Trío visionario. Tres hermanos absolutamente pioneros, sin ser muy conscientes de ello.
Comenzaron lanzando un 7" en onda funk, pero después de escuchar a la inconmensurable primera banda de Alice Cooper (1968 - 1974) decidieron ponerse las pilas y lanzaron al espacio musical un álbum que muy pocos entendieron en su momento (1974), pero en el que ya estaban todos los elementos punk que más tarde todos conoceríamos. Por ello estos temas que traemos aquí pueden considerarse como el primer proto-punk. Tienen muchísimo mérito.
En una época en la que imperaba el funk y el dance, su música estaba varios años adelantada a su tiempo y a discográficas y público le resultaba ajena o demasiado límite.
Muchos años después se los fue poco a poco reivindicando, con lo que se animaron a volver al tajo y en 2015 publicaron un nuevo trabajo, del que hay que destacar especialmente el tema "Change" (inédito en YT, pero disponible en Spotify).
Ejemplos como este salpican constantemente el olvido de la banda durante décadas: El fantástico tema "North Street" fue grabado originalmente en 1980, pero solo lo conocimos en 2014, cuando con su álbum llamado "III", se recogió buena parte de su material inédito hasta esa fecha.
Primera banda de éxito de Eric Carmen (en Sumudaba ostenta el honor de ser el primer post, con su maravilloso "All by myself"). Aunque hay que decir que Carmen tuvo sus problemas en cuanto a derechos de autor, porque estaba claramente basado en el segundo movimiento para piano del compositor ruso Rachmaninoff, pieza construida allá por 1900. Después de litigios, Carmen hubo de ceder el 12% de lo que obtuviera por ventas de este tema. El piano de All by myself es un plagio de Rachmaninoff. Le salvó que estaba a punto de convertirse en arte de dominio público, que son 80 años. Solo le faltaron 5 añitos.
Respecto al grupo que nos ocupa, Raspberries es considerado un primigenio exponente del power pop. Intentaron una mezcla entre los recién extintos Beatles, Small Faces y Beach Boys, según declaraciones de la banda. Y es cierto, pero lastimosamente incidieron en esa faceta tan original muy poco. Solo pueden reseñarse cuatro temas de entre sus cuatro discos que estuvieran en onda power pop. Que son precisamente los que aquí traemos.
No en vano, el grupo se disolvió precisamente por esto: el batería y el bajista querían seguir esa línea más rockera y su líder, Eric Carmen, estaba por otras mieles. Ahí acabó Raspberries y comenzó Eric Carmen en solitario.
Un buen hombre que hizo algunas buenas canciones. Pocas. Cuatro.
La peli biográfica de 2019 no tiene mucho sentido. No es para tanto que un gay triunfe contra los elementos, ya estamos un poco cansados de estas reivindicaciones y menos con esas gafas de atontao.
Los cuatro párrafos que vienen a continuación son exageradamente extra-musicales, aviso. Sálteselos si solo quiere una versión musical del artículo.
Ser gay o lesbiana está demostrado que es una ganga para tener éxito. No hay hijos a priori, con lo que hay una ventaja de tiempo y de espacio creativo sobre el común de los mortales. Por ejemplo, ¿alguien sabía antes de los recientes premios Goya que Bayona era gay? Sale Almodóvar, les ponen un sillón a los Javis (otros gays declarados)... ¿Qué es esto, una fiesta marica o qué? Pues sí, da que pensar. Aunque no viene a cuento, diré que "La sociedad de la la nieve" está sobrevalorada, no está bien que una película que no aporta nada nuevo acapare tantos premios. La he visionado y no me ha parecido superior a "Viven" (Frank Marshall, 1993). Y no es de recibo que la última peli del gran Víctor Erice, pase solo de puntillas. Al igual que no se merece que un gay como Bayona y otro gay como Elton tengan tantos galardones. Aquí hay algo que no cuadra, y es que lo que se ve es que hoy se prima lo gay y lo lesbiano per se. Es notorio que en toda serie moderna se incorpore forzadamente entre sus protas a gays o lesbianas. Y los detectives y comisarios ya no son hombres, suelen ser siempre mujeres, cuando esto es flagrante falseo de la realidad.
