se acercó a algunas discográficas, como Capitol, en la que trabajaba su mujer, pero le rechazaron alegando, como casi siempre, razones peregrinas. De modo que, en un alarde de buenas intenciones, sus amigos, que eran ya muchos y potentes, pusieron dinero para que Sullivan editara su primer disco. 

Para ello, con dos cojones, crearon entre todos una pequeña discográfica llamada Monnie (una afectación del término "Money", que era lo que Jim necesitaba). Contó con músicos de primer orden, como el baterista Earl Palmer (Sinatra, Phil Spector, Little Richard, Ray Charles, Sam Cooke, Eddie Cochran, The Beach Boys, Neil Young, The Byrds, Dizzie Gillespie, Elvis Costello y muchos otros, un figura estratosférico a las baquetas). También tuvo la suerte de contar con Jimmy Bond al bajo.

A su primer disco lo llamó UFO. Sullivan creía en las teorías sobre Roswell y en que extraños seres nos visitaban desde otros mundos o dimensiones.

Este primer trabajo fue maravilloso, pero le faltó difusión y tuvo muy poco eco, que es lo que ocurre cuando un buen producto, aún perfectamente diseñado, no encuentra canales para que se le conozca. Jim Sullivan, como miles antes y después de él, no entendió por qué su fantástico disco no se vendía. Y aunque otra discográfica -Century City Records- lo relanzó en 1970, no supo hacerlo bien y la cosa cayó de nuevo en saco roto.

Playboy (que entonces tenía también sello discográfico, Playboy Records) editó su segundo disco en 1972. De nuevo sin apenas repercusión. Lástima, pues era tan bueno como el primero.

Lo último que se sabe de Sullivan es que en 1975, con su matrimonio deshecho, viajó a Nashville en busca de una oportunidad. Se registró en el Mesa Motel de Santa Rosa, Nuevo Mexico, compró una botella de vodka y condujo hasta un rancho cercano al área 51. Dejó abandonado su coche con su guitarra y discos por vender en el maletero y se internó en el desierto. Nunca más se le vio ni fue encontrado su cadáver. Hoy sigue constando en las listas de personas desaparecidas.

Su música oscura y su disco UFO hicieron volar la imaginación de sus fans. Y hoy día muchos creen que fue abducido por esos extraños seres que, como él, vibraban en otra dimensión.

Nazareth (Cat's eye apple pie) - 1972 / (Silver dollar forger) - 1974 / (Waiting for the man) - 1976 / (Revenge is sweet) - 1977

Origen: Escocia.

Periodo: 1968 - 2018.

Banda superlativa de hard rock en los ´70. 

En determinados territorios no tuvo la difusión que merecían. España fue uno de ellos.

Su "Expect no mercy" (1977) es un alarde. Su sonido está por encima de lo que por entonces hacían AC/DC y KISS. No digo más...

En los ´80 y más allá fueron perdiendo fuelle.

Curiosidad: quizá fueron ellos los que inspiraron el famoso "Another one bites the dust" de Queen. Nos referimos a "Waiting for the man" (perteneciente a un disco llamado "Play´n´the game"). Curioso: Ese disco de Queen se titulaba "The Game" y su primer track "Play the game". ¿Casualidad?

Lo probable: Queen escuchó esto en 1978 y luego lo adaptó, cambiando ligeramente el tempo de la batería para 1980. En mi opinión, es clara la influencia de este tema de Nazareth en la composiciòn del famoso de Queen, solo un año más tarde.

A destacar:

>  I Will Not Be Led (1972).

> Woke Up This Morning (1973).

> Beggar's Day- Hair of the Dog (1975).

> Vancouver Shakedown - Down Home Girl (1976).

> Gone dead train - Gimme what's mine - Kentucky fried blues - New York broken toy (1977)

> No Mean City (1978).

> Showdown at the Border - Fast Cars (1980).

> God Save The South (1998).

Raffaella Carrá (Chissà Chi Sei) - 1970 / (Ma che sera) - 1972 / (Rumore) - 1974 /

Origen: Bolonia (Italia).
Periodo: 1970 - 2016.

Loca maravillosa, cantante, actriz, presentadora explosiva de televisión.
Todos recordamos su presencia en algunas noches de fin de año, pero muy pocos sabrán de su buen hacer primigenio en la música.