Me recuerda a la polémica actual sobre Rafa Nadal y los premios de los y de las tenistas. El dice, y estoy de acuerdo, que si Serena Williams genera más público, entradas y dinero, debe ganar más y, si no, pues no. No se debe pagar igual en los torneos WTA que en ATP, sencillamente porque a día de hoy los torneos masculinos atraen más público y dinero que los femeninos. Si hay que pagar premios debes demostrar que hay detrás un público masivo que paga entradas, no vale solo tu condición. Rafa está en contra del regalo. Es bastante obvio, pero hay una facción que no lo entiende.
A nadie le llama la atención que esa petición de igualdad siempre sea respecto a algo inventado por el hombre? ¿Por qué no inventan ellas algún deporte nuevo, por ejemplo? ¿Por qué siempre quieren ser como ellos, futbolistas, baloncestistas, alpinistas, recientes pilotos de Fórmula 1, etc, etc.? Joder, ¿en serio ELLAS no son capaces de inaugurar un nuevo deporte femenino, que no sea siempre una réplica del invento masculino? Y si la respuesta es que todo está ya inventado, claro que habría que sacar conclusiones. A mí, ahora mismo, se me ocurren reglas para dos deportes completamente nuevos...
Me encanta cuando de verdad la creatividad femenina aflora y destaca, lo he visto multitud de veces. Pero eso que yo he visto, no es algo ni mucho menos común. Ellas siguen, en general, al rebufo masculino cuando tienen el mismo potencial, incluso mayor si hay que afinar, para inventar cosas nuevas. Pero no, ellas se empecinan solo en emulaciones. Triste, pero cierto. Ahí tenéis el panorama: millones de adolescentes chicas soñando con ser futbolistas. Les deseo suerte.
Volvemos a Elton y tiene gracia que esta buena historia no aparezca en su biopic (Rocketman, 2019): Es cuando cogió a John Lennon de la solapa de su chaqueta allá por 1974 y le propuso hacer un tema juntos. Lennon aceptó y Elton apostó a que sería nº1. Lennon perdió la apuesta, pues lo fue. Y tuvo que ir al Madison Square Garden con la banda de Elton en una extraña comparecencia por parte de Lennon, pues se sabe que lo hizo a desgana, pero eso es lo que tienen las apuestas.
Hoy nadie se acuerda de ese magnífico tema, antiguo nº1 de 1974, como digo, con el que, por cierto, abrí Sumudaba. Fue el primer post. Aprovecho para recuperarlo aquí (en la cuarta selección).
De nombre real, Anna Mae Bullock, sus orígenes musicales se remontan a 1961, con el grupo que formó con el que se convertiría en su marido, Ike Turner. Con él construyó un panteón de temas gloriosos, pero lamentablemente fue una unión muy turbulenta en lo personal, con maltrato por parte de Ike, que terminó en divorcio y con Tina volando en solitario a partir de 1974.
Para mi gusto la etapa con Ike fue la mejor de su carrera, pero la abordaremos más tarde.
A destacar:
> Let's Spend The Night Together (1975).
> Back Where You Started - Back Where You Started (1986).
Cantante, compositor, actor, poeta, escritor y diplomático.
Aznavour ha editado discos en francés, inglés, italiano, español y alemán, en un alarde inaudito como "embajador de lenguas".
A Aznavour se le dan bien los temas lentos y románticos, no así los festivos, en los que queda muy por detrás, salvando alguna perla -en selección. Además, es un autor al que el tiempo le ha pasado un severo correctivo, por lo que en nuestro presente quedan solo un hatillo de canciones recuperables.
Por encima de todos los éxitos de Aznavour brilla "She", curiosamente nunca incluida en sus variados recopilatorios. Un tema que también grabó aparte del inglés -su mejor versión- en español, francés y alemán.
Barry, nacido en una familia desestructurada, vivió su infancia como pandillero y probó la cárcel muy pronto. En el trullo escuchó a Elvis y esto le supuso su salvación, según sus declaraciones.
Comenzó con varias bandas sin ninguna repercusión, para más tarde abordar la escribiduría de canciones hasta que consiguió el sueño de su vida: la creación de una orquesta de nada menos que 40 músicos llamada Love Unlimited Orchestra, a los mandos de su amigo Gene Page, más ducho que él en lo concerniente a dirigir una formación de este calibre. Con ella hizo muchos instrumentales disco, que eran a priori una locura, pues bailar sin cantante no era concebible por su discográfica. Aún así, se empecinó en la empresa y tuvo mucho éxito, que mantuvo durante toda la década de los ´70.
Love Unlimited (trío de chicas, una de ellas se convirtió en su mujer, Glodean James) están consideradas como producciones de Barry. El segundo select (High steppin', hip dressin' fella) pertenece a esta formación, bajo la atenta batuta de White. Que nadie se extrañe que cante una fémina... Esto es una constante en Barry Ltd.
En los ´90 tuvo una segunda edad de oro. La crítica lo definió como el mejor exponente del llamado "sexy soul". Aunque es cierto que sus letras hoy dan cierta grima por su exaltación atribulada del sexo y también por la penosa idea de "sentirse subyugado y marioneta", como si uno no pudiera ser feliz sin tener pareja de cama, una necedad consecutiva en nuestro supuesto rey de "lo romántico".
Visto en perspectiva, casi todo el stock de White resulta añejo y superado. Sin embargo, sus temas instrumentales, exentos de su tara sexual, resultan atractivos y pueden ser inmortales.
En consecuencia, por el peso que tuvo este músico en tiempos, muy premiado, y por su voz única y tan característica, es de justicia que tenga su espacio en Sumudaba.
Una curiosidad sobre este artista: Casi todos los temas por los que se le recuerda fueron concebidos en la primera mitad de los años´70, aunque posteriormene fueron redescubiertos, en parte por nuevas ediciones modernas a cargo de su discográfica. De muchos temas instrumentales en origen, Barry hizo después una versión incorporando su voz. "I'm qualified to satisfy you" -primera selección- es un ejemplo. El tema original instrumental pervivirá, el segundo no, aunque aquí lo incluyamos como simple referencia a sus maravillosas vocales.
En tercera selección tenemos otro temazo a cargo de nuevo por Love Unlimited: "It may be winter outside, (It may be winter outside but in my heart it's spring").
En cuarto lugar, un instrumental muy bueno que siempre ha permanecido como se concibio: "Satin soul".
A destacar:
> Under the influence of love (1973).
> You're the first, the last, my everything (1974).
En determinados territorios no tuvo la difusión que merecían. España fue uno de ellos.
Su "Expect no mercy" (1977) es un alarde. Su sonido está por encima de lo que por entonces hacían AC/DC y KISS. No digo más...
En los ´80 y más allá fueron perdiendo fuelle.
Curiosidad: quizá fueron ellos los que inspiraron el famoso "Another one bites the dust" de Queen. Nos referimos a "Waiting for the man" (perteneciente a un disco llamado "Play´n´the game"). Curioso: Ese disco de Queen se titulaba "The Game" y su primer track "Play the game". ¿Casualidad?
Lo probable: Queen escuchó esto en 1978 y luego lo adaptó, cambiando ligeramente el tempo de la batería para 1980. En mi opinión, es clara la influencia de este tema de Nazareth en la composiciòn del famoso de Queen, solo un año más tarde.
A destacar:
> I Will Not Be Led (1972).
> Woke Up This Morning (1973).
> Beggar's Day- Hair of the Dog (1975).
> Vancouver Shakedown - Down Home Girl (1976).
> Gone dead train - Gimme what's mine - Kentucky fried blues - New York broken toy (1977)
Grupazo hard rock minusvalorado, pero que atesora algunas perlas incontestables, sobre todo hacia mediados de los ´70.