Como cantante fue una bomba H desde su primer disco en 1970. De hecho, su producción más interesante se concentra en los setenta, años en los que despliega sin filtro canciones memorables, que cantó en su lengua madre pero también en castellano.

Ma che sera (1972) concuerda con el Benidorm más loco, un aspaviento turístico que da hasta miedo. El tema nos retrotrae como pocos a un mundo de sombrillas al sol y a música en vivo en chiringuito a la vera del mar. Pero también recuerda a los grandes del momento funk, James Brown y Sly Stone.
En 1974, con Rumore, dejó perfectamente claro que era una rompedora (hoy se diría crack).

En los ochenta eclosiona para al gran público, pero sus discos no tienen la calidad de antaño, sobre todo por la sobreproducción de sintes y de patrones disco de poco valor.
No obstante ocurre lo que en tantos artistas: su época de declive coincide con el estrellato de ventas.
Pero todo hay que decirlo, Raffella consiguió también en la década de los ´80 algunos hits vistosos.
En adelante vivió de refritos y de ecos de bandas antiguas. Por citar un ejemplo, su superhit Na na hey hey kiss him goodbye, publicado en 1988, es en realidad una versión de Garrett Scott y Dale Frashuer de 1970. Podríamos seguir y sumar.
Disfrutemos de estos primigenios tracks, en los que Carrá está fuera de carril (chiste fácil pero verídico).

A destacar:
> Papá (1971).
> Ratataplan - In the city (1980).
> Amore amore - Caliente, caliente (1981).
> Che dolor (1982).
> Gnam Gnam (1983).
> Lui no (1990).

ZZ Top (Sure got cold after the rain fell (1972) / (Nasty dogs and funky kings) - 1975 / (A fool for your stockings) - 1979 / (She ´s a bad girl) - 1983

Origen: Texas (USA).
Periodo: 1969 - 2012

Siempre me pregunté si estos tíos son en realidad judíos rabinos ordodoxos.

Nadie sabe la razón definitiva sobre su look barbado. La teoría oficial es que a Billy Gibbons -el amo- le hizo gracia eso de la pelambrera facial que tapa papada y arrugas del collamen y se la fue dejando cada vez más larga a modo de firma, hecho este que propició que su alma gemela, Dusty Hill, hiciera lo mismo. Lo mejor es lo de Frank, el batería, que se apellida "barba" -no te lo pierdas- pero es el único que no la luce. De traca.

He de reconocer que la música rock sureña (USA) no me cruje la peana ni me encandila tanto como para articular "Oh my god", "Ou yeah" y cositas de este jaez. No. Podría citar el ejemplo clásico de "banda brasas": Creedence Clearwater Revival, pero tampoco soy muy afín a Lynyrd Skynyrd, otros que cuecen el mismo palique.
ZZ Top se sitúa bien aquí, mal acullá. Tengo percepción encontrada. Hay ocasiones en que es un deleite y otras en que es infumable.
Eso sí, en todo el rock sureño se percibe el tufillo de la antigua Confederación (en que los estados del sur clamaban por continuar con la explotación negrera de los campos de algodón). Quizá esto es mucho suponer, pero yo lo siento así.

ZZ Top luce atributos exageradamente masculinos, esa barba infinita es el más notorio (es como decir "aquí estamos los machos"). Y que conste que soy el primero en defender al Hombre (el del pene), con su particular idiosincrasia, que bien aplicada siempre gustará a la mujer, porque para eso estamos.
Eso es natural, pero no lo es hacer de ello propaganda gratuita. Me dan repelús esas poses de tíos duros, con gafas oscuras, barbados hasta la irrisión, cuyo alarde subsidiario solo está basado en las dos ruedas y los coches potentes (y prepotentes); sombreros western, hebillas de cinturón de a kilo, chupas roídas de carnero. Solamente faltaría el revólver al cinto, pero se intuye.
¿Los estoy llamando payasos?
En su pose, sin duda. Esa tipología de vende-cupones (lo digo por lo de las gafas negras) con un babero inmenso de pelos solo puede indicar algún desajuste psíquico digno de terapia.

En fin, dejémoslo estar.