Aún sigue en activo, pero ya no son lo que eran desde que desapareció el alma del grupo, Dave Paverett en 1984, compositor, cantante y guitarrista.
En discos posteriores el grupo se decantó por un estilo rock and roll-blues de dudosa calidad, que no tiene nada que ver con sus producciones de antaño. Con Eric Burgeson al mando, la cosa se desinfló y esto ayudó a que esta fantástica banda se diera por olvidada.
A destacar:
> Home in my hand - Wild cherry - Trouble in my way (1974).
Loca maravillosa, cantante, actriz, presentadora explosiva de televisión.
Todos recordamos su presencia en algunas noches de fin de año, pero muy pocos sabrán de su buen hacer primigenio en la música.
Como cantante fue una bomba H desde su primer disco en 1970. De hecho, su producción más interesante se concentra en los setenta, años en los que despliega sin filtro canciones memorables, que cantó en su lengua madre pero también en castellano. Ma che sera (1972) concuerda con el Benidorm más loco, un aspaviento turístico que da hasta miedo. El tema nos retrotrae como pocos a un mundo de sombrillas al sol y a música en vivo en chiringuito a la vera del mar. Pero también recuerda a los grandes del momento funk, James Brown y Sly Stone.
En 1974, con Rumore, dejó perfectamente claro que era una rompedora (hoy se diría crack).
En los ochenta eclosiona para al gran público, pero sus discos no tienen la calidad de antaño, sobre todo por la sobreproducción de sintes y de patrones disco de poco valor.
No obstante ocurre lo que en tantos artistas: su época de declive coincide con el estrellato de ventas.
Pero todo hay que decirlo, Raffella consiguió también en la década de los ´80 algunos hits vistosos.
En adelante vivió de refritos y de ecos de bandas antiguas. Por citar un ejemplo, su superhit Na na hey hey kiss him goodbye, publicado en 1988, es en realidad una versión de Garrett Scott y Dale Frashuer de 1970. Podríamos seguir y sumar.
Disfrutemos de estos primigenios tracks, en los que Carrá está fuera de carril (chiste fácil pero verídico).
A destacar:
> Papá (1971).
> Ratataplan - In the city (1980).
> Amore amore - Caliente, caliente (1981).
> Che dolor (1982).
> Gnam Gnam (1983).
> Lui no (1990).
Vamos a dividir la producción de este supergrupo en dos etapas, definidas por sus dos cantantes icónicos.
Peter Gabriel fue el original. Nos centraremos aquí en este periodo.
Genesis comenzó bien en su debut, pero lo que nadie podía imaginar es que tan pronto, en su segundo trabajo, Trespass (1970), ya sentaran cátedra. Por cierto, de los más olvidados y de escasas ventas. Diría que es el mayor desconocido mejor disco del grupo. Sin embargo, es un álbum fabuloso en el que todo en el es mágico.
Genesis ha suscitado a lo largo de su larga historia muchas cosas, pero creo que ninguna de ellas es tan genuina como la que aflora en este particular trabajo. Genesis es ESTO en su más pura esencia original. Trespass es único, nunca se produjo ni antes ni después música como la que encontramos aquí.
Se trata ni más ni menos de música-maga, perfectamente producida por John Anthony.
El track "The Knife" es monumental, sumergido en esa atmósfera medieval. Totalmente épico. Además es el único tema de Genesis que ingresa en su parte final en el hard rock. Una maravillosa rareza en escala 9.
A continuación hicieron dos discos extremadamente correctos: Nursery Crime, 1971 y Foxtrot, 1972, pero la magia había desaparecido por arte de magia. Bonito, ¿no? Para nada. Genesis seguía ahí, las ventas empezaron a carburar pero a mi no me convencen, falta autenticidad. Es como seguir un patrón sin guía real. De cualquier modo, Foxtrot (netamente superior a Nursery Crime) nos deja algunas composiciones destacables.
En 1973 lanzaron Selling England by the pound en el que vuelve la magia. Y también es el cénit del grupo en un sentido técnico. Todo está perfectamente coordinado, las composiciones supuran arte, buen oficio y son muy interesantes.
En "I know what i like (in your wardrobe)" ya se nota el peso compositivo de Phil Collins. Más tarde, como trío, Genesis hizo varias cosas en esta línea.
Y por fin llegamos a la joya de la corona: "Firth of fifth". Si en un supuesto alguien me exigiera dilucidar cuál es mejor tema de esta banda, elegiría este. Lo tiene todo. Es cierto que es muy Collins pero también es muy Gabriel. Comparte lo mejor de ambas personalidades con el añadido de estar construido por un supergrupo en estado de gracia.
"The Cinema Show" está al mismo nivel.
Para el último trabajo de Peter Gabriel con Genesis, The Lamb lies on Broadway (1974) Gabriel escribió prácticamente todas las canciones; se le había ido un poco la sesera creyéndose una especie de mesías. Estaba en su derecho, pero el resto del grupo no se lo perdonó.
Este último disco es considerado por los fans como una obra maestra. Es notorio el énfasis en temas cortos (en contraposición a la trayectoria anterior), alguno de ellos muy logrado, como "Lilywhite Lilith". Inaguro con este tema una categoría excepcional, ya que irá como Extra en selección (algo que no ocurrirá casi nunca. Esta es la primera vez después de casi 500 discografías estudiadas).
A destacar:
> White Mountain - Viions of angels - Stagnation - Dusk (1970).
> Watcher of the skies - Time table - Get´em out by friday - Can-utility and the coastliners (1972).
> Dancing with the moonlit knight (1973).
> The lamb lies down on Broadway - Cuckoo Cocoon - In the cage (1974).
Con un buen bagaje anterior, publicaron su debut en 1973.
ABBA son dos parejas de músicos. Su nombre es un acrónimo construido por las iniciales de cada miembro.
Dos parejas que acabaron casándose, pero también divorciándose. Y en el interludio estuvo este proyecto, el de mayores ventas en la década de los setenta. Se dice pronto.
Su segundo y tercer trabajo albergan lo mejor de Abba, ayudados en parte por el famoso efecto sónico "wall of sound" del polémico productor Phil Spector. Una técnica con el que daba la sensación de estar en una sala de conciertos atestada de gente o en un espacio con exceso de "reverb".
A colación, en 2013 el realizador David Mamet hizo una gran producción (jamás estrenada en cines) llamada "Phil Spector", protagonizada nada menos que por Al Pacino. Recomendable.
Wall of sound tuvo más enjundia en otros grupos. Abba, muy pronto, ya en 1976, comenzó a hacer temas con poco estatus, perdiendo el rumbo.
En 1980 lograron una buena nueva: Gimme, gimme, gimme!, último hit antes de su deceso.
Conclusión: Un grupo no para el recuerdo sino en el recuerdo, que desde nuestro punto de vista solo tiene que añadir tres cositas a esta nuestra particular historia musical.
Cositas que, por cierto y como casi siempre, no están incluidas en la mayoría de sus Greatest Hits.
Es la otra cara del envés, compuesta en papel de ultramarinos, ese antiguo envoltorio que no hace ruido al plegarse porque está encerado y nos retrotrae a los buenos tiempos.
Eso es Abba en estas tres selecciones.
A destacar:
> Waterloo (1974).
> I Do, I Do, I Do, I Do, I Do - I’ve Been Waiting For You (1975).
> Tiger (1976).
> Take a chance of me (1977).
> Gimme, gimme, gimme! (1980).
> Slipping Through My Fingers (1981).
Hablamos de una diva de la Música. Una absoluta delicia que se inició en el jazz durante muchos años y acabó también internándose en el R&B y el soul.
Ya la citamos en el post de Barbra Streisand con su impecable All in love is fair, uno de sus mejores temas, del que Streisand hizo una de sus versiones más aclamadas, sin llegar a superar la de Wilson.