Después de ponerlos de vuelta y media, también en justicia hay que decir que Gibbons es un inmenso guitarrista, aunque venda cupones, vista como un vaquero trasnochado y se vanaglorie de poseer un babero de pelos. Da igual. Lo es.
Y es también justo y necesario decir que ZZ Top poseen algunos temas gloriosos que se salvan de tanta afectación y pose dura vaqueriza.
El buen montante, como no puede ser de otra manera, se encuentra en sus discos de los ´70. Llegando incluso hasta El Loco (1981).
En 1983 lanzaron Eliminator, con el que a través de un sonido más plástico y accesible (con la inclusión de sintes al gusto del momento) llegaron por fin al gran público, signo de que el grupo entraba en decadencia sin saberlo, como casi siempre ocurre. No obstante, buenísimo el rocanrol "She´s a bad girl" - en selección.
A partir de aquí no hay nada destacable hasta llegar a 2003, seis discos después, en que aparece Mescalero, lo mejor de su última etapa.

A destacar:
> Blue jean blues - Balinese - Mexican blackbird (1975).
> Arrested for driving while blind - El Diablo (1977).
> Dust my broom - Cheap sunglasses (1979).
> Groovy little hippie pad (1981).
> Gimme all your lovin´- Got me under pressure (1983).
> Piece - What would you do - What is it kid -Tramp (2003).
> It s Too easy Mañana (2012).

Les Luthiers (Teorema de Thales) - (Gloria Hosanna, that's the question) - 1971 / (Si no fuera santiagueño) - 1972 / (Homenaje a Huesito Williams) - 1983

Origen: Buenos Aires (Argentina).
Periodo: 1967 - hoy.

En Argentina era común entre miembros universitarios organizar coros.
Un selecto grupo de estos estudiantes montaron un espectáculo de humor con una particularidad: sus instrumentos eran inventados, creados a partir de elementos comunes o de desecho.

Luthier es el nombre francés que se aplica al artesano que es capaz de arreglar y también crear instrumentos, sobre todo de cuerda. De ahí su nombre.

El auténtico luthier fue originalmente Gerardo Masana, miembro del coro de la facultad de ingeniería, junto a Carlos Iraldi.

Mencionaremos alguna de estas curiosas creaciones:

- Dactilófono (máquina de escribir que emula al xilófono).
- Tubófono silicónico cromático, parecido a una zampoña pero con tubos de ensayo rellenos de silicona a diferentes alturas.
- Mandocleta: Bicicleta que hace sonar una especie de mandolina.
- Contrachitarrone da gamba: híbrido entre violonchelo y guitarra.
- Latín: La caja de resonancia es una lata de jamón en conserva.
- Cello legüero: Con cuatro cuerdas para ser tocadas con arco, y también con baqueta estilo bombo.
- Glamocot: Parecido a un cromorno medieval.

Existe en Les Luthiers una gran cantidad de este tipo de "cosas que emiten sonidos", algunas de ellas delirantes, como lo es a su vez este fantástico grupo musicovocal.

En sus obras hacen referencia a un compositor ficticio llamado Mastropiero, cuyas piezas son siempre sátiras de Bach y otros clásicos.

Su mejor producción la encontramos en sus primeros trabajos. A partir de 1973 lanzan sus discos en directo, como bromas teatrales, pero son musicalmente inferiores exceptuando algunos destellos dispersos.
Hay que decir, no obstante, que como espectáculo es de lo mejor que puede o podía verse, chanzas para un público culto, rellenas de guiños y cositas de doble sentido, un humor de altos vuelos no apto para catetos y hoy indescifrable para la generación del whatsapp  y el "Insta".

Disponemos de tesis doctorales sobre Les Luthiers, sobre lo que aportaron con su creatividad a tres niveles: el musical, el humorístico y el ingeniero. Fusión triple única en la historia.
Lo que sigue es su más grande destilado.

Leslie West (Out into the fields) - 1972 / (Waiting for the F change) - 1988

Origen: New York.
Periodo: 1965 - hoy.

Guitarrista y cantante incombustible.
Con una técnica depurada lideró la banda de hard rock Mountain a principios de los 70. Luego continuó en solitario pero con parte de su elenco original.

No ha trascendido al gran público por su obsesión en su estilo cerrado, centrado en el blues-country.
Leslie no era otra cosa que un duro vaquero que cambió las reses por una guitarra (dicho esto en sentido metafórico). Pero así se explicita en sus temas.

"Waiting for the F change" (1988) es un blues al estilo Leslie, cargado de viejo, como a el siempre le gustó.