Cantante bastante desconocida para el vulgo. Preocupable. Aunque hoy día al grueso de las nuevas generaciones solo parece interesarles chorradas melódicas de cantantes ínfimos y tontunas hip hop. Muy penoso todo, muy cutre, todo relleno de hamburguesa, pizza y alitas de pollo. Barato.
Los platos cocinados con mimo y a fuego lento no son la norma, ni mucho menos.
Por eso la recuperación de esta grandiosa artista nos retrotrae a los tiempos en que se hacían maravillas.
Su discografía es brutal, más de 65 discos.
La pregunta es: ¿Por qué Nancy Wilson no es conocida como se merece? La respuesta, sencilla: Es música demasiado delicada. Lo delicado no tiene cabida en nuestro mundo estertórico y apabullante. Es música exquisita, para degustar lentamente, sin prisa.
En esta ocasión, igual que ocurrió con The Beatles, no hay "Destacables". La mayoría de sus temas son muy buenos. Traemos en selección únicamente sus temas supremos.
Grupo ecléctico beat. Sus miembros eran cada uno de un punto distinto geográfico:
Antonio Martínez (guitarra) de Madrid; Manolo Fernández (teclados); Miguel Vicens (bajo) de El Ferrol y Pablo Sanllehí de Barcelona.
Su carismático cantante era un alemán de Berlín, Michael Volker Kogel Sumaya, llamado Mike Kennedy a partir de su separación de Los Bravos en 1969.
Fue sustituido por Robert Wright, y luego por Ari Seur, al que podéis apreciar en "Down" (selección).
Tuvieron un fulgurante éxito internacional en 1966 con Back is black.
Sin embargo, sus mejores temas no están en el imaginario popular. Pero son muy buenos.
A destacar:
> Quiero gritar- La moto - Back is black - Stop that girl - Baby, believe me (1966).
> Sympathy (1967).
> Dirty streets - Live girl - Love and sympathy - I´m feeling (1969).
Su alineación original, que es la que realmente nos interesa por ser la mejor, incluía a Ronnie Montrose a la guitarra, Sammy Hagar al micrófono, Bill Church al bajo y Denny Carmassi a la batería.
Con esta formación lanzaron un álbum debut legendario, llamado "Montrose" (1973) y un segundo trabajo en 1974, denominado "Paper Money", ambos producidos por Ted Templeman (famoso por ser también productor de Van Halen).
El primer disco de Montrose es muy emocionante, pues es como escuchar a unos Led Zeppelin desatados, con más potencia, aunque tiene valor intrínseco: Muy poca gente era capaz de hacer lo que se hizo aquí en 1973, un hard rock perfecto, de muchísmo peso y calidad, en el que Templeman tuvo sin duda un lugar destacado. En su momento no tuvo gran éxito de ventas, pero con el paso de los años adquirió calificación platino (1.000.000 de copias vendidas).
Existe un tema en su segundo disco -en selección- que supone uno de los primeros precedentes del pop-rock moderno y esto hay que valorarlo pues está adelantado en el tiempo varios años.
Sam Hagar, que así se le llamaba por ese entonces, cantó solamente en estos dos primeros discos. A partir de ahí inició su carrera en solitario hasta que Van Halen lo reclutara a mediados de los ´80.
Hablaremos en breve de la carrera en solitario de Ronnie Montrose.
Esta superbanda estadounidense de funk y soul dio sus primeros pasitos en 1964, aunque no lograron poner en el mercado su primer disco hasta 1969.
Tras el estudio de su discografía, encontramos ya temas fabulosos en 1972 como Rated X y Love the life you live.
Y en 1973, los apoteósicos Funky stuff y Hollywood swinging.
En 1974 hallamos el genial Fruitman y el ritmo ya característico del grupo en Rhyme tyme people.
En 1975 llega por fin el que para nosotros es el tema más efectivo, Spirit of the Boogie, una firma del sonido K&G setentero.