En "Out into the fields" Leslie está pletórico. Es una joya, lo mejor de sus primeros años.

A destacar:

> The doctor - Pleasure (1972).
> Sifting sand (1973).
> Dear Prudence  (1975).
> All of me (1989).

Vangelis (Spanish harbour) - 1996 / (Memories of green) - 1982 / (La petite fille de la mer) - 1972 / (El Greco Movement 4) - 1999

Origen: Grecia.
Periodo: 1970 - hoy.

Evangelos Oddyseas Papathanassiou, llamado Vangelis, mantiene toda su producción pivotando entre bandas sonoras para películas y sus discos de estudio.

Su obra no tiene una definición especial, es simplemente música ambiental para el gran público y para películas (y también eventos) grandilocuentes.

Después de estudiar toda su amplia producción, hay muy poco que podamos traer aquí.
Es claro que uno de sus puntos álgidos creativos fue la composición para la BSO de Blade Runner (1982). Dentro de esta BSO, destacaremos tres tracks míticos: "One more kiss, dear", "Memories of green" y "Love Theme". Supongo que forman parte ya del imaginario popular. Solamente extraeremos el segundo de estos tracks, además es una revisión de una composición anterior de Vangelis, perteneciente al álbum "See you later" (1980).

En 1996 contruyó un sorprendente tema, "Spanish Harbour".

Otro tema excelente BSO es el movimiento 4, interpretado por la soprano española Montserrat Caballé, y perteneciente a la película El Greco (2007).

Demostramos de nuevo que un artista tan popular como Vangelis no tiene más que unas perlas diseminadas, y eso que que su producción total alcanza a fecha de hoy más de una cincuentena de discos.
Vangelis tuvo la suerte de poder crearse un prestigio, fundado sobre todo en las BSO de Carros de Fuego y Blade Runner, (así como la inclusión de su música en la serie Cosmos de Carl Sagan), y a partir de ahí diversos cineastas han tirado de ese prestigio para colocar su nombre en películas más o menos mediocres: 1492, El Greco, Alexander...

Disfrutemos de lo que nos ha dado Vangelis de verdad en palabras mayúsculas.

A destacar:

> Come on - Let it happen (1973).
> Pulstar - Sword of Orion (1976).
> Chromatique (1979).
> See you later (1980).
> Five circles (1981).
> One more kiss, dear - Love theme - End title (1982).
> Movement 2 (1984).
> Movement 6 (1985).
> Dawn (1990).
> Origins (arrival) (2016).

Aphrodite´s Child (The Beast) - (The Four horsemen) - (Break) - 1972 / (End of the world) - 1968

Origen: Grecia.
Periodo: 1967 - 1972.


Los orígenes del gran Demis Roussos comienzan aquí.
A los teclados, Vangelis (sí, Vangelis Papathanassiou) y Demis al bajo y voz.

Demis y Vangelis estuvieron en conjunción antes de que ambos emprendieran sus enormes carreras en solitario. El estudio de Vangelis vendrá a continuación (existe hace tiempo artículo de Demis Roussos).

Editaron tres discos en los que está, hay que decirlo, muchísimo más presente el alma de Demis. De hecho, alguno de los mejores temas de Aphrodite´s Child fueron a no mucho tardar superhits en su carrera, por ejemplo Rain and tears, It´s five o´clock o End of the world.
No ocurrió lo mismo con Vangelis, que hasta el final de la década de los ´70 no acabó de encontrar su lugar.

En 1972 lanzaron su último trabajo -doble- llamado "666", muy irregular, pero contiene alguno de los mejores y más desconocidos temas de la formación. Por ello nos vamos a centrar en el.
Extraemos la joya semifunky llamada The Beast, y The Four Horsemen, un tema rock con tintes Zeppelin muy interesante. A la guitarra Anargyros "Silver" Kouloris. Y no puedo por más que incluir también el magnífico y final de obra, Break.

Como curiosidad, en el clip de End of the world apreciamos a un Demis Roussos sin sobrepeso, con grandes patillas pero aún con el rostro despejado.
Es muy curioso observar como su desidia hacia la mesura le convirtió pocos años después en la figura oronda que todos recordamos. Este hecho le catapultó a depresiones durante muchísimos años. Prototipo de cantante obeso (junto a Barry White), finalmente consiguió con mucho esfuerzo domar su problema y sorprendió al mundo con su nueva imagen, haciéndose aún más famoso por el éxito de ventas que supuso el mercadeo de su dieta. Esto animó poco después a que una pléyade de famosetes de la prensa amarilla imitaran su ejemplo.

A destacar:

> Rain and tears (1968).
> Such and funny night - It´s five O´clock. (1969).

Nino Bravo (Te quiero, te quiero) - (Voy buscando) - 1970 / (Mi gran amor) - 1972 / (Te amaré) - 1973

Origen: Valencia (España).
Periodo: 1969 - 1973.

Luis Manuel Ferri Llopis fue su nombre real.
Una de las voces nacionales más imponentes.
Falleció en accidente de tráfico a la temprana edad de veintiocho años. Es imposible dilucidar lo que Nino pudo haber conseguido de haber podido continuar con su carrera.

No obstante, logró grabar unas 60 canciones.
Al imaginario popular le han machacado durante largos años con temas que no están mal (veáse por ejemplo Noelia), pero Nino hizo algunos muy sobresalientes y menos conocidos. Destaca sobre todos ellos Te quiero, te quiero.
Siempre hablamos de su voz, pero sus letras también son excelentes.

Existe un tema póstumo muy interesante, quizá el de más ritmo de Nino y que la discográfica no llegó a sacar a la luz hasta 2003, llamado Te amaré.

A destacar:
> El tren se va - Ni el viento ni el tiempo - Por culpa tuya (1971).
> Un beso y una flor - Cartas amarillas - Eres todo cuanto quiero - Por qué - Carolina (1972).
> América, América (1973).

Mott the Hoople (All the young dudes) - (Soft ground) - 1972 / (The golden age of rock and roll) - 1974

Formación británica. Vivos desde 1969 hasta 1974.

Se trata de esos grupos efervescentes durante un corto periodo y que atesoran perlas dispersas olvidadas hace muchísimo tiempo. 

Un fan incondicional de Mott fue nada menos que David Bowie, absolutamente fascinado con este grupo. 

Pero la banda no tenía muchas ganas de continuar. Solamente la insistencia de Bowie consiguió que siguieran en la brecha e involucró a la CBS en un nuevo contrato para ellos y además Bowie produjo y escribió una de sus mejores canciones, All the young dudes. 

No obstante, subsisten en el tiempo temas como The golden age of rock´roll.  
Por cierto, esta composición  suena muy cercana al sonido que muy pronto inventaría Jeff Lynne con ELO.                                     
Posteriormente, editaron dos discos menores, ya con nomenclatura solo Mott, en 1975 y 1976.

A destacar:

> Wrath and roll (1969)
> Ready for love (1972)
> Marionette (1974)

Fanny (Knock on my door) - 1972

Hablamos aquí del primer grupo histórico 100% femenino. No es cualquiera cosa.

Fanny editaron la nada desdeñable cifra de cinco discos de estudio entre 1970 y 1974. Algo inaudito si tenemos en cuenta la estadística, tomando en cuenta todos los estilos musicales. Fueron las primeras en conseguirlo. Ninguna banda femenina fue capaz de editar tantos o más trabajos hasta la aparición de Girlschool en 1980.
Para poner sobre relieve su logro, un par de datos:
En España solamente existen registros de dos grupos completamente femeninos (Vulpes, 1983 y Hinds, 2016). Y Brasil, por citar otra casuística, solo puede contar en su haber con un grupo pop llamado Girls, ya extinto, con un único álbum en 2013.
Lo cierto es que la mayoría de grupos totalmente femeninos se circunscriben casi en su totalidad a países de habla inglesa. Es previsible que esto cambie con el tiempo, como es natural. Aún así, hasta hoy han sido pocos y normalmente de calidad regular.

¿Alguna teoría al respecto? En contra de cualquier interpretación de género, simplemente pensamos que dichas estadísticas son fruto de una configuración politicosocial determinada y que si la cosa no se torciera demasiado, en un futuro ideal las mujeres tendrían igual presencia que sus compañeros.