El funk con instrumentación real se mantiene hasta finales de la década, pero como ocurrió con Earth Wind & Fire (una banda paralela en muchos aspectos), llegados a 1979, lanzan Too hot, junto a Ladies Night, ambas muy buenas canciones, apartándose radicalmente de su estilo.
En los ochenta y siguientes son una sombra de lo que fueron.
A destacar:
> Chocolate buttermilk - Give it up (1969)
> Rated X - Love the life you live (1972)
> Funky stuff - Hollywood swinging (1973)
> Cosmic energy - Open sesame (1976)
> Take my heart (1981)
> Big fun (1982)
Se trata de esos grupos efervescentes durante un corto periodo y que atesoran perlas dispersas olvidadas hace muchísimo tiempo.
Un fan incondicional de Mott fue nada menos que David Bowie, absolutamente fascinado con este grupo.
Pero la banda no tenía muchas ganas de continuar. Solamente la insistencia de Bowie consiguió que siguieran en la brecha e involucró a la CBS en un nuevo contrato para ellos y además Bowie produjo y escribió una de sus mejores canciones, All the young dudes.
No obstante, subsisten en el tiempo temas como The golden age of rock´roll.
Por cierto, esta composición suena muy cercana al sonido que muy pronto inventaría Jeff Lynne con ELO.
Posteriormente, editaron dos discos menores, ya con nomenclatura solo Mott, en 1975 y 1976.
A destacar:
> Wrath and roll (1969)
> Ready for love (1972)
> Marionette (1974)
John Robert Cocker, cantante y compositor de Sheffield, Inglaterra.
Nos dejó sin su voz inconfundible, rasgada y rota en diciembre de 2014.
A pesar de que una gran parte de su producción estuvo basada en versiones de grandes artistas, nos legó algunas pocas joyas compuestas por él mismo. Quiero destacar entre ellas I get mad (1974).
Su mejor disco en conjunto sin duda alguna es el espectacular "Luxury you can afford", editado en 1978, en el que encontramos además una bestial versión del I Heard It Through The Grapevine de Marvin Gaye, totalmente irreconocible y superior a la original (si no, no estaría aquí), con un Cocker pletórico y adrenalínico como nunca jamás se le ha podido escuchar, ni antes, ni después.
Por último, incluyo Night Calls, una canción escrita por Jeff Lynne (ELO) para Joe, en la que Jeff toca todos los instrumentos. Se la envió a Cocker simplemente para que insertara la voz. Y lo cierto es que el proyecto quedó de luxe.
A destacar:
> She Came In Through The Bathroom Window / She's So Good To Me (1969).
> Sandpaper Cadillac (1969).
> Fun time / I know (1978).
> Sweet Little Woman (1982)
> You Can Leave Your Hat On / Heaven (1986)
> Unchain My Heart (1987)
> Just To Keep From Drowning (1989)
> Can´t Find My Way Home (1991)
> N'oubliez Jamais / What Do I Tell My Heart / Loving You Tonight (1997)
El rock progresivo que exploran es más cercano y accesible que el que construyeron otros grupos por la misma época, sin minusvalorar su capacidad técnica.
Solamente publicaron cuatro discos entre 1970 y 1974. Los dos primeros por Vertigo, los dos últimos por Dawn Records.
Mientras Staircase to the day recuerda a los Heep de "Come away Melinda", en Going for a quick one resuenan a borbotones los Stones. Curioso grupo.
Su último trabajo de 1974, "Staircase to the day" es el más interesante en conjunto, con un desarrollo espectacular en varios niveles compositivos y estilísticos. Por cierto, único disco con portada del inefable Roger Dean, del que parece que siempre emana calidad, sea cual sea el disco que contenga su arte. ¿Conjuro, casualidad? Los hechos están ahí.
Never wanted you!!
Nueva joya en la oscuridad.
A destacar:
> The new one (1970)
> (A ballad of) a peaceful man (1971)
> Gootime girl - Peter (1973)
> Staircase to the day (1974)
Antonio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim. Nacido en Río de Janeiro en 1927.