¿Y esto es lo que creemos que ocurrirá a corto plazo? (pregunta difícil). La respuesta es... No. Desde aquí pensamos que la sociedad no evoluciona, sino que está involucionando. Con lo que todos los prejuicios van a más y a peor. Es nuestra visión y nuestro pronóstico, si nadie lo remedia. Y la cosa en las nuevas generaciones pinta bastante mal.
¿El culpable? ¿Quién o qué tiene la culpa?
Desde aquí lo tenemos muy pero que muy clarito y diáfano. El inevitable (este adjetivo es para estudiar en este caso) mal uso de herramientas como Internet, Twitter, Instagram y Whatsapp. El hecho que se está confirmando poco a poco es que dichas herramientas generan en el usuario un poder para el que el común de los mortales no está preparado. Pero no hay antídoto hoy día conocido para ello (sí claro, el conocimiento y la cultura, pero dichos modus operandi anulan por su facilona accesibilidad el interés real por algo tan complicado como viene siendo ya el simple hecho de abrir un libro y ponerse a leer). Habría que cerrar LA RED, pero es claro, ante tal medida todo indica que nos tacharían de lo peor. Ojo, no estamos abogando por ese cierre, pero lo que sí creemos es que la sociedad no está preparada y que todo ello resulta peligroso. Ojalá esta tecnología hubiera llegado a nuestras vidas en un futuro en el que la mente gregaria y aún muy primitiva del ser humano común hubiera estado a la altura de las circunstancias. Pero no es el caso, lamentablemente.

Una recomendación sincera: agenciaros con la serie La Casa de la Pradera. Es absolutamente imperativo visitarla o revistarla.  A priori sé que os sonará a anacronismo. Pero la sabia o el sabio que tome nota comprobará que aquella mítica serie atesora los valores que hoy se han perdido y que es urgente recuperar. Es un catálogo magnífico. Sobre todo en sus dos primeras temporadas.
La actividad de estas pioneras terminó en 1975, y en 1976 se empezó a emitir La Casa de la Pradera. Una oda no solo a la mujer, sino a muchos otros temas importantes que hoy reclaman atención urgente.

A destacar:
> Take a message to the captain - It takes a lot a good lovin´ (1970)
> The first time (1972)
> Last night i had a dream (1973)

Al Green (I'm so lonesome i could cry) - 1972

Albert Green, nacido en Arkansas en 1946, es un compositor y cantante con más de una treintena de discos de estudio a sus espaldas. Explora el soul desde el gospel, y se pasa de la raya con ello en muchas ocasiones.
De hecho, era un chiflado de la religión, tomando episodios claves de su vida como mensajes de Dios.
Una anécdota: En 1974, Mary Woodson, mujer casada pero amante de Al, propuso a este matrimonio. Al rechazar la oferta, la "delicada" de Mary le endosó una olla hirviendo mientras se bañaba. El pobre Al tuvo que ser hospitalizado con quemaduras de tercer grado, no sin antes saber que Mary se había encerrado suicidándose con una pistola propiedad suya.
Una vez recuperado, tomó el asunto como una señal del Altísimo, se ordenó reverendo, compró una Iglesia, y la religión pasó a primer plano, hecho que afectó a su música y a las ventas. Pero continuó cantando gospel y escuchando señales divinas desde el más allá.
Pelillos a la mar.

Su producción es muy fina, con un estilo vocal que recuerda al gran Curtis Mayfield, contemporáneo suyo.
Después del correspondiente análisis de su discografía, traigo a este podio de supremos un solo tema de su extensa producción. Y no es original de el, sino del cantautor country Hank Williams (1949). Pero es tan diferente y está tan perfeccionado que es como si fuera de Al.
Esta canción ha sido interpretada a lo largo del tiempo por grandes, entre los que encontramos nada menos que a Ray Charles, Jonnny Cash, Dean Martin, Little Richard y el mismisimo Elvis.
Después de escuchar todas las versiones, son muy buenas la de Little Richard y Elvis. Os dejo la de este último para que comparéis. Aun siendo el Rey, y siendo un incondicional de las gloriosas interpretaciones de Elvis (ver post), en esta ocasión hay que hincar rodilla: Al Green es superior en esta batalla.

Hará las delicias de cualquier espíritu sensible. En el se aprecia con claridad sus malabares vocales, intercambiando, como si fuera gratis, su particular barítono a falsetto, y viceversa.

Alice Cooper (I) - (Long way to go) - 1970 / (Luney tunes) - 1972 / (Perfect) - 2005 / No more Mr. Nice guy (1973)

Por fin nuestro querido Alice. Post reservado desde hace mucho tiempo para que este artículo y sus siguientes completen los doscientos en este blog.

Comenzamos con su espectacular álbum "Love it to death" (1970). Disco de cabecera, junto a la consiguiente batería de fenomenales trabajos: "Killer", School´s Out", "Billion dollar babies" y "Muscle of Love".
Es cierto que Muscle of Love tuvo sus más y sus menos con la crítica de la época. Demasiados artistas invitados al festín. Cosa que acabó a la postre como el rosario de la aurora y propició que Alice tomara "las de villadiego", huyendo de su propia banda.

Sin embargo Alice, contra todo pronóstico, se recostó en su cama circular, y desde allí imaginó una locura maravillosa denominada "Welcome to my nightmare", una pesadilla que se sale de tono, de clasificación y que consigue un post estelar dedicado únicamente a este fantástico disco. El cénit de Alice, hablando muy en general. Pues las alturas de este genio son muchas, como veréis tanto aquí como en posteriores artículos.

Alice es y va a ser el único artista que va a desplegar en esta tribuna 4 post. No habrá nadie más. Pero atendiendo a una premisa conceptual: Alice Cooper tiene un recorrido que transita por el hard rock (primera visión analizada aquí), pero también por el pop y por el heavy metal.
Es imposible descubrir a este personaje de una sola tacada. Pues Alice Cooper ha sido varios grupos. Así de cristalino ha de decirse. Por lo cual, por primera vez en el blog el estudio de Alice Cooper debe dividirse en nada menos que cuatro fases.

1) Fase hard rock: Su mejor momento. Se inicia en 1970 y culmina en la disolución de su primera banda en 1974 con Muscle of Love. Pero Alice retoma la estela muchísimos años más tarde, con The Eyes of Alice Cooper (2003), Dirty Diamonds (2005) y Along come a spider (2008).

A destacar fuera de selección los siguientes temas:

> Second coming (1970)
> Public animal nº9 (1973)
> Halo of flies (1972). Curioso e interesante experimento de rock progresivo.
> Elected (1973)
> Is it my body (1970)
> Alma matter (1973)
> Grande finale (1973)
> Be my lover (1972)

Volvemos en breve con su fase 2. Solo dedicada a su Welcome to my Nightmare (1975), disco inclasificable, que supone un puente entre dos épocas.

Milton Nascimento (Travessia) - 1967 / (Um gosto de sol) - 1972 / (Cadê) - 1973 / (Pablo) - 1979

El gran Milton. Post dedicado de nuevo a mi amigo Wences, fan absoluto de este espíritu puro. Y quiero darle las gracias desde aquí por la sugerencia de estudio.
No conocía a Milton. Pero ha sido un auténtico placer escuchar su extensa discografía.
Este compositor, cantante y guitarrista brasileño está cerca del aura chamán de Carlos Castaneda. Palabras mayores.

En algunas de sus composiciones más logradas logra un transporte salvífico y de auténtica comunión con su ser: alma comprometida con el más desfavorecido, pero que también sabe transmitir por momentos una alegría profunda y de esperanza para con nuestra especie.

Lo curioso de Milton es que su mejor germen, su poso y mensaje, ya se deja sentir en Travessia, magnífico tema de su primer disco. Lo que siguió son variaciones de esta estela, pero que ya estaba presente desde origen.
Impresionante y espectacular el sentido speech de Marcha final... (1982)

Exploró el falsete de una manera particular que acabó convirtiéndose en su firma.


Discografía complementaria (y necesaria):

> Nuvem cigana (1972)
> Tudo que você podia ser (1972)
> Um girassol da cor de seu cabelo (1972)
> Milagre dos peixes (1973)
> Miracle of the wishes (1974)
> Idolatrada (1975)
> Minas geraes (1976)
> A Chamada (1976)
> Ruas da cidade (1978)
> Maria, maria (1978)
> Nos bailes da vida (1981)
> Comunhao (1982)
> Marcha final de banzo e de esperanza (1982)
> Em nome de Deus (1982)
> Ladainha (1982)
> Louvacao a Mariama (1982)
> Pai grande (1982)
> Caso de amor (1985)

Camilo Sesto (Sara) - (Fuego) -1972 / (La culpa ha sido mía) - 1979 / (Vuelve) - 1991

Camilo Blanes Cortés, nacido en Alcoy (Valencia) es uno de los artistas más importantes de todos los tiempos, con un récord de nada menos que 52 temas como números uno.
Camilo compone la mayoría de sus canciones, además de producirlas.