Compositor, cantante, pianista, guitarrista, fue el artífice en dar a conocer al mundo la bossa nova.
La bossa nova (traduciendo del portugués, algo así como "nueva tendencia") significa en realidad una manera rítmica particular de hacer música, enraizada en el espíritu y sentir brasileiro.
Jobim fue un maestro en explicitar este sentir musical, sobre todo en dos composiciones para la historia, como son Insensatez (existen diferentes versiones, la mejor, la instrumental al piano minimalista, en selección) y Desafinado, ambas de 1963; que jamás deberían ser olvidadas pues engloban un aura único y es el legado supremo de este importante músico del siglo XX.
En Desafinado incorpora a la bossa un suave jazz. Jobim, de hecho, siempre fue cercano al jazz, entendido este como un ligero acompañamiento a sus compases de ritmo tradicional.
En el inspirado año 1963 existe otra composición paralela (Meditaçion).
Otro tema a destacar es la versión de Brasil (Ary Barroso, 1939). Jobim consigue darle un toque muy genuino.
Y por último hay que citar Aguas de março, compuesta por Jobim de nuevo en ese mágico 1963 para la inefable Elis Regina (artículo en breve). Dos astros brasileños que hicieron de este tema algo parecido a un himno. Sin duda una de las melodías de todos los tiempos a resaltar de la producción musical de Brasil.
Me quedo con la versión interpretada por ambos en 1974.
A destacar:
> Nuvens douradas (1973)
> Falando de amor (1980)
> Passarim (1987)
> Chega de saudade (1987)
Un nombre curioso. Nadie sabe con seguridad de donde proviene. Unos dicen que del personaje robot de un cómic, otros dicen que era un apelativo del modelo de coche Ford T. La versión más creíble, de un amigo cercano a Phil Lynott, asegura que es una deformación que hizo el ínclito del nombre de una chica que conoció llamada Liz Igoe.
Nacieron en Irlanda en 1969 por el conjuro colegial de sus dos primeros componentes: el negro Phil, cantante, bajista y líder desde el minuto uno, y el baterista Brian Downey.
Lynott fue el primer negro irlandés en obtener éxito en una banda rock.
A pesar de una opinión generalizada y errónea, nunca fue una banda heavy metal hasta sus últimos estertores. El último y desafortunado álbum (Thunder and Lightning, 1983) es el único que puede entrar en esta categoría.
Thin Lizzy tuvo una época magistral que comprende desde 1975 hasta 1981, en la que demostraron hacer un hard rock diferente, de muchísima clase, distanciado de sus competidores sobre todo gracias a las vocales majestuosas de Phil, que les encumbraron como una especie de "lores del rock".
Enseguida lo comprenderéis los que nunca hayáis escuchado a Lynott en su salsa.
El bueno de Phil, antes de morir, se codeaba en sus dos discos en solitario (artículo en breve) con los mismos Mark Knopler y Huey Lewis.
Fue una voz que, a mi parecer, tuvo un altísimo valor en sí misma, se merece de largo esa visitada estatua en Harry Street (Dublin) en bronce y a tamaño real.
El grupo contó con guitarristas fantásticos, tales como Scott Gorham. Vivian Campbell (Dio/Def Leppard), el "mano sutil" Snowy White y también con Gary Moore.
En contra de los puristas, que encumbran a Jailbreack (76) , Johnny the Fox (76), Bad Reputation (77), o incluso el trabajo de Moore, Black Rose (79), como los cénit del grupo, mi disco favorito no es ninguno de los mencionados. Lo estudiaremos en el siguiente post, pues se merece un artículo independiente.
A destacar:
> The rise and dear demise of the funky nomadic tribes (1972)
> Fighting my way back (1975)
> Slver dollar (1975)
> Warriors (1976)
> The boys are back in town (1976)
> Dancing in the moonlight (1977)
> Killer on the loose (1980)