Su incansable actividad en la década de los 70´y 80´s le llevó a ser admirado y reverenciado en España, pero sobre todo en América.

Ha vendido más de 100 millones de discos, pero una faceta quizá olvidada de este autor es su generosidad con el más desfavorecido. Un ejemplo: en 1983 hizo en Méjico una docena de galas cuya recaudación fue íntegra para la Asociación Mejicana de Asistencia Cardiovascular, la Asociación de Niños Huérfanos "El Mexicanito", la Fundación Rotaria de Rehabilitación, La Cruz Roja Mejicana y La Casa Cuna "La Paz", entregando los cheques personalmente.

Sus premios y discos de oro y platino son apabullantes. En diciembre de 2004 se edita el recopilatorio llamado "Camilo Sesto nº1", con tal éxito de ventas que consiguió 50 discos diamante.

En 2007, en una votación telefónica del por entonces programa de máxima audiencia Sé lo que hicisteis, fue elegido "el cantante español más famoso de la historia", muy por delante de otros ilustres, como Julio Iglesias, Raphael o Miguel Bosé.

El 28 de mayo de 2011 se le concede en Las Vegas el premio "Máximo orgullo hispano", y se proclama ese día como "Día de Camilo Sesto".

Como os podréis imaginar, ha costado mucho seleccionar solo cuatro temas de su enorme discografía.
Personalmente me encantan las composiciones orquestadas, cercanas a su maravillosa Vivir así es morir de amor (1978). Pero antes de este tema existen dos piezas poco conocidas por el gran público y que ya suponen dos selecciones. Se trata de "Sara" (homenaje a su amiga Sara Montiel) y "Fuego", ambas pertenecientes al disco "Solo un hombre" (1972).

En 1991, después de un retiro de cuatro años, vuelve con un sorprendente trabajo, aportando un sonido más moderno, con la misma esencia. Pero lo que destaca aquí es la incorporación del fantástico guitarrista brasileño Robertinho de Recife, que nos deleita en varios temas del álbum con unos punteos memorables.

Vamos a la discografía complementaria (y necesaria):

- Algo de mi (72)++
- El por qué (72)
- Fresa salvaje (72)
- Solo mía (76)
- Foolish love (76)
- Girasol (78)+
- Vivir así es morir de amor (78)++
- Loving you (79) (con un interesante despliegue de falsete a la moda Bee Gees de la época).
- Vivir sin ti (80)
- Locura sin dirección (84)
- Quién eres tú (85)
- Por qué me tratas así (86)
- Necesito un amor (91)+
- Amores con doble vida (91)

April Wine (Refuge) - (You could have been a lady) 1972 / (Baby done got some soul) - 1975

Grupo canadiense de principios y de larguísima trayectoria. Desde 1969 siguen en la brecha, aunque lo mejor son sus aportaciones en la década de los ´70.
Digo que son de principios, pues es una banda de rock que, llegados los ´80, no giraron hacia el heavy metal  (como tantos otros grupos de rock de los ´70, que sí lo hicieron) y siguieron una línea coherente con lo que venían haciendo.
Han sabido, sin demasiados alardes, mantener una trayectoria encomiable y seria.
En 1975 se atreven con un corte de tiros largos, muy funky y muy raro para April Wine.

En el primer tema YouTube está el disco al completo del ´72 (On Record).
"Refuge" lo podéis escuchar posicionando la línea de tiempo del minuto 19,35 al 24,28.
El segundo track pertenece al mismo disco y se encuentra desde el minuto 1,55 al minuto 5,20.

Bobby Byrd (Signed, Sealed & Delivered) - 1973 / (Let me know) - 1972

Compañero incansable de James Brown, parte integrante del maestro durante décadas, nos deja algunos destellos en solitario mayúsculos.

Aunque en el maravilloso corte "Let me Know", las vocales y el teclado corren a cargo del genio JB, el tema es de Bobby.

Es otro ejemplo de cómo se las gastaba James Brown a los teclados (faceta muy desconocida del ínclito -ver post de James, en el que existe otro increíble alarde a los teclados,  "Today", este ya para alucinar en technicolor-).